Cette naissance n’efface pas ce qui précède : Luce avait longtemps écrit « des chansons qui n’étaient jamais mises en musique », devenues poèmes. Trish bricolait, « en mode MacGyver », un studio à Les Temps d’Arts : une cabine d’enregistrement montée avec de la mousse de canapé et de matelas, dont l’ingéniosité fait sourire les ingénieurs du son. Le cadre pédagogique n’est pas anodin : ateliers MAO au Chato’do, session au Studio Pôle Nord, présence de Crush qui passe, écoute, propose un son. Le chaînon se ferme quand le texte de Latence s’aimante à la boucle. À partir de là, tout va très vite.

Le travail commun s’installe comme une résidence permanente. « On allait au restaurant, on écrivait… » Carnets, téléphones, mémos : tout recueille des fragments qui s’agrègent en chansons. Chacun écrit ses seize mesures, l’un ou l’autre décide d’un refrain quand une phrase « sonne » juste. Parfois, ce refrain arrive avant tout le reste. Acquisition d’une illusion naît d’un motif scandé dans un dictaphone – « Tu te reposes sur des acquis, même pas acquis » – qu’un beatmaker transforme en métrique praticable. Le matériau textuel commande la musique autant qu’il s’y ajuste.

Crédit photo : Claire Goldmann

L’autre morceau-totem s’appelle Kir cassis. Tout part d’un détail banal – des verres servis – que Luce fixe dans un quatrain griffonné : « A grandes gorgées de kir cassis, / on sirote notre cirrhose heureuse. / On enjamble les interstices / et les bâtons dans les jantes. » L’expression « bâtons dans les jantes » vient de Trish, comme le Kir cassis lui-même ; mais c’est Luce qui l’arrête par écrit et lui donne sa forme. Ce va-et-vient résume la méthode : l’un impulse, l’autre cadre, puis la prod’ prend appui. Crush compose, « beats assez hauts, 180 », des textures nerveuses et dansantes. La chanson devient « la plus difficile à faire en concert » tant le débit est rapide ; elle s’impose aussi comme leur titre le plus fédérateur.

Rien, dans cette trajectoire, n’a été cherché de façon classique. « On n’a jamais cherché une date », disent-ils. Le premier concert enclenche une mécanique discrète : à chaque passage, deux propositions de plus. « Avant même que des gens aient écouté Pagaille, on était déjà Pagaille pour eux », note Luce, évoquant une identité visuelle « bariolée » qui précède parfois l’écoute. Le Chato’do ouvre des « cartes blanches » à Les Temps d’Arts, Studio Zef appelle, d’autres lieux suivent. L’ancrage local est assumé jusqu’à la formule : « mondialement locaux. »

Ce qui va vite se grippe pourtant du côté de l’intendance : « Monter une association. Faire une feuille de route. Un dossier de presse. » Apprendre les algorithmes, fabriquer des vidéos, penser « reels », formats, calendriers de stories, préparer l’Instagram « avant même de sortir le truc ». Huit mois d’amont absorbent la disponibilité d’écrire. Les répétitions rejouent des titres « écrits il y a un an », l’élan se fige. « On a découvert ce monde-là, on a voulu le faire, et on s’y est épuisés littéralement. » Trish ajoute le constat frontal : seul, « TDAH », derrière un ordinateur, « je galère grave ». Il avance une hypothèse rétrospective : « On aurait dû faire comme nos parents musicaux, s’en foutre. » Au lieu de quoi, Pagaille a voulu « faire fonctionner le monde d’aujourd’hui » en le prenant au sérieux, tout en s’en disant « anti-réseaux sociaux » et « anti-QR code ». Le paradoxe, ici, n’est pas théorique : il entame la possibilité même de créer.

Sortie du premier EP et concert ce jeudi

Malgré les épreuves le premier EP, Des bâtons dans les jantes, sort jeudi 28 aout, avec une fête au Saint-Lubin, à partir de 19h30, en warm up du festival La Connexion ce weekend. Le message l’énonce dans une ironie caressante, fidèle à leur ton : « Nous, Pagaille, groupe de renommée mondialement locale, sommes fiers de vous inviter à notre fête de sortie d’album, le jeudi 28 août au Saint Lubin ! En plus d’être le jour où vous pourrez enfin écouter Des bâtons dans les jantes en boucle sur votre plateforme préférée, nous partagerons cette soirée avec le génial duo Ultramoderne, nos parents musicaux, sans qui Pagaille n’aurait jamais vu le jour. (…) Des bisous en Pagaille et des paillettes multicolores biodégradables. » L’EP compte six titres, travaillés dans l’intensité de la première année et retenus pendant les mois de mise au carré.

Le clip de Kir cassis accompagne cette bascule. Réalisé par Gabriel Ariñ Pillot, il a été tourné à Les Temps d’Arts, au Lobis et en bord de Loire, avec la Rosalie de la Vitrine itinérante, ce dispositif cyclable venu de l’école du paysage.

Les titres doivent arriver sur toutes les plateformes, Spotify, Deezer, YouTube Music, Amazon et autres : l’important est que « les gens puissent enfin écouter » des paroles que certain·es chantent déjà.

La sortie de l’EP fige un moment, sans le résoudre. Elle rassemble ce que la première année a produit, ce que la deuxième a mis en attente. Elle prend la mesure d’un groupe « mondialement local », qui a rendu sa poésie praticable sur scène, au prix d’une fatigue qu’il n’a jamais dissimulée. « On ira au rythme de la vie et au rythme de nos envies », disent-ils encore à propos de la suite. Cela suffit à donner au concert du Saint-Lubin la portée d’un point d’orgue. Si l’histoire continue, elle se racontera sur les plateformes et peut-être à nouveau sur scène. Si elle se suspend, elle laisse un disque et un clip qui disent l’essentiel : Pagaille n’est pas un effet, mais une manière de tenir ensemble un poème, une voix et un beat, malgré les bâtons.

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Et le clin d’œil dépasse l’hommage : Wilko Johnson, grâce à l’un des fondateurs de l’association, Stéphane Jopek — figure familière de la scène rock locale —, a occupé une place particulière dans l’histoire de Roxette. « On a pu entretenir des relations avec lui, on a fait des émissions de radio, des interviews… Tout ça, c’était un peu le graal pour nous d’être en contact avec lui », confie Christophe Arrondeau, membre actif de l’association. C’est à cette histoire que Roxette doit son nom. Un hommage assumé à Dr. Feelgood et à leur guitariste Wilko Johnson, qui a même accepté le titre de président d’honneur de l’association.

Roxette est née en septembre 2002, autour d’un groupe d’amis, huit personnes au départ. Le moteur, dès l’origine, tient en une envie simple : pouvoir organiser des concerts de musiques peu représentées sur le territoire. Très vite, un homme joue un rôle de catalyseur : Michel Delonin. « Il avait des contacts avec certains producteurs, certains musiciens », explique Christophe. Grâce à ces connexions, Roxette commence à monter ses premiers concerts dans une ligne résolument blues, une orientation qui laissera longtemps son empreinte dans l’image publique de l’association. « C’était vrai à une période, puisque l’on a beaucoup travaillé avec le catalogue Dixiefrog. Mais au fur et à mesure, on a essayé au contraire d’apporter de la variété, de la diversité dans nos propositions de concerts. »

Depuis, Roxette n’a jamais cessé de programmer des concerts. L’association, qui rassemble aujourd’hui un peu plus d’une vingtaine de membres actifs, continue de faire vivre cette dynamique avec régularité. « Samedi avec Rock en Vienne, ça sera le 162e événement. On a fait passer plus de 214 groupes différents ; au total, 358 artistes, dont plusieurs ont été reprogrammés », précise Christophe Arrondeau. En complément des concerts, l’association a développé une émission sur Studio Zef, devenue un autre espace d’expression et de diffusion pour ses choix musicaux.

Si Roxette tient depuis plus de vingt ans, c’est aussi grâce à une stratégie de coopération assumée. L’association présidée par Yves Gendrault ne possède pas de salle en propre. Cette absence de lieu propre impose de travailler systématiquement en partenariat avec d’autres acteurs culturels locaux : le Chato’do, la Maison de Bégon, la Ville de Blois, BD Boum, le club de la Chesnaie, le Ben Blues Bar… Actuellement, une seule action annuelle est intégralement portée par Roxette : le « Come back Rock’n’Roll », festival de fin d’été, organisé le dernier week-end du mois d’août à Saint-Sulpice-de-Pommeray. Apparu juste après la pandémie de Covid. « On avait trouvé un terrain à Saint-Sulpice où on pouvait accueillir du public selon les critères sanitaires du moment. Comme il n’y avait pas eu de concert depuis plusieurs mois, on a dit : “Allez, on se fait un Come back Rock’n’Roll !” On trouvait le nom sympa, donc c’est resté. » Le choix de cette période n’est pas anodin : « C’est la fin de l’été, une période où il ne se passe rien pour nous. C’est l’occasion d’annoncer que Roxette revient pour une nouvelle année de programmation ! »

Question programmation, la prochaine soirée, baptisée « Rock en Vienne », est pour ce samedi 26 avril (de 19h à 00h30 environ), à l’ALCV – salle Dupré – à Blois. Elle réunira Happy Go Lucky Band, The Kwinks et Celtic Vagabond. Le Happy Go Lucky Band s’est formé il y a deux ans autour de musiciens chevronnés. Ensemble, ils explorent de nouveaux rivages : une musique tournée vers l’americana, la country, le folk. Les fans des Cry Babies seront ravis de découvrir les Kwinks avec des reprises des Who, des Kinks, des Small Faces… les années 60 anglaises, le Swinging London. Autre invité de la soirée, Celtic Vagabond, mené par Paddy O’Turner. Ce groupe revisite des standards traditionnels en leur insufflant une énergie neuve, avec des arrangements qui flirtent parfois avec le psychédélique, parfois avec le progressif. « Nous, on aime beaucoup », confie Christophe.

Le volet DJ set, vers 23h30, sera assuré par Les Platines. Derrière ce nom, deux jeunes femmes d’une vingtaine d’années, dont l’une est membre des Brunettes. « Elles sont très orientées fin des années 60, début des années 70, rock garage. » Elles partageront les platines avec Gigi Santo et Blue Demon, deux figures de la scène orléanaise. « Ils ont une pertinence dans leur choix rock, avec des artistes qui nous sont inconnus. »

Trois groupes, un DJ set et des entrées très abordables ! En effet, Roxette continue de défendre une politique tarifaire accessible. « Là, par exemple, samedi, ça va être 10 euros en prévente [LIEN ICI], 12 euros sur place. Pour trois groupes et un DJ set, ça ne me paraît pas énorme ! »

Du punk en juin

Bref, « cette soirée-là, elle va être rock. Mais celle du mois de juin au Chato’do, dans le cadre du Hangar, va plutôt être punk », prévient Christophe Arrondeau. Deux groupes seront sur la scène en plein air blésoise : les orléanais de Yeti et The Huile, de Sens, constitué à 50 % de membres de Johnny Mafia. L’état d’esprit qui préside à cette initiative reste fidèle aux principes de Roxette. Les musiciens viennent par passion, conscients des limites financières de l’association. « Ils ne seront pas payés à leur juste valeur. Ils sont sur des cachets très différents de Johnny Mafia… »

C’est sans doute là que se situe l’essentiel. Depuis ses débuts, Roxette revendique un fonctionnement associatif fondé sur le collectif, une fidélité sincère aux musiques qui les animent, et cette volonté obstinée de continuer à transmettre — sans calcul, sans ambition démesurée, simplement par passion.

Parmi les souvenirs marquants de ces vingt-deux années de programmation, Christophe Arrondeau évoque plusieurs moments forts. Wilko Johnson bien sûr. Autre figure qui occupe une place à part dans cette histoire : Little Bob, artiste emblématique du rock français. « Pour nous, ça représente quelque chose dans le monde du rock français, et on l’a eu à la maison. » D’autres noms lui reviennent avec la même intensité : Elliot Murphy, Bernays Propaganda, Frandol, François Lebas… Mais au-delà des concerts eux-mêmes, Christophe insiste sur ce qui fait aussi l’essence de Roxette : le collectif, le travail partagé, l’engagement commun. « Les bons souvenirs, c’est aussi quand on installe le Come back, où on est pendant plusieurs jours ensemble à travailler pour faire cette soirée. Des fois, c’est un peu compliqué, mais ça reste en somme de très bons souvenirs, parce que c’est la finalité de l’association : faire des choses ensemble. »

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Kofi, une identité musicale entre fusion et racines

Derrière Kofi, il y a une histoire riche et personnelle. Originaire de Saint-Michel-sur-Orge, le fondateur du projet a choisi ce pseudonyme en référence à ses origines béninoises. « Kofi », en langue fon-gbe, désigne les garçons nés un vendredi. Ce nom, qu’il s’est attribué au lancement de son projet solo, incarne son lien avec ses racines et son identité musicale.

À ses débuts, Kofi se voulait un projet solo. Cependant, dès les premiers concerts, il a évolué en duo avec Victor Egea, un saxophoniste. « Le projet était parti pour être solo, mais jouer avec Victor a tout changé. Nous avons pris tellement de plaisir sur scène que c’est devenu un duo presque naturellement », explique Kofi. Aujourd’hui, le projet s’épanouit en collaboration avec le bassiste Vincent Tochet, formant un duo qui allie puissance et sensibilité.

Un parcours jalonné d’expériences et de rencontres

L’histoire musicale de Kofi est marquée par des rencontres et des hasards heureux. Ayant commencé par la guitare à 15 ans, faute de pouvoir accéder à une batterie, il découvre rapidement la basse, un instrument qui devient une véritable passion. Plus tard, c’est la batterie qui l’attire, en intégrant un groupe qui avait besoin d’un batteur. Ces expériences forgent son style.

Ses influences musicales sont vastes : du jazz et du jazz-funk à la musique africaine, en passant par le rock des années 70 et le rap français des années 90. « J’ai grandi avec Led Zeppelin, Pink Floyd, King Crimson, IAM, NTM, et des albums comme L’École du micro d’argent d’IAM ou Le combat continue d’Idéal J. Cette diversité m’a poussé à créer une musique hybride, sans frontières. » Cette richesse se ressent dans ses compositions, où chaque morceau est une exploration musicale.

L’album Ablumé : un témoignage intemporel

En 2014, Kofi sort Ablumé, un album fondamental dans son parcours. Le titre, qui signifie « dans l’obscurité » en fon-gbe, reflète l’atmosphère introspective et souvent sombre de ses morceaux. « Ablumé représente beaucoup pour moi. Il marque une période importante de ma vie, tant sur le plan personnel qu’artistique. »

L’album est illustré par une pochette marquante à partir d’une photographie en noir et blanc d’un enfant dans une bassine, baigné par une lumière tamisée. « Cette photo, je l’ai prise un peu à la dérobée et cette scène se passait dans une pièce qui était un peu obscure, dans laquelle il n’y avait pas trop de lumière. C’est lié à ce que dit la musique et à son esthétique, un peu dark aussi.

Durant ces dix dernières années, Ablumé a continué de vivre à travers les concerts, les réarrangements et l’envie du public. « Les gens prennent du plaisir à les entendre, et nous à les interpréter. »

Un album live pour célébrer une décennie musicale

Pour marquer les dix ans de Ablumé, Kofi sortira en décembre 2024 un album live, enregistré lors d’un concert exceptionnel en 2022. Ce projet, déjà disponible en version CD lors de ses concerts, sera mis en ligne sur les plateformes de streaming dès le 12 décembre. « Ce live, c’est une manière de boucler la boucle, de célébrer cet album qui a eu une vie si riche. »

En plus de revisiter les morceaux de Ablumé, le live inclut des réarrangements inédits et un ou deux nouveaux titres. « Ce projet n’est pas seulement un hommage au passé, c’est aussi une transition vers l’avenir. En 2025, je prévois de sortir un nouvel album, avec des idées nouvelles et une évolution musicale. »

Un style inclassable, une fusion audacieuse

La musique de Kofi échappe aux étiquettes. Souvent classée comme afro hip-hop, elle dépasse largement cette définition. « C’est toujours difficile pour moi de mettre une étiquette. Je préfère dire fusion, car ma musique mélange tellement d’influences. J’ai toujours du mal en fait à définir le style parce que c’est vrai qu’il y a autant de rap que de rock que d’influences un peu africaines que de dub, reggae. »

Ce refus des cases musicales reflète aussi sa manière de travailler. Kofi gère lui-même son booking et sa production, une approche artisanale qui lui permet de conserver une grande liberté artistique. « L’industrie musicale pousse à produire constamment. Moi, je suis à contre-courant. Je préfère prendre le temps de faire vivre mes projets. »

Kofi en concert samedi 23 novembre 2024 à la Maison de Bégon (Blois) en 1ere partie de Balaphonics. Tarifs : de 8€ à 16€.

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« L’histoire de notre groupe commence vraiment en 2019, explique Marie. Le duo s’est formé sur la base de compositions qui existaient déjà. Nous avons eu l’envie de créer un groupe pour les présenter sur scène. Nous avons alors décidé de mixer nos compétences pour former un duo assez minimaliste. Jean jouait principalement des instruments à vent comme la flûte, et des claviers. Nous voulions une base minimaliste pour mettre en valeur les textes, mais finalement, notre musique a évolué vers un style beaucoup plus électro-pop. »

Aujourd’hui, le répertoire de Trans Chacal Express compte 80 compositions et tourne en live avec 16 titres. « Nous aimons surprendre notre public et éviter la répétition, d’où notre désir de faire évoluer constamment notre répertoire », confie Marie. « Et nous avons une particularité : nous projetons des images qui sont liées aux textes des chansons. La particularité de Jean, c’est qu’il visualise également des images lorsqu’il compose, ce que nous essayons de traduire pour plonger le public dans notre univers un peu décalé, et cela semble bien fonctionner d’après les retours. »

L’univers visuel varie en fonction du thème de la chanson. Et chaque titre est différent. Par exemple, avec ‘Ceci n’est pas’, nous voulons « remettre en question certains discours autoritaires qui ne parlent pas d’interdiction mais de recommandation. Nous utilisons des pictogrammes très simples pour exprimer cette confusion. Ainsi, nous réussissons à faire comprendre le message et à préparer le public pour la chute de la chanson. En revanche, la vidéo est beaucoup plus poétique pour la chanson ‘J’en de la lune’, qui traite de l’acceptation de la différence. Pour la chanson ‘Tranches de Barbie’, on utilise des images qui se succèdent rapidement sur un rythme techno, créant un style distinct. »

Mais pourquoi ce nom de Trans Chacal Express ? « Le train, le désert, trans… cela nous faisait envie. Trans symbolise cet entre-deux, ni noir ni blanc, le désert évoque un animal peu aimé aujourd’hui, bien qu’il ait été vénéré dans l’Égypte ancienne. Ainsi, Trans Chacal Express est né, évoquant notre nomadisme et notre désir de transporter notre musique au-delà de nos frontières », répond Marie. Et si plusieurs dates sont prévues dans la région, la Belgique est au programme « pour explorer de nouveaux lieux et rencontrer différents publics ».

Prochaines dates et destinations du Trans Chacal Express :

A venir, un vinyle de 12 titres début 2025, accompagné d’une plaquette illustrée pour créer un bel objet qui représente bien l’identité de Trans Chacal Express.

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