Fjord : famille, religion et autorité parentale

Les Lobis reprennent au moment de la sortie de la Palme d’or. Pour Laëtitia Scherier, il n’était « évidemment pas une option » de rester fermé au moment où arrive en salle le film couronné à Cannes.

Cette Palme d’or, c’est Fjord, nouveau film de Cristian Mungiu. Le cinéaste roumain connaît très bien Cannes : il avait déjà remporté la Palme d’or en 2007 pour 4 mois, 3 semaines, 2 jours, film consacré à la question de l’avortement et du droit à l’avortement. Au-delà des collines avait ensuite obtenu le Prix du scénario et un double Prix d’interprétation féminine, avant que Baccalauréat ne soit récompensé par le Prix de la mise en scène.

Pour Laëtitia Scherier, cette nouvelle Palme d’or est « plus que méritée ». Fjord raconte l’histoire d’une famille roumano-norvégienne. Le père est roumain, la mère norvégienne. Ensemble, ils reviennent s’installer en Norvège, dans un petit village isolé au bord d’un fjord. C’est une famille profondément traditionnelle et religieuse. Très vite, une suspicion de maltraitance envers les enfants pèse sur eux. À la suite d’un signalement, les services sociaux interviennent et retirent temporairement les enfants, le temps qu’une enquête soit menée. Le film met alors en scène une confrontation entre deux conceptions de la famille, de l’éducation et de l’autorité parentale.

Laëtitia Scherier insiste sur la force du dispositif moral choisi par Cristian Mungiu. Le cinéaste n’impose pas de jugement immédiat. « Il expose les faits, mais il ne prend pas parti », souligne-t-elle. Le spectateur doit tirer ses propres conclusions, à partir de ses valeurs, de son regard et de ce que le film accepte de lui montrer. La question centrale n’est pas simplement de savoir qui a raison. Le film laisse assez vite percevoir que l’éducation imposée aux enfants est extrêmement rigoureuse, jusqu’à interroger le rapport des parents au corps de leurs enfants. Mais Fjord va plus loin. Il demande comment des systèmes de valeurs incompatibles peuvent encore dialoguer.

Pour Laëtitia Scherier, c’est ce qui rend le film passionnant et dérangeant. Certaines pratiques ne peuvent évidemment pas être cautionnées. Mais si elles existent, il faut aussi être capable de comprendre d’où elles viennent, comment elles se construisent et pourquoi elles perdurent. « Si on ne comprend pas les origines d’un problème, comment est-ce qu’on peut le traiter ? Et surtout, comment est-ce qu’on peut s’assurer que ça ne se reproduise pas ? », interroge-t-elle.

Au-delà de cette famille, le film regarde aussi notre époque. Il interroge la tendance contemporaine à refuser la nuance et la complexité, la manière dont les institutions, les communautés religieuses, les médias et chacun d’entre nous interprètent les faits à partir de convictions déjà présentes.

Le choix d’une famille religieuse n’est donc pas anodin. Il oblige le spectateur à examiner ses propres réflexes. Comment juge-t-on des parents lorsque leur autorité excessive se fonde sur une lecture religieuse du monde ? Comment un regard extérieur, athée ou croyant autrement, reçoit-il cette situation ? À quel moment l’autorité parentale cesse-t-elle d’être un cadre éducatif pour devenir une atteinte au bien-être physique ou psychique de l’enfant ?

La mise en scène, elle, épouse pleinement le sujet. Cristian Mungiu travaille avec de longs plans, beaucoup de lumière naturelle et très peu de musique. Les paysages des fjords, leur beauté froide, l’immensité de l’eau et des montagnes contrastent avec l’enfermement des personnages. Ils sont isolés géographiquement, mais aussi psychologiquement. Le monde semble immense autour d’eux, tandis que leur situation se resserre.

Le film dure environ deux heures et demie, mais Laëtitia Scherier estime qu’il tient l’attention jusqu’au bout. « C’est une très belle Palme d’or », résume-t-elle. Une œuvre inconfortable, dense, qui ne cherche pas à rassurer, mais qui laisse le spectateur travailler longtemps après la projection.

Soudain : Ryūsuke Hamaguchi et la politique du soin

Les Lobis proposent également Soudain, de Ryūsuke Hamaguchi, en deuxième semaine. Le film franco-japonais était lui aussi en compétition au Festival de Cannes et a valu le Prix d’interprétation féminine à Virginie Efira et Tao Okamoto.

Laëtitia Scherier dit avoir abordé le film avec une légère inquiétude. Elle aime beaucoup le travail du réalisateur japonais, notamment Drive My Car, Le Mal n’existe pas ou Contes du hasard et autres fantaisies, qu’elle décrit comme des œuvres à la mise en scène millimétrée. Mais Soudain est majoritairement tourné en France, en langue française, avec un scénario coécrit avec une Française. « J’avais un peu peur de ne pas retrouver sa patte de mise en scène », confie-t-elle. Cette crainte s’est dissipée au bout d’une demi-heure. Malgré sa durée — près de trois heures —, le film retrouve, selon elle, la précision, la patience et la profondeur du cinéma de Hamaguchi.

Soudain s’inspire d’une correspondance réelle entre une philosophe atteinte d’un cancer et une anthropologue. À partir de cette matière, le cinéaste construit une fiction centrée sur l’amitié entre deux femmes et sur la question du soin.

Virginie Efira y incarne la directrice d’un EHPAD. Elle tente d’introduire dans son établissement une nouvelle méthode qui fait du soin un acte profondément politique. Soigner ne signifie pas seulement accomplir des gestes techniques. Cela devient une éthique de l’écoute, du toucher, de la présence et de l’attention.

Le film confronte évidemment cette ambition aux impératifs de rentabilité, au manque de moyens et à l’épuisement des soignants. Mais il ne s’enferme pas dans le constat noir. Il montre aussi la possibilité d’une transformation. Pour Laëtitia Scherier, c’est un film dur, mais lumineux. « On ne pleure pas pendant trois heures », insiste-t-elle. Il y a des moments difficiles, mais aussi des moments de rire, de douceur et d’espoir.

La durée du film lui paraît indispensable. Puisque le sujet est précisément le temps à accorder aux personnes âgées, le film devait, lui aussi, prendre son temps. Cette temporalité permet de partager réellement un moment avec les personnages et avec les résidents de l’EHPAD. Une version plus courte aurait, selon elle, appauvri le propos. Laëtitia Scherier voit dans Soudain un film nécessaire. Le film rappelle que l’attention portée aux autres n’est pas un supplément d’âme, mais une condition du vivre ensemble. Accompagner les jeunes au début de leur vie, accompagner les personnes âgées à la fin de la leur : c’est, dit-elle en substance, ce à quoi il faut se raccrocher.

Un ciné-débat sera organisé le 4 septembre, sur la troisième semaine d’exploitation du film, avec la Fédération de soins palliatifs du Loir-et-Cher et notamment l’équipe du centre hospitalier Simone-Veil. L’accueil aura lieu à partir de 18h30, avant la projection à 19h, puis un échange avec les équipes et un temps convivial après la séance.

L’Odyssée : Christopher Nolan, blockbuster et cinéma d’auteur

Autre choix de cette réouverture : quelques séances de L’Odyssée, de Christopher Nolan. Le film est sorti le 15 juillet et a déjà très bien marché à Cap Ciné. Mais certains spectateurs ne sont pas véhiculés, d’autres ne souhaitent pas forcément aller au multiplexe. Or, pour elle, il serait dommage qu’ils passent à côté de ce film. Elle défend clairement la place de L’Odyssée aux Lobis. « Pour moi, Nolan fait des films d’auteur », affirme-t-elle. À ses yeux, il s’agit d’un cinéaste avec une vision du cinéma, de la mise en scène et du médium. Un artiste populaire, certes, mais un artiste quand même.

Le film adapte L’Odyssée d’Homère, non comme une restitution exhaustive, mais comme la vision personnelle d’un réalisateur. Le projet est immense : près de trois heures, un budget colossal, un tournage pensé pour l’IMAX 70 mm, un casting qui réunit notamment Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Zendaya et Charlize Theron. Très peu de salles peuvent projeter le film dans les conditions idéales voulues par Nolan. Mais même sur un écran standard, Laëtitia Scherier dit avoir été frappée par l’ampleur de la mise en scène.

Paysages, batailles, créatures mythologiques, tempêtes en mer : L’Odyssée transforme le voyage d’Ulysse en expérience physique de cinéma. Il ne s’agit pas seulement d’impressionner, mais de donner la sensation d’un voyage hors norme, presque démesuré.

Laëtitia Scherier relève aussi la dimension artisanale du projet. Nolan cherche à limiter autant que possible le recours aux effets numériques. Animatronics, marionnettes géantes, décors concrets : le film porte une forme d’amour très visible pour la technique du cinéma. « Il faut être un réalisateur très cinéphile et amoureux de la technique pour faire une chose pareille », observe-t-elle.

Mais le film ne se résume pas à son ampleur visuelle. Derrière les monstres, les dieux et les épreuves mythologiques, Laëtitia Scherier voit surtout le récit d’un homme marqué par la guerre, hanté par ce qu’il a vécu, confronté aux conséquences de ses décisions. Ulysse tente de retrouver sa famille, mais il n’est plus celui qu’il était lorsqu’il est parti. C’est là que le film rejoint les obsessions de Nolan : le temps, la mémoire, la culpabilité, la quête de soi, la croyance en une destinée. Pour Laëtitia Scherier, L’Odyssée est donc plus qu’un blockbuster : « une sacrée claque de cinéma ».

Le Royaume des chats : Ghibli, fantaisie et affirmation de soi

Le cycle Ghibli se poursuit lui aussi. Il a déjà dépassé les 500 entrées, ce dont Laëtitia Scherier se réjouit. Cette semaine, le septième film proposé est Le Royaume des chats, réalisé par Hiroyuki Morita. Sorti en 2002, le film est le premier long métrage de cinéma de Morita comme réalisateur. Il n’arrive pas pour autant sans expérience : il avait déjà travaillé dans l’animation, notamment au sein de productions liées à Ghibli, avant de signer cette œuvre très vive, colorée et accessible. Le récit suit Haru, une adolescente qui sauve la vie d’un chat mystérieux. Elle découvre ensuite qu’il s’agit du fils du roi des chats. Pour la remercier, les chats l’entraînent dans leur monde, où elle risque peu à peu d’être transformée en chat.

Derrière la fantaisie, les chats anthropomorphes, le rythme et l’humour, Laëtitia Scherier y voit un véritable récit d’apprentissage. Haru doit apprendre à s’affirmer dans un monde qui veut lui imposer une identité. Le film pose alors une question simple et forte : vaut-il mieux être accepté par les autres en devenant quelqu’un d’autre, ou rester soi-même au risque de se sentir rejeté ?

La directrice des Lobis y voit des échos très actuels, notamment avec la pression qui pèse sur les jeunes et particulièrement sur les femmes. Le film parle de la difficulté de décider pour soi, d’arrêter de laisser les autres choisir à sa place. Sur le plan visuel, Le Royaume des chats associe animation traditionnelle et outils numériques. Les dessins restent réalisés à la main, puis numérisés et colorisés par ordinateur. Laëtitia Scherier décrit un film « très pêchu », très coloré, avec beaucoup de rythme. Elle le recommande à partir de 6 ans, pas avant, car le personnage est régulièrement mis en danger.

Avant-première : L’Inconnue, d’Arthur Harari

La semaine comprendra aussi une avant-première : L’Inconnue, d’Arthur Harari, mardi 25 août à 20h15. Le film étant assez long, la séance commencera un peu plus tôt. Il s’agit du troisième long métrage du réalisateur, après Diamant noir et Onoda, 10 000 nuits dans la jungle. Arthur Harari est aussi connu pour avoir coécrit Anatomie d’une chute avec Justine Triet. L’Inconnue était présenté en compétition officielle à Cannes.

Le film est une adaptation libre du roman graphique Le Cas David Zimmerman, coécrit avec son frère Lucas Harari, également coscénariste du film. Le récit suit David Zimmerman, photographe timide, peu sociable, entraîné par des amis à une fête. Il est interprété par Niels Schneider, que Laëtitia Scherier dit avoir trouvé méconnaissable.

David remarque une femme, la croise à plusieurs reprises et, comme envoûté, se met à la suivre. Quelques heures plus tard, il se retrouve dans le corps de cette inconnue, interprétée par Léa Seydoux. Le cœur du film est la question de l’identité. Que reste-t-il de soi lorsque le corps, l’apparence et l’identité sociale ne correspondent plus à ce que l’on ressent intérieurement ? Le dispositif fantastique rend cette question très concrète : un homme devient littéralement étranger à son propre corps.

Laëtitia Scherier souligne aussi l’intelligence du choix du personnage principal. David est photographe. Il observe davantage qu’il ne participe à sa propre vie. Il regarde les autres en gardant une distance avec le monde. Le basculement fantastique inverse la situation : celui qui regardait devient celui qui est regardé. Le film ouvre des pistes sur le corps, le regard, l’identité, l’identité de genre, mais sans se réduire à une seule lecture. Pour Laëtitia Scherier, cette singularité peut séduire au-delà du public amateur de fantastique.

Cycle rétro : Kurosawa et Hitchcock côté policier

Le cycle rétro continue et approche lui les 400 entrées. Laëtitia Scherier se dit particulièrement heureuse de l’accueil réservé à Vol au-dessus d’un nid de coucou, de Miloš Forman. Cette semaine, le cycle se tourne vers le genre policier. Premier titre : Chien enragé, d’Akira Kurosawa. Réalisé en 1949, quelques années seulement après la Seconde Guerre mondiale, le film prend la forme d’une enquête policière mais dresse surtout un portrait du Japon d’après-guerre.

Un jeune policier se fait voler son arme. Il apprend ensuite que celle-ci a servi à commettre un crime contre un innocent. Rongé par la culpabilité, il part à la recherche du revolver et du voleur. À travers cette intrigue, Kurosawa montre une société marquée par la pauvreté, les traumatismes de la guerre et les fractures d’une génération. Le titre japonais signifie littéralement « chien errant », mais le titre français, Chien enragé, conserve une force très juste. Il désigne à la fois le policier et le criminel : deux hommes issus du même monde, du même traumatisme collectif, mais ayant emprunté des chemins radicalement différents. Le film pose ainsi une question morale et sociale : qu’est-ce qui sépare un homme honnête d’un criminel lorsque tous deux sont le produit de la même société blessée ?

Deuxième film policier : Jeune et innocent, d’Alfred Hitchcock, sorti en 1937. Un homme est accusé du meurtre d’une actrice. Tout semble jouer contre lui. Il prend la fuite et, avec l’aide de la fille du commissaire chargé de l’enquête, tente de retrouver le véritable assassin.

On retrouve déjà les grands motifs hitchcockiens : l’innocent accusé à tort, la fuite, le personnage pris dans une situation qui le dépasse, le couple contraint de collaborer, les jeux de regard et les détails qui prennent soudain une importance décisive.

Laëtitia Scherier rappelle que le suspense, chez Hitchcock, ne consiste pas seulement à cacher l’identité du coupable. Le cinéaste donne souvent au spectateur des informations que les personnages ne possèdent pas. Le spectateur sait, attend, anticipe, redoute. La pression se déplace alors vers lui.

Jeune et innocent marque aussi une transition entre la période britannique d’Hitchcock et son futur cinéma hollywoodien. Le film contient déjà plusieurs éléments qui deviendront caractéristiques de son œuvre. La révélation finale, amenée par un mouvement de caméra très visuel, annonce cette manière hitchcockienne de guider l’œil du spectateur plutôt que de simplement lui donner une information. Et, comme souvent, le cinéaste apparaît dans un caméo…

*Le Salon qui bouge (coiffure) reprend ses permanences aux Lobis, cette fois un jeudi : jeudi 20 août, de 14h à 19h.

>> Pour en savoir plus : blois-les-lobis.cap-cine.fr

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L’Aventure rêvée : aux marges de l’Europe

Première sortie nationale de la semaine : L’Aventure rêvée, troisième long métrage de Valeska Grisebach. La réalisatrice allemande reste encore peu connue du grand public, mais elle est déjà bien identifiée par les cinéphiles. Son précédent film, Western, abordait déjà la question des frontières et avait été sélectionné à Cannes dans la section Un Certain Regard. Avec L’Aventure rêvée, la cinéaste a franchi un nouveau cap : le film était présenté cette année en compétition officielle et en est reparti avec le Prix du Jury. Pour Laëtitia Scherier, cette récompense est méritée, même si le film demeure « un objet assez singulier ».

Le point de départ peut évoquer un thriller. Une archéologue mène des fouilles avec son équipe lorsqu’elle renoue avec un ami d’enfance. Elle se retrouve peu à peu entraînée dans un univers de contrebande et confrontée à un réseau mafieux. Mais le film dépasse rapidement la simple mécanique du suspense.

Le récit se déploie dans une région frontalière entre la Bulgarie, la Grèce et la Turquie. Un territoire de circulation, parfois proche du no man’s land, où transitent des marchandises, mais aussi des personnes migrantes. Le film aborde donc également la question migratoire et la manière dont les personnes exilées sont considérées ou traitées dans ces espaces de marge.

Valeska Grisebach laisse au spectateur le temps de recomposer peu à peu les liens entre les personnages, les rapports de force, les enjeux politiques et les tensions historiques qui traversent le territoire. Le film dure 2h40, et cette durée participe de son geste : faire sentir un monde, ses strates, ses silences, ses violences. « Elle n’est pas du tout didactique pour autant », souligne Laëtitia Scherier. La réalisatrice ne mâche pas le travail du spectateur. Elle donne à voir, puis laisse chacun comprendre ce qui se joue.

L’archéologie occupe une place centrale dans le film. Le personnage principal déterre réellement des objets, mais ce geste devient aussi une métaphore. Fouiller le sol, c’est faire remonter une mémoire enfouie : anciens réseaux de contrebande, guerres passées, héritages du communisme, blessures historiques jamais refermées. Tout cela continue d’agir sur les personnes qui vivent aujourd’hui dans cette région.

Cette dimension historique se double d’un regard sociologique. Le film décrit un territoire marqué par des rapports sociaux très patriarcaux. La violence irrigue les relations, les échanges, les silences, les corps. Laëtitia Scherier insiste sur le fait que Valeska Grisebach ne transforme pas son héroïne en figure spectaculaire venue résoudre les conflits. Elle préfère montrer que le courage peut prendre d’autres formes : la patience, la persévérance, la capacité à tenir, à rester, à regarder. L’Aventure rêvée devient ainsi une fresque sur les marges de l’Europe contemporaine. Un film exigeant, parfois déroutant, mais fascinant par sa manière de révéler ce qui, dans un territoire, continue de modeler le présent.

Comète : une nuit dans Paris, des vies qui se croisent

Deuxième sortie nationale : Comète, nouveau film d’Élie Wajeman. Le cinéaste, connu notamment du grand public pour Médecin de nuit, retrouve ici Vincent Macaigne dans un film construit comme une fresque chorale.

Le récit se déroule durant une nuit particulière : une comète traverse le ciel de Paris. Elle devient un fil invisible, un événement qui relie plusieurs destins et donne aux personnages l’occasion de se regarder autrement.

Laëtitia Scherier décrit le film comme une déambulation dans Paris. Les personnages sont d’abord suivis séparément, puis leurs histoires se rapprochent, se croisent, glissent les unes vers les autres. Peu à peu, les liens se révèlent : liens entre générations, entre manières d’habiter la ville, entre solitudes, désirs, blessures ou inquiétudes.

La comète agit comme un révélateur. Elle rappelle aux personnages l’immensité du monde, la fragilité des existences individuelles, la petitesse de certaines préoccupations face à ce qui nous dépasse. Le film prend alors une dimension plus philosophique : quelle est la place de l’être humain dans le monde ? Que deviennent nos peurs, nos amours, nos angoisses, lorsqu’un événement cosmique vient tout remettre à l’échelle ? Mais Comète ne se limite pas à cette idée. Les histoires séparées demeurent très humaines. Le film aborde la romance, la santé mentale, les relations familiales, les rencontres et les solitudes urbaines. Pour Laëtitia Scherier, c’est avant tout une fresque humaine, où Paris devient un espace traversé par des vies qui finissent par se répondre.

The Last Viking : le coup de cœur déjanté de la semaine

Troisième sortie nationale, et coup de cœur de Laëtitia Scherier : The Last Viking, d’Anders Thomas Jensen. Le film, interdit aux moins de 12 ans, n’est pas un film d’horreur, mais il relève clairement d’une forme de cinéma de genre. Le réalisateur danois signe ici son sixième long métrage et retrouve pour la sixième fois Mads Mikkelsen. L’acteur, désormais bien connu du grand public, a beaucoup tourné à l’international, mais il reste aussi associé au cinéma danois, notamment à Thomas Vinterberg, avec La Chasse et Drunk.

Dans The Last Viking, un homme sort de prison après quinze ans de détention pour un braquage qui a mal tourné. Il n’a qu’une idée en tête : récupérer son butin. Le problème, c’est que la seule personne qui connaît la cachette est son frère. Or l’état psychique de celui-ci s’est profondément dégradé pendant ces quinze années. Il est désormais convaincu d’être la réincarnation de John Lennon. À partir de cette situation, le film entraîne les deux frères dans une quête rocambolesque, une sorte de road trip absurde et tragique. « C’est un mélange d’humour noir et de tragédie », résume Laëtitia Scherier.

Le film pourrait se contenter de son étrangeté. Il va plus loin. Derrière la comédie noire, Anders Thomas Jensen propose une réflexion sur la différence, la santé mentale, l’identité et le besoin fondamental d’être accepté tel que l’on est. Il interroge aussi la notion de normalité : qui décide de ce qui est normal ? Comment les personnes exclues peuvent-elles construire leur propre communauté ? Laëtitia Scherier insiste sur le fait que le film ne juge jamais ses personnages. Il les montre dans leurs failles, leurs bizarreries, leurs excès, sans les réduire à cela. Plus le récit avance, plus il va loin, sans pour autant se disperser. « C’est un film complètement déjanté », dit-elle, mais un film dont la fin lui paraît particulièrement intelligente, parce qu’elle donne une profondeur nouvelle à tout ce qui précède.

Le Voyage de Chihiro : Miyazaki au sommet

Le cycle Ghibli continue de très bien fonctionner aux Lobis. Cette semaine, place au sixième titre du cycle : Le Voyage de Chihiro, de Hayao Miyazaki. Réalisé en 2001 et sorti en France en 2002, le film est devenu l’un des grands phénomènes culturels du cinéma d’animation. À l’époque, Miyazaki est déjà considéré comme l’un des plus grands cinéastes d’animation, mais Le Voyage de Chihiro franchit un seuil supplémentaire. Le film reçoit l’Ours d’or à Berlin en 2002, puis l’Oscar du meilleur film d’animation en 2003. Pour Laëtitia Scherier, le film fait partie de ces œuvres qui rappellent qu’un film d’animation, et a fortiori un dessin animé, n’est pas réservé au jeune public.

Le récit suit Chihiro, une petite fille de 10 ans qui déménage avec ses parents. En traversant un tunnel, la famille bascule dans un monde peuplé d’esprits, de divinités et de créatures fantastiques inspirées du folklore japonais. Très vite, Chihiro se retrouve séparée de ses parents et doit apprendre à survivre dans cet univers étranger. Comme souvent chez Miyazaki, l’aventure n’est pas une fin en soi. Le merveilleux permet de parler du monde, des peurs, des désirs, du passage de l’enfance vers l’adolescence, puis vers l’âge adulte. Le film contient aussi une critique très nette de la société de consommation et de la mauvaise répartition des richesses. Mais il reste avant tout un récit d’initiation. Chihiro apparaît d’abord comme une enfant craintive, parfois capricieuse. Peu à peu, elle apprend à faire confiance à ses propres ressources. Elle découvre sa capacité à agir, à comprendre, à aider, à tenir.

Le film sera proposé en VF et en VO. Pour une première découverte, la directrice des Lobis le recommande plutôt à partir de 10 ou 11 ans. Certaines séquences peuvent impressionner les plus jeunes, notamment la disparition momentanée des parents de Chihiro, qui peut réveiller des peurs très fortes chez les enfants.

Quand Harry rencontre Sally : la comédie romantique américaine par excellence

Le cycle rétro se poursuit également. Après une belle fréquentation autour de Stand by Me et Vol au-dessus d’un nid de coucou, Les Lobis passent à une semaine plus légère, consacrée aux comédies romantiques.

Premier film : Quand Harry rencontre Sally, de Rob Reiner, sorti en 1989. Le film est souvent présenté comme la comédie romantique américaine par excellence. Mais derrière sa légèreté apparente, Laëtitia Scherier y voit une réflexion très fine sur le temps qui passe, l’amitié, les relations entre les hommes et les femmes, et la manière dont les sentiments évoluent. À la fin des années 1980, le film participe aussi au renouvellement de la comédie romantique hollywoodienne. Cette réussite doit beaucoup au scénario de Nora Ephron, qui réalisera ensuite Nuits blanches à Seattle et Vous avez un mess@ge, deux autres films importants du genre.

L’intelligence de Quand Harry rencontre Sally tient à sa manière de regarder les hésitations, les rendez-vous manqués, les maladresses des débuts amoureux. Les personnages ne tombent pas amoureux au premier regard. Ils apprennent d’abord à se connaître, à s’agacer, à se manquer, à revenir l’un vers l’autre. Leur histoire se construit avec le temps et la patience.

Le duo formé par Billy Crystal et Meg Ryan participe largement à la magie du film. Lui incarne un homme cynique, terrorisé par l’échec sentimental et protégé par son humour. Elle joue une femme organisée, perfectionniste, très précise dans sa manière d’être au monde. Leur opposition nourrit la comédie, mais aussi la justesse du récit. Plus de trente-cinq ans après sa sortie, le film reste d’une grande modernité dans son observation des comportements amoureux. Certains spectateurs des Lobis ont déjà confié qu’ils l’attendaient avec impatience, parfois pour le revoir vingt ans après une première découverte.

Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain : Paris, solitude et petits gestes

Pour accompagner Quand Harry rencontre Sally, Les Lobis proposent aussi Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain, de Jean-Pierre Jeunet. Laëtitia Scherier le présente comme l’une des grandes comédies romantiques françaises.

Sorti en 2001, le film a été un immense phénomène, avec plus de 8 millions d’entrées en France. Il est devenu l’un des plus grands succès internationaux du cinéma français de cette décennie. Au-delà des chiffres, il a réussi à réunir un public très large autour d’une proposition visuellement forte, populaire et singulière.

Jean-Pierre Jeunet avait déjà réalisé Delicatessen, La Cité des enfants perdus et Alien, la résurrection. Fort de cette expérience, notamment technique, il revient avec un film plus intime, centré sur une jeune femme solitaire qui décide, discrètement et de manière altruiste, d’améliorer la vie des personnes qui l’entourent.

Le film parle de la peur d’aimer, de la solitude, mais aussi du pouvoir des petits gestes. Chez Amélie, une attention, une idée, une action presque minuscule peut transformer une existence. Le film repose sur cette croyance dans les détails du quotidien, dans les liens indirects, dans ce que chacun peut provoquer sans forcément se mettre en avant.

Audrey Tautou, encore peu connue du grand public à l’époque, devient avec ce rôle une figure emblématique du cinéma français. Le personnage d’Amélie s’impose rapidement dans l’imaginaire collectif, en France comme à l’étranger. Le film a aussi transformé l’image de Montmartre dans le monde entier. On lui a parfois reproché de montrer un Paris idéalisé, sublimé. Laëtitia Scherier rappelle toutefois qu’il s’agit de cinéma, et que le cinéma peut aussi faire rêver. Jean-Pierre Jeunet transforme Paris en décor de conte, avec des plans pensés presque comme des illustrations. La musique de Yann Tiersen participe pleinement à cette identité. L’accordéon, le piano, les motifs mélodiques : impossible de penser au film sans entendre cette bande originale devenue elle aussi très célèbre. Plus de vingt ans après sa sortie, Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain reste un film qui fait du bien à revoir. Ce qu’il raconte de la solitude demeure très actuel, tandis que sa foi dans les petits gestes garde une portée intemporelle.

>> Pour en savoir plus : blois-les-lobis.cap-cine.fr

Comme chaque été, Les Lobis fermeront pendant un mois à compter du 22 juillet. Cette coupure permettra de faire du rangement, d’envisager quelques aménagements dans le cinéma et, bien sûr, de prendre un peu de repos. La réouverture est prévue le 19 août, avec la sortie de la Palme d’or. Le cinéma proposera également Soudain, de Ryūsuke Hamaguchi, sorti la semaine précédente.

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Comme chaque année, Les Lobis fermeront pendant un mois, du 22 juillet au 18 août inclus. La réouverture est prévue le 19 août, jour de sortie de Fjord, de Cristian Mungiu, Palme d’or 2026. Le cinéma récupérera également Soudain, de Ryūsuke Hamaguchi, sorti la semaine précédente, récompensé à Cannes par le Prix d’interprétation féminine attribué à Virginie Efira et Tao Okamoto. D’ici là, la programmation profite d’une période un peu moins tendue, explique Laëtitia Scherier. L’idée est donc de proposer davantage de titres, avec un peu moins de séances par film. Une manière d’élargir l’offre.

La Chaleur : l’été, l’adolescence et le secret

Première sortie de la semaine : La Chaleur, de Stéphane Demoustier. Le réalisateur, connu notamment pour La Fille au bracelet, Borgo et plus récemment L’Inconnu de la Grande Arche, adapte ici le roman de Victor Jestin, publié en 2019. Le film marque un pas de côté dans sa filmographie. Laëtitia Scherier y voit une œuvre assez différente de ce que le cinéaste a proposé jusqu’ici, quelque part entre chronique adolescente et thriller psychologique. L’histoire se déroule dans un camping des Landes, où le film a été tourné. On y suit un adolescent pendant les dernières heures de ses vacances : la famille, les autres jeunes du camping, les premiers émois amoureux, la lenteur de l’été, cette torpeur particulière où le temps semble s’étirer. Le cadre pourrait être celui d’un simple récit d’adolescence. Mais un événement inattendu vient bouleverser ce quotidien.

L’intrigue pourrait relever du fait divers ou du film policier, mais Stéphane Demoustier se concentre davantage sur la conscience de son personnage. L’adolescent se retrouve seul avec un secret qui le consume de l’intérieur, tandis que la vie continue autour de lui : les parents, les amis, la petite sœur, le camping, l’été. La tension vient de là, de ce que ce jeune garçon porte seul, dans un moment où il devrait encore être insouciant. La mise en scène est travaillée, mais elle cherche quelque chose de plus organique, au plus près du visage et de l’état intérieur de l’adolescent. « Je trouve très bien qu’un réalisateur qui commence à avoir cette envergure puisse continuer à faire des essais, des pas de côté dans sa filmographie », observe Laëtitia Scherier.

L’Écologie des sentiments : une comédie romantique à sa manière

Changement de ton avec L’Écologie des sentiments, premier long métrage d’Alexandre Steiger. Le cinéaste a d’abord mené une longue carrière d’acteur, pendant près de vingt ans, avant de passer à la réalisation. Laëtitia Scherier décrit un film singulier, touchant, qui pourrait annoncer « la naissance d’un nouveau cinéaste ». L’œuvre se situe entre la comédie romantique et le film militant, un entre-deux déjà contenu dans son titre.

Le récit suit Félix, un réceptionniste maladroit, sujet aux crises d’angoisse, qui travaille dans un hôtel tenu par son père. Ce dernier le couve beaucoup trop. Son quotidien est bouleversé par l’arrivée de Lola, une jeune femme mystérieuse. Pour lui, elle est une présence énigmatique ; pour le spectateur, elle apparaît vite liée à une action militante prévue au Salon de l’Agriculture, avec d’autres camarades engagés.

L’écologie est bien présente en toile de fond, tout comme la défense des animaux. Mais pour Laëtitia Scherier, le cœur du film est ailleurs. « L’écologie est surtout une métaphore de l’attention qu’il faut porter aux autres », explique-t-elle. Prendre soin des proches, des inconnus, des fragilités croisées, apprendre à communiquer et à habiter ensemble : le film déplace l’écologie du terrain strictement militant vers celui des relations humaines.

Le style compte aussi beaucoup. Laëtitia Scherier relève une grande attention portée aux dialogues, avec une diction particulière, presque poétique, qui peut rappeler certains films d’Éric Rohmer. Le film flotte, avance avec délicatesse, sans lourdeur. Il occupe aussi une place rare dans le paysage du cinéma art et essai : celle d’une véritable comédie romantique qui ne bascule ni dans le désenchantement total ni dans la comédie sentimentale trop calibrée pour le multiplexe. « Là, le film propose vraiment quelque chose entre les deux, avec beaucoup de délicatesse », estime la directrice des Lobis.

Seule la vie : traverser le deuil sans mélodrame

La troisième nouveauté est plus dure. Seule la vie, d’Adrian Goiginger, cinéaste autrichien que Laëtitia Scherier ne connaissait pas encore, adapte un récit autobiographique publié en 2010. La présence d’un film autrichien dans la programmation est déjà assez rare pour être soulignée. Le point de départ est tragique. Un couple de clowns professionnels mène une existence apparemment heureuse avec ses deux jeunes enfants. Puis un accident de voiture anéantit la famille : la femme apprend que son mari et ses enfants sont morts.

Le film ne dissimule pas la tragédie. Il ne cherche pas à l’adoucir artificiellement. Mais, selon Laëtitia Scherier, il évite le piège du mélodrame. Après les premières minutes, le récit s’attache au long travail de reconstruction d’une femme confrontée à l’inimaginable.

Le choix d’en faire des clowns professionnels donne au film une dimension particulière. Le maquillage de clown ne masque pas la douleur. Il rappelle plutôt qu’il peut exister un espace où la tristesse et la joie ne s’excluent pas. « Des émotions très contradictoires peuvent totalement cohabiter », glisse Laëtitia Scherier. Le film travaille précisément cette tension : rire par moments, aller un peu mieux, puis retomber, avancer par fragments, traverser le deuil sans trajectoire linéaire. La résilience est faite de hauts, de bas, de retours en arrière, de souvenirs. Les flashbacks occupent une place importante. Ils montrent une vie familiale lumineuse, sans pour autant idéaliser complètement le couple ou la famille. Ils ne servent pas seulement à illustrer ce qui a été perdu, mais à montrer que les morts continuent d’habiter le présent.

Laëtitia Scherier reconnaît que le sujet n’est pas de ceux vers lesquels les spectateurs se dirigent spontanément. Mais elle défend le film pour sa justesse. « Je l’ai trouvé vraiment touchant et très réussi, malgré la dureté du sujet », dit-elle. Seule la vie cherche moins à faire pleurer qu’à rendre imaginable un état psychologique, une succession d’étapes, une manière de continuer quand tout semble avoir disparu.

Mes voisins les Yamada : Ghibli et la philosophie du quotidien

Le cycle Ghibli se poursuit avec Mes voisins les Yamada, cinquième film du cycle estival des Lobis. La fréquentation reste encourageante, preuve que le public continue de répondre présent autour des films du studio japonais. Réalisé par Isao Takahata et adapté du manga de Hisaichi Ishii, Mes voisins les Yamada est sorti en 1999, après Pompoko. Il occupe une place très atypique dans la production Ghibli. Le studio est souvent associé aux grandes aventures fantastiques, aux mondes imaginaires, aux récits amples. Ici, le mouvement est inverse. Le film ne repose pas sur une grande intrigue continue. Il fonctionne par saynètes, comme une chronique du quotidien d’une famille japonaise ordinaire : repas, bêtises d’enfants, maladresses, disputes, petites piques de la grand-mère, personnage particulièrement haut en couleur.

Le résultat est franchement comique, mais il porte aussi une forme de philosophie de l’ordinaire. Pour Laëtitia Scherier, le film rappelle que les grandes aventures ne naissent pas toujours d’un grand voyage ou d’un événement spectaculaire. Elles peuvent se jouer dans les petits riens du quotidien. Autrement dit, la vie elle-même est une aventure, même lorsqu’elle semble banale.

Le film a aussi dérouté à sa sortie par son esthétique. Takahata abandonne le réalisme raffiné auquel Ghibli avait habitué son public. Il adopte un dessin plus proche de l’esquisse et de l’aquarelle. Mes voisins les Yamada est aussi le premier film du studio entièrement animé et peint par ordinateur, tout en restant issu d’un travail manuel, simplement déplacé du papier vers l’écran.

Mal accueilli au départ par une partie du public, le film a depuis trouvé sa place parmi les œuvres singulières et attachantes du studio.

Vol au-dessus d’un nid de coucou : liberté, pouvoir et norme

Le cycle rétro continue lui aussi. Après les road movies, Les Lobis proposent une semaine autour des « drames intemporels », qui pourrait aussi être lue comme une semaine d’adaptations littéraires.

Premier titre : Vol au-dessus d’un nid de coucou, de Miloš Forman, sorti en 1975, adapté du roman de Ken Kesey. Le film suit le séjour de Randle McMurphy dans un hôpital psychiatrique. Mais derrière ce cadre clos se déploie une réflexion beaucoup plus large sur la liberté, le pouvoir, la normalisation des individus et la manière dont une société traite celles et ceux qui sortent de la norme. Jack Nicholson y incarne McMurphy, dans ce que Laëtitia Scherier considère comme l’un de ses meilleurs rôles. Face à lui, Louise Fletcher interprète l’infirmière Ratched, figure de l’ordre, du contrôle, d’une autorité qui prétend agir pour le bien de tous mais finit par écraser les individus. L’affrontement entre les deux personnages ne se réduit pas à un conflit de caractère. Il oppose deux visions du monde. D’un côté, l’élan vital, le désordre, la liberté, le refus de se laisser réduire. De l’autre, la règle, la maîtrise, l’institution, la norme. Laëtitia Scherier y voit aussi une métaphore politique. Le film interroge ce qu’on appelle la folie, la violence de ce mot, et la manière dont il peut être utilisé pour désigner celles et ceux qui ne correspondent pas aux attentes sociales. Le film montre l’hôpital psychiatrique comme un lieu de maltraitance, mais avec des nuances, sans simplifier totalement son récit. McMurphy n’est pas non plus présenté comme un héros irréprochable. Récompensé par les cinq principaux Oscars — meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur acteur, meilleure actrice et meilleur scénario adapté —, Vol au-dessus d’un nid de coucou a marqué l’histoire du cinéma et contribué à modifier, ou au moins à interroger, le regard porté sur les institutions psychiatriques. Pour Laëtitia Scherier, il reste l’un des grands drames américains à voir et à revoir.

Stand by Me : l’enfance, l’amitié et la perte de l’innocence

Deuxième film du cycle rétro cette semaine : Stand by Me, de Rob Reiner, adaptation de la nouvelle The Body, de Stephen King. Ici, l’écrivain s’éloigne de l’horreur à laquelle son nom est souvent associé, pour explorer l’enfance, la mémoire et la perte de l’innocence. L’histoire se déroule à la fin des années 1950. Quatre garçons vivant dans une petite ville de l’Oregon partent à la recherche du corps d’un adolescent disparu, qui aurait été percuté par un train. Mais cette quête n’est qu’un prétexte. L’essentiel du film se joue dans le chemin, le long des voies ferrées, dans les échanges entre les garçons, leurs peurs, leurs blessures et leurs silences.

Pour Laëtitia Scherier, Stand by Me raconte ce moment fragile où l’enfant devient adolescent. Le film capte un âge de bascule, ce temps où l’amitié semble éternelle, avant que la vie ne sépare les chemins. Le titre renvoie à la chanson de Ben E. King, dont les paroles résonnent avec le cœur du récit. La voix du narrateur adulte accompagne le film et en éclaire la dimension introspective : les rencontres de jeunesse façonnent durablement ce que l’on devient. Laëtitia Scherier place Stand by Me très haut dans son panthéon personnel, aux côtés de Vol au-dessus d’un nid de coucou.

Le Salon qui bouge avant la pause estivale

Dernier rendez-vous mentionné cette semaine : Le Salon qui bouge (coiffure), vendredi 10 juillet, de 14 h à 19 h. Il s’agira de la dernière session avant la coupure estivale. Elle est déjà complète, signe que ces rendez-vous ont trouvé leur public aux Lobis. Certaines personnes viennent voir un film avant ou après. D’autres découvrent le cinéma grâce à ce rendez-vous, puis reviennent ensuite plus régulièrement. Pour Laëtitia Scherier, c’est une manière de faire vivre le hall entre les séances, de créer du passage, des rencontres, une autre forme de présence au cinéma.

Plus d’informations : blois-les-lobis.cap-cine.fr

L’article Carte blanche aux Lobis : La Chaleur, écologie des sentiments, Ghibli et grands drames du cinéma est apparu en premier sur Blois Capitale Agglopolys.

Laëtitia Scherier, directrice du cinéma blésois, ne cache pas sa satisfaction après la première semaine de Jim Queen aux Lobis. « Je pense qu’on va terminer à pas loin de 300 entrées sur la première semaine d’exploitation aux Lobis, ce qui est extrêmement bien », se réjouit-elle. « Sur ce type de film, d’habitude, cela ne fonctionne pas. Je ne sais pas ce qu’il se passe autour de ce film en particulier, mais je suis très contente. » C’est dans cet élan que Les Lobis programment In Waves, autre proposition d’animation, mais dans un registre très différent.

In Waves : l’amour, la maladie et le mouvement de la mer

Présenté en ouverture de la Semaine de la Critique, sélection parallèle du Festival de Cannes organisée par le Syndicat français de la critique de cinéma, In Waves est adapté du roman graphique d’AJ Dungo, publié en 2019. Le livre avait rencontré un beau succès en librairie, avec plus de 100 000 exemplaires vendus. Le film est le premier long métrage de Phuong Mai Nguyen, réalisatrice formée aux Gobelins et à La Poudrière, deux écoles importantes du cinéma d’animation. Elle avait notamment coréalisé l’adaptation en série animée des Culottées, de Pénélope Bagieu, diffusée sur France Télévisions. Cette fois, elle signe seule la réalisation.

Laëtitia Scherier recommande le film à partir de 13 ou 14 ans. Il n’est pas interdit aux plus jeunes, mais son récit, ses thèmes et sa tonalité s’adressent plutôt à un public adolescent et adulte. « Il n’y a pas forcément vraiment d’intérêt en termes de récit plus jeune. Et puis, c’est quand même un film qui n’est pas forcément facile », précise-t-elle. L’histoire se déroule à Los Angeles. Un adolescent timide, passionné de skateboard et de dessin, tombe amoureux d’une jeune surfeuse qui lui transmet sa passion de l’océan. Le récit commence dans l’insouciance des débuts amoureux, avant d’être brutalement traversé par la maladie.

Le film aurait pu basculer dans le pathos. Il l’évite. « Miraculeusement, le film ne cède pas du tout au misérabilisme », observe Laëtitia Scherier. Il accompagne plutôt le couple dans une suite d’épreuves qui oblige chacun à redéfinir son rapport au corps, au temps, à l’avenir, au couple lui-même. Que devient la projection dans l’avenir lorsque celui-ci devient incertain, alors que l’on est jeune, amoureux, sportif, encore au début de tout ? À cette trajectoire intime s’ajoute une autre ligne de récit : l’histoire du surf, ses racines hawaïennes, sa culture et son imaginaire. Le film entremêle ainsi le destin des personnages à une histoire plus large, presque mythologique, de l’océan.

La réalisatrice a travaillé avec AJ Dungo pour l’adaptation et a également rencontré les parents de Kristen, la jeune femme décédée d’un cancer dont l’histoire inspire le personnage féminin du film. Le sujet est douloureux, mais Laëtitia Scherier insiste sur la lumière qui traverse aussi l’œuvre. « Dit comme cela, on peut avoir l’impression que le film va être extrêmement triste et lourd à regarder. Alors oui, clairement, il y a des séquences difficiles. Mais il y a plein de moments aussi, notamment les moments de surf, de partage, d’échange entre les jeunes. » L’animation épouse souvent le mouvement de la mer et des vagues. Certaines transitions évoquent des estampes japonaises. In Waves devient alors moins un film sur la maladie qu’un film sur ce qui continue à circuler : les souvenirs, les gestes, l’amour, la mer, les émotions. « C’est aussi le but du cinéma de ressentir des émotions », glisse Laëtitia Scherier.

Ghost Elephants : Werner Herzog à la recherche de l’inconnu

Avec Ghost Elephants, Les Lobis programment aussi le nouveau documentaire de Werner Herzog. Figure majeure du nouveau cinéma allemand, mouvement né dans les années 1960 et 1970, le cinéaste a construit une œuvre entre fiction, documentaire, exploration, critique sociale et fascination pour les marges du monde.

Le film suit le biologiste Steve Boyes dans une expédition en Afrique. Le voyage commence en Namibie et mène jusqu’aux hauts plateaux d’Angola, sur les traces d’une mystérieuse population d’éléphants surnommés les « éléphants fantômes ».

Le point de départ tient à un spécimen conservé dans une grande galerie : une partie de squelette d’éléphant d’une taille démesurée, bien supérieure à celle des animaux recensés récemment. Le film pose alors une série de questions : existe-t-il encore des descendants de ces éléphants ? S’agit-il d’une population ancienne disparue ? D’une espèce transformée par l’évolution ? D’une légende locale ? Herzog ne filme pas seulement une enquête scientifique, mais une quête. « On n’est vraiment pas sur un documentaire animalier classique », souligne Laëtitia Scherier. Les éléphants sont présents, bien sûr, mais ils ne constituent pas le seul sujet. Ils deviennent le point d’entrée vers une réflexion plus vaste sur l’obsession humaine de la découverte, le rapport à l’inconnu, à la nature, aux animaux et aux territoires.

Narré par Werner Herzog lui-même, le film prend parfois la forme d’une fable. Sa voix accompagne l’expédition et donne au récit une dimension presque philosophique. Le documentaire accorde aussi une place essentielle aux pisteurs, venus de plusieurs régions et communautés africaines. Leur connaissance du territoire, des dangers, des animaux, des forêts et des plaines devient l’un des cœurs du film.

Laëtitia Scherier insiste sur la beauté des paysages filmés, notamment dans la deuxième partie. « Il y a de très beaux plans de forêts sous la brume. Il arrive vraiment à capter la majesté et la beauté des plaines et des forêts de l’Angola », observe-t-elle. Le documentaire montre aussi la fragilité des écosystèmes. Sa dimension écologique n’est pas appuyée comme un discours frontal, mais elle traverse le film par les images, les déplacements, les rencontres et les traces laissées par les hommes.

La directrice des Lobis recommande toutefois le film plutôt à partir de 10 ans. Il n’existe pas d’interdiction, mais certaines images peuvent heurter les plus jeunes. « On voit notamment des animaux morts, car les personnes rencontrées chassent pour se nourrir », précise-t-elle. Et surtout, le film n’est pas construit comme un documentaire animalier familial.

Princesse Mononoké : Ghibli dans sa part la pluls sombre

Le cycle Ghibli continue avec Princesse Mononoké, de Hayao Miyazaki. Le film est proposé en cinq séances : trois en VF et deux en VO, plutôt en soirée.

Sorti en 1997, Princesse Mononoké est l’un des grands récits d’aventure de Miyazaki, mais aussi l’une de ses œuvres les plus denses. Le film explore les rapports entre l’humanité et la nature, la violence, la guerre, la destruction des écosystèmes et la difficulté de vivre ensemble. Laëtitia Scherier le recommande à partir de 10 ou 11 ans, même si le film ne fait l’objet d’aucune interdiction. La raison tient à la complexité du récit et à sa noirceur. « Le récit n’est pas du tout manichéen », souligne-t-elle. Chaque personnage possède ses raisons d’agir, de combattre, d’attaquer ou de se défendre. Ces raisons ne sont pas toujours des excuses, mais elles empêchent le film de réduire le conflit à un affrontement simple entre bien et mal. C’est cette complexité morale qui distingue fortement Princesse Mononoké d’autres productions destinées au jeune public. Le film ne cherche pas à rassurer. Il regarde la violence du monde, les intérêts contradictoires, la destruction, la puissance des mythes, mais aussi l’impossibilité de revenir à une nature idéalisée.

Près de trente ans après sa sortie, Princesse Mononoké demeure l’un des sommets de l’animation traditionnelle. La fluidité des scènes d’action, le soin apporté aux créatures mythologiques, l’ampleur du récit et la force visuelle de l’ensemble continuent d’impressionner. « Je trouve que le film reste visuellement assez incroyable », confie la directrice des Lobis.

So Rétro : Thelma & Louise, une fuite devenue émancipation

Après l’ouverture du cycle So Rétro avec Retour vers le futur, Les Lobis poursuivent leur programmation patrimoniale autour du road movie. Premier film proposé : Thelma & Louise, de Ridley Scott. Sorti en 1991, récompensé notamment par l’Oscar du meilleur scénario original, le film est devenu l’un des grands titres du cinéma américain.

Le road movie devient ici le lieu d’une émancipation féminine. « Ridley Scott détourne les codes d’un genre cinématographique traditionnellement très masculin pour placer au centre deux femmes qui refusent les rôles que la société leur assigne », analyse Laëtitia Scherier. Le voyage devient une conquête d’autonomie. Thelma et Louise ne fuient pas seulement une situation dangereuse. Elles fuient aussi un ordre social, une domination, des rôles imposés, une violence masculine qui traverse leur quotidien.

Le dernier plan du film reste l’une des images les plus célèbres et les plus commentées du septième art. Plus de trente ans après, Thelma & Louise continue d’interroger la sororité, la solidarité, la justice et la liberté. Les interprétations de Susan Sarandon et Geena Davis demeurent, elles aussi, inoubliables. Le choix de ce film résonne d’autant plus qu’il a été remis à l’honneur cette année sur l’affiche du Festival de Cannes.

Pierrot le Fou, ou le road movie comme errance existentielle

Face à Thelma & Louise, le cycle So Rétro propose également Pierrot le Fou, de Jean-Luc Godard, autre manière de penser la fuite, la route et la rupture avec l’ordre établi.

Œuvre emblématique de la Nouvelle Vague, le film suit Ferdinand, surnommé Pierrot, interprété par Jean-Paul Belmondo. Intellectuel désabusé, il abandonne sa vie bourgeoise pour partir avec Marianne, ancienne amante jouée par Anna Karina. Leur cavale se charge de crimes, de rencontres improbables et d’une forme d’errance existentielle. « Cela dépasse de très loin le simple récit de fuite amoureuse », résume Laëtitia Scherier.

Le film se situe à la frontière du polar, de la romance et de l’essai philosophique. Il multiplie les ruptures de ton, les citations littéraires, les réflexions sur l’image et sur le cinéma. Il brise aussi le quatrième mur, lorsque les personnages s’adressent directement à la caméra, donc au spectateur. Ce geste, déjà courant au théâtre, vient perturber les règles classiques du cinéma et participe à la modernité du film.

Le duo Belmondo-Karina repose sur un contraste permanent. Il ne s’agit pas d’un couple romantique traditionnel, mais de deux visions du monde presque irréconciliables. De cette tension naît une grande partie de l’énergie du film. Pour Laëtitia Scherier, Pierrot le Fou reste l’un des films français essentiels. « Entre À bout de souffle et Pierrot le Fou, s’il y a deux films français à voir, ce sont ceux-là », affirme-t-elle.

Festival Blois Danse : trois projections aux Lobis

Comme chaque année, Les Lobis accueillent aussi le Festival Blois Danse. Trois projections sont prévues. Deux programmes de courts métrages, venus du monde entier et sélectionnés par le festival, seront proposés. Chacun dure environ une heure. Le premier sera projeté samedi à 17h30, le second dimanche à 18h30.

Lundi à 20h30, un ciné-débat sera organisé autour du documentaire Danser pour Grandir – un an avec le Ballet Preljocaj Junior, de Julien Bengel. La projection sera suivie d’un échange avec Jonathan Breton, directeur du Festival Blois Danse, chorégraphe de la compagnie AZOTH Dance Theatre et initiateur du Jeune Ballet 41, projet de territoire à destination des jeunes lancé l’an dernier. La billetterie est gérée par le festival. Les places sont en vente sur le site de Blois Danse [ICI]. Une billetterie sera également proposée sur place par l’équipe du festival au moment de la séance.

Le site du cinéma Les Lobis : blois-les-lobis.cap-cine.fr

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« On est sur une semaine bien engagée », confie Laëtitia Scherier. En effet, les films programmés cette semaine traversent l’exil, les frontières sociales, les migrations, les identités queer, l’écologie, l’urbanisation et la mémoire du cinéma populaire. Une semaine dense, mais jamais fermée : politique, oui, mais aussi sensible, drôle, populaire, parfois burlesque.

L’Étrangère : l’exil après le départ

La première sortie nationale de la semaine est L’Étrangère, de Gaya Jiji. La réalisatrice syrienne, qui a fait ses études en France, signe ici un deuxième long métrage de nouveau marqué par la question de l’exil. Le film suit une réfugiée syrienne qui arrive à Bordeaux après un périple éprouvant. De ce voyage, le spectateur ne reçoit que des fragments. La réalisatrice ne cherche pas à faire du trajet migratoire le cœur du récit. Son film commence surtout après : après le départ, après l’arrivée, dans ce temps suspendu où il faut demander l’asile, comprendre les règles administratives, survivre, se reconstruire, et tenter de faire venir un enfant resté au pays. « C’est un très beau film sur l’exil, mais surtout sur l’exil intime, plus que sur le parcours migratoire », observe Laëtitia Scherier.

La protagoniste veut faire venir son fils de six ans. Elle parle français, souhaite construire une vie en France, espère retrouver des personnes qu’elle connaît et offrir à son enfant une existence éloignée de la guerre. Elle rencontre également un avocat français, avec lequel se noue une relation amoureuse. Le rôle principal est tenu par Zar Amir Ebrahimi, actrice iranienne réfugiée en France. Laëtitia Scherier souligne la force de cette présence à l’écran, mais aussi l’engagement de l’actrice pour les droits des femmes en Iran et contre le régime iranien.

Le titre du film porte déjà une partie du propos. Gaya Jiji aurait pu choisir d’autres mots : l’exilée, la clandestine, la migrante. Elle choisit L’Étrangère. Un terme apparemment simple, mais lourd d’une violence sociale. « Il y a quand même une violence dans le mot “étrangère” quand on appelle quelqu’un comme ça », relève Laëtitia Scherier.

Le film se situe dans les années 2010, au moment où de nombreux Syriens arrivent en France. Il montre l’attente, les démarches, les blocages, et permet aussi de comprendre certains mécanismes administratifs, notamment liés au règlement Dublin. Celui-ci peut conduire à considérer qu’un autre État européen que la France est responsable de l’examen d’une demande d’asile, notamment lorsque la personne a été enregistrée, contrôlée ou identifiée lors de son passage dans un autre pays européen. Cette règle peut empêcher un demandeur d’asile de choisir librement le pays où il souhaite voir sa demande instruite. Pour le personnage, cette règle devient un obstacle majeur, puisqu’elle a été contrôlée avant d’arriver en France.

La guerre reste constamment présente, même à distance. Elle surgit dans les appels téléphoniques avec la famille, dans le bruit des bombes, dans les attaques entendues de loin. La femme tente de se reconstruire dans un nouveau pays, tout en sachant ce qui continue de se jouer chez elle. Le film laisse aussi apparaître une culpabilité intime : celle d’avoir réussi à partir quand d’autres sont restés.

Laëtitia Scherier insiste sur la pudeur de la mise en scène. « Il y a vraiment une retenue formelle. C’est assez classique. Ça évite totalement le misérabilisme. » Beaucoup de scènes très dures ne sont pas montrées frontalement. Elles existent dans les silences, dans ce que le spectateur comprend, dans ce que le film choisit de ne pas appuyer. Ce que la directrice des Lobis retient surtout, c’est le portrait d’une femme debout. « Elle dépeint vraiment une femme très digne. C’est vraiment ça que je retiens du film. »

Seuls les rebelles : aimer contre l’ordre social

Autre sortie de la semaine : Seuls les rebelles, de Danielle Arbid. La cinéaste franco-libanaise, dont Laëtitia Scherier rappelle qu’elle explore souvent les corps, le charnel et les frontières sociales ou géographiques, signe un film à la fois sentimental et politique. Le récit naît d’une rencontre à Beyrouth. Une veuve libanaise d’origine palestinienne, âgée d’une soixantaine d’années, vient en aide à un jeune migrant soudanais sans papiers. Entre eux, une histoire d’amour commence.

Laëtitia Scherier souligne que le film interroge la nature même de cette relation. Est-ce de l’amour ? Serait-ce la même chose dans des circonstances moins difficiles ? Les deux personnages s’aiment-ils, ou s’accrochent-ils l’un à l’autre parce qu’ils sont traversés par la solitude, le désarroi, la fatigue d’être mis à l’écart ? Le film ne tranche pas. Il regarde cette relation. « Une histoire d’amour naît entre eux, et elle va évidemment susciter l’incompréhension, puis surtout le rejet de l’entourage et des voisins », explique Laëtitia Scherier.

Le film transforme cette relation en révélateur. Derrière l’amour, ce sont les fractures de la société libanaise qui apparaissent : racisme, xénophobie, rapports de classe, traitement des migrants, violences du voisinage et hypocrisies collectives. Laëtitia Scherier y voit un sujet qui dépasse largement le Liban. « On veut être aidé, mais on ne veut pas aider les autres. C’est un problème très large dans nos sociétés. »

Dans Seuls les rebelles, l’amour devient donc une forme de résistance. Résistance à l’âge, au regard social, à la xénophobie, à la assignation de chacun à sa place. La singularité du film tient aussi à sa forme. En raison du contexte récent des conflits, Danielle Arbid n’a pas pu tourner au Liban. Beyrouth a donc été reconstituée en studio, en France. Plutôt que de masquer cette contrainte, la réalisatrice l’assume. Le décor ne cherche pas toujours l’illusion réaliste. Par moments, les toiles tendues, les aplats, les arrière-plans visibles donnent au film une artificialité revendiquée. « Au lieu d’en faire une faiblesse, elle s’en sert comme d’une vraie proposition artistique. » Cette Beyrouth reconstituée devient une ville de mémoire, une ville intérieure, peut-être une ville disparue telle qu’elle survivait dans les souvenirs. « C’est un film très touchant, clairement dur, mais vraiment très touchant », résume la directrice. Les deux personnages s’accrochent l’un à l’autre, mais aussi à la possibilité d’une autre vie. Leur histoire devient une manière de croire encore à une transformation de la société, même au bord du chaos.

Jim Queen : rire, fiertés et satire politique

Le troisième film de la semaine tient particulièrement à cœur à Laëtitia Scherier. Jim Queen, de Marco Nguyen et Nicolas Athané, arrive aux Lobis en deuxième semaine, après une première sortie nationale. La directrice du cinéma l’a placé en coup de cœur, « en espérant que cela le booste un peu ».

Ce choix n’allait pourtant pas de soi. Le film relève de l’animation adulte, il est interdit aux moins de 12 ans. Il met aussi en scène des personnages principaux queer, ce qui, constate Laëtitia Scherier, reste difficile dans la fréquentation locale, malgré la qualité de nombreux films programmés ces dernières années sur ces sujets. « Ce sont des films qui ont vraiment du mal aux Lobis », note-t-elle, ajoutant que cela l’inquiète parfois, car « cela dit aussi quelque chose ». Cette fois, pourtant, des demandes sont arrivées : messages de partenaires, appels au cinéma, interrogations sur les réseaux sociaux. Des demandes qui ont conforté la programmation du film.

Laëtitia Scherier a donc choisi de l’entrer avec un nombre de séances important, presque comme une sortie nationale. Elle espère que le public blésois sera au rendez-vous, comme cela semble être le cas dans plusieurs salles Art et Essai qui l’ont programmé dès sa sortie. Programmer Jim Queen pendant le Mois des fiertés ajoute encore du sens à ce choix.

Présenté en séance de minuit au Festival de Cannes, Jim Queen s’est imposé comme l’un des objets cinématographiques les plus singuliers de l’année. Le film est une comédie d’animation pour adultes, très colorée, portée par une esthétique pop et une animation 2D inventive. Laëtitia Scherier parle d’un « vrai petit bonbon visuel ». Son point de départ est aussi absurde qu’évident dans sa puissance satirique : Jim Queen, homme gay, attrape l’Hétérose, un virus qui transforme les hommes gays en hétérosexuels. Le film joue avec l’imaginaire épidémique. Certains passages peuvent faire penser au Covid, mais l’écho principal va du côté de l’épidémie de sida, de la peur sociale, des corps stigmatisés et de l’inaction politique.

« La volonté des réalisateurs n’est pas du tout de choquer gratuitement », insiste Laëtitia Scherier. Le film contient quelques représentations graphiques, ce qui justifie son interdiction aux moins de 12 ans, mais son énergie première est ailleurs. Il veut faire rire, provoquer, éveiller, rappeler par l’absurde que certaines causes restent brûlantes. « C’est une satire politique pleine d’autodérision. C’est très drôle », résume la directrice des Lobis. « J’ai extrêmement hâte de voir les réactions de spectateurs qui vont sortir de la salle et qui vont se dire qu’ils ont vraiment vu un film qui fait du bien. »

Pompoko : Ghibli, les tanukis et l’urbanisation

Le cycle Ghibli se poursuit avec Pompoko, d’Isao Takahata. Laëtitia Scherier se réjouit d’abord du bon accueil réservé la semaine précédente à Kiki la petite sorcière.

Sorti en 1994, Pompoko occupe une place singulière dans l’histoire de Ghibli. « À mon sens, c’est l’un des films les plus singuliers du studio, et l’une des œuvres les plus ouvertement politiques de Takahata », estime Laëtitia Scherier.

Le film est peut-être moins connu que Mon voisin Totoro, Princesse Mononoké ou d’autres titres plus célèbres du studio. Mais derrière son apparence de fable animalière fantaisiste, il développe un propos écologique très net. Pompoko raconte la disparition du monde naturel face à l’urbanisation galopante. Le film date de 1994, bien avant que les grandes questions environnementales occupent la place qu’elles ont aujourd’hui dans le débat public.

Pour Laëtitia Scherier, cette actualité du film est frappante. Les pouvoirs publics ne font pas toujours grand-chose, note-t-elle, mais les questions environnementales sont désormais au cœur des préoccupations collectives. Pompoko les abordait déjà frontalement, sous la forme d’un conte animé à la fois drôle, mélancolique et politique.

L’une des grandes forces du film réside dans sa liberté de ton. Les tanukis, souvent rapprochés dans l’imaginaire occidental du raton laveur ou du chien viverrin, permettent au récit de passer sans cesse d’un registre à l’autre. La comédie burlesque côtoie la chronique sociale, le drame écologique et le fantastique. Laëtitia Scherier recommande le film à partir de 8 ans. Le récit est plus complexe que certains autres Ghibli et s’adresse clairement aussi aux adultes. Mais c’est précisément cette richesse qui en fait, selon elle, « un petit bijou d’animation ».

Retour vers le futur ouvre le cycle rétro

Vendredi, Les Lobis ouvriront également leur cycle thématique de l’été, le cycle rétro, avec Retour vers le futur, de Robert Zemeckis. Sorti en 1985, le film reste pour Laëtitia Scherier « l’un des rares blockbusters à avoir traversé les décennies sans perdre de son énergie ni de sa fraîcheur ».

Le film est évidemment très marqué par les années 1980. Mais cette inscription dans son époque fait partie de son charme. Pour la directrice des Lobis, son efficacité demeure intacte. « Le propos tient toujours la route. C’est encore un film de référence dans le cinéma de science-fiction. » Après plusieurs films très engagés, cette ouverture du cycle rétro apportera une respiration plus légère, pensée comme un moment de plaisir collectif. Le bar ouvrira à 19 h afin que les spectateurs – habillés façon 1985 s’ils le souhaitent – puissent venir un peu plus tôt, prendre le frais, discuter avant la séance. Un quiz sera ensuite organisé dans la salle après le film, toujours dans cet esprit de cinéma vécu comme un moment partagé.

Dérapages, vélos et Fête du cinéma

La semaine ne se limite pas aux séances. Vendredi après-midi, l’association Dérapages sera présente aux Lobis, de 15 h à 20 h, pour des réparations de vélos. Même avec la chaleur, le rendez-vous devrait être maintenu.

À partir de dimanche et jusqu’à mercredi inclus, ce sera aussi la Fête du cinéma. Les places seront à 5 euros pour tout le monde, quelle que soit la séance. Le tarif concernera dimanche, lundi et mardi sur le programme de cette semaine, puis mercredi sur celui de la semaine suivante.

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C’est sur cette matière rare que l’association Ciné’fil a choisi de refermer sa saison 2025-2026 au cinéma Les Lobis. Lundi 22 juin, l’association blésoise proposera L’Œuvre invisible, documentaire d’Avril Tembouret et Vladimir Rodionov consacré à Alexandre Trannoy, cinéaste énigmatique des années 1950 à 1970, entouré de grands noms du cinéma français, mais demeuré sans œuvre visible. La soirée commencera à 19h30 par un temps convivial d’accueil, avant la projection à 20h30, en présence des deux réalisateurs.

Pour Godefroy Hirsch, de l’association Ciné’fil, le choix s’est imposé comme une évidence sensible. « Pour la fin de saison, on a choisi un film qui nous a énormément touchés », explique-t-il. Non pas seulement parce que le film parle de cinéma, ce qui suffirait déjà à retenir l’attention d’une association de cinéphiles, mais parce qu’il interroge ce qui précède parfois les films, ce qui les rend possibles, ce qui les empêche, ce qui les hante.

Une œuvre absente, une enquête réelle

L’Œuvre invisible se présente comme une enquête. Son objet : Alexandre Trannoy. Un nom qui, pour la plupart des spectateurs, ne dira rien. Et c’est précisément le point de départ du film. Trannoy aurait mené pendant plusieurs décennies des projets de longs-métrages, des tournages, des collaborations avec des acteurs, des producteurs, des scénaristes, sans qu’aucun film achevé ne soit finalement parvenu jusqu’au public.

Il ne s’agit pas d’un documentaire consacré à une filmographie oubliée, à un cinéaste injustement effacé des histoires officielles du septième art, dont il suffirait de retrouver les copies. Il s’agit d’un homme dont la trajectoire semble avoir épousé la forme même de l’inachèvement. Des projets annoncés, des images tournées, des affiches parfois réalisées, des collaborations prestigieuses, mais pas de film accompli. Rien, ou presque rien, qui permette de dire : voici l’œuvre.

L’un des épisodes les plus romanesques tient à ce premier long-métrage qu’Alexandre Trannoy devait présenter à Cannes. Sur la route, un accident de voiture. Les bobines brûlent. Le film ne sera pas projeté. Fait établi, légende embellie, reconstruction tardive ? Le documentaire avance dans cette zone incertaine où les preuves et les récits se frôlent sans toujours se rejoindre. Godefroy Hirsch insiste sur cette force du film : il ne ferme pas l’énigme.Il laisse travailler le doute. « Le film ne tranche pas. C’est ce qui fait toute sa richesse, au point que certains spectateurs sortent en disant : “Mais il n’a pas existé, ce gars-là, ce n’est pas possible.” » Ce trouble est au cœur du documentaire. Alexandre Trannoy a-t-il été un artiste empêché ? Un rêveur sublime ? Un homme incapable d’achever ce qu’il commençait ? Un manipulateur brillant ? Un mythomane ? Un cinéaste malchanceux ? Un metteur en scène de lui-même, plus que de ses films ?

Jean Rochefort, Anouk Aimée, Claude Lelouch : les témoins d’un homme insaisissable

Pour approcher ce cinéaste presque sans œuvre, Avril Tembouret et Vladimir Rodionov ont dû s’appuyer sur ce qui restait : des archives, quelques traces matérielles, et surtout des témoignages. Des figures majeures du cinéma français viennent évoquer Alexandre Trannoy, lui donner une consistance.

Jean Rochefort par exemple. « Il est extraordinaire, il vient nous parler d’Alexandre Trannoy, de tout ce qu’il a fait avec lui, à la manière de Jean Rochefort. » Le film convoque aussi Anouk Aimée, Claude Lelouch, Jean-Claude Carrière, Jacques Perrin, Édouard Baer. Tous, chacun à leur manière, contribuent à faire exister un homme dont les films ne sont pas là pour parler à sa place. « Ils viennent faire exister un réalisateur, faire exister un certain nombre de projets, mais, en fin de compte, de tout cela, il ne reste pas grand-chose », observe Godefroy Hirsch. Plus les témoins parlent, plus Trannoy prend corps ; plus il prend corps, plus son absence devient troublante. Un cinéaste peut-il exister sans film ? Une carrière peut-elle se résumer à ce qui fut tenté, annoncé, rêvé, puis perdu ? Le cinéma est-il seulement ce qui est montré, ou aussi ce qui fut désiré jusqu’à l’obsession ?

Le cinéma comme art de l’illusion

À travers Alexandre Trannoy, L’Œuvre invisible parle d’abord du cinéma. Et de son principe même : l’illusion. « C’est un très beau film sur le cinéma. C’est un très beau film sur l’illusion, qui est quand même l’un des ressorts extraordinaires du cinéma », souligne Godefroy Hirsch. Depuis les premiers films, depuis cette sidération fondatrice d’un train arrivant en gare de La Ciotat, le cinéma repose sur une convention acceptée : le spectateur sait qu’il regarde une image, mais il entre dans le monde qu’elle lui propose. Il sait que l’écran ment, et pourtant il consent à cette vérité particulière du mensonge. Avec Alexandre Trannoy, l’illusion n’est plus seulement sur l’écran. Elle entoure la figure du cinéaste lui-même.

Un film né lui aussi dans la difficulté

La force de L’Œuvre invisible tient aussi à son effet miroir. Avril Tembouret et Vladimir Rodionov ont consacré de longues années à cette enquête. Ils se sont lancés à la recherche d’un homme dont il restait peu de photos, peu d’images, peu de certitudes. Comment raconter une œuvre absente sans tomber dans le commentaire plat, l’hommage convenu ou la fascination pour le mystère ?

Selon Godefroy Hirsch, cette difficulté est devenue l’une des matières du documentaire. « Ils partaient évidemment à la recherche d’un type dont on n’a quasiment pas de photos, seulement quelques articles de presse, et de très, très beaux témoignages. » Le manque d’archives, au lieu de condamner le film, oblige les réalisateurs à inventer une forme : photos retravaillées, fil graphique, circulation entre témoignages et traces.

Le film a lui-même connu un parcours compliqué. « Il a été tellement difficile à réaliser que les deux réalisateurs ont dû, à un moment, se passer de producteur », raconte Godefroy Hirsch. Tembouret et Rodionov ont enquêté sur un homme qui n’achevait pas ses films, tout en affrontant eux-mêmes le risque de ne pas parvenir à achever le leur…

Pour les cinéphiles, mais pas seulement

Le sujet pourrait sembler réservé aux amateurs très avertis. Un cinéaste inconnu, des films jamais vus, des noms de l’âge d’or du cinéma français, une enquête sur les marges de l’histoire officielle : tout cela pourrait dessiner un objet de niche. Godefroy Hirsch s’en défend. Pour lui, L’Œuvre invisible peut toucher bien au-delà du cercle des cinéphiles.

« Bien entendu, cela intéresse les cinéphiles, mais cela peut aussi intéresser le grand public, notamment parce que les témoignages des acteurs et des témoins sont absolument extraordinaires. » Il y a une enquête, presque un roman. Il y a des personnages. Il y a un homme que l’on cherche. Il y a des images qui manquent. Il y a des souvenirs.

Ciné’fil, une saison de cinéma et de médiation

Si cette soirée clôt la saison de Ciné’fil, elle rappelle aussi le rôle singulier de l’association dans la vie culturelle blésoise. De septembre à juin, Ciné’fil accompagne une trentaine de semaines de programmation aux Lobis, avec un film par semaine. « Tous les lundis soir, il y a des membres de Ciné’fil qui sont là pour présenter le film qui va être projeté tout au long de la semaine », explique Godefroy Hirsch.

Pendant l’été, Ciné’fil préparerà la suite. La saison 2026-2027 se construira dans les semaines à venir, avant une reprise en septembre. Mais la fin de la programmation en salle ne signifie pas l’arrêt de l’activité. Au contraire, l’été ouvre une autre période pour l’association : celle des projections hors les murs.

Trois pieds pour faire tenir le cinéma debout

Godefroy Hirsch décrit Ciné’fil comme une association reposant sur trois pieds. Le premier est la programmation aux Lobis. Le deuxième concerne les projections hors les murs, notamment en été. Le troisième s’adresse à des publics particuliers, avec le soutien à l’option cinéma au lycée et des interventions en prison, avec le SPIP, autour du cinéma auprès des détenus.

Cette manière de faire vivre le cinéma dépasse largement la logique de la salle obscure. Ciné’fil intervient dans le territoire, avec des associations, dans des quartiers, dans des espaces publics. L’association a ainsi lancé sa saison d’été le 6 juin, dans les jardins de l’Évêché, avec Latino Cultura, autour d’un film guatémaltèque. Le plein air change l’expérience. Il y a l’écran, bien sûr, mais aussi la nuit, les bruits de la ville, les corps installés autrement, l’attention collective qui se fabrique sous le ciel.

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La semaine s’ouvre avec L’Illusion de Yakushima, de Naomi Kawase (lire ici). Le film suit une infirmière française installée au Japon, interprétée par Vicky Krieps, confrontée à la question du don d’organes, mais aussi à l’absence et au deuil. Laëtitia Scherier avait insisté sur la dimension « sensorielle et spirituelle » de ce film porté par une actrice « remarquable ».

Ulysse, une odyssée du quotidien

Mais l’autre grande sortie de la semaine est Ulysse, de Laetitia Masson, film très personnel inspiré de l’expérience de la réalisatrice, mère d’un enfant atteint d’un syndrome génétique rare. Le nom de ce syndrome n’est jamais donné. Le film ne cherche pas à définir médicalement le handicap. Il préfère en montrer les conséquences concrètes, affectives, familiales et sociales.

Avec Ulysse, Laetitia Masson signe une fiction nourrie par une histoire intime. Le film suit, sur près de dix-huit ans, le parcours d’une mère, interprétée par Élodie Bouchez, confrontée dès la naissance au handicap de son fils. L’enfant s’appelle Ulysse dans le film, un prénom qui donne au récit sa dimension d’odyssée. « Le film montre la manière dont l’annonce de ce handicap et le développement de l’enfant peuvent transformer complètement une famille. », explique Laëtitia Scherier.

Le récit épouse essentiellement le point de vue de la mère. À travers elle, le spectateur traverse les différentes étapes d’une vie familiale entièrement recomposée : l’annonce, l’entrée à l’école, les rendez-vous médicaux, les difficultés d’apprentissage, les démarches administratives, les espoirs, les blocages, les moments de fatigue et ceux de joie. « Le combat quotidien devient vraiment une odyssée », résume-t-elle. Le film dit l’épuisement qui naît lorsque la société n’est pas suffisamment adaptée aux personnes porteuses de handicap et à leurs familles. Le fils de Laetitia Masson joue lui-même Ulysse à l’adolescence. Quatre comédiens incarnent l’enfant aux différents âges du récit. Pour Laëtitia Scherier, le film peut « apporter une forme de soutien » à des parents d’enfants porteurs de handicap, mais aussi « éveiller les consciences » de ceux qui ne mesurent pas toujours l’ampleur des aides nécessaires.

La mère n’est pas idéalisée. C’est même l’un des éléments qui intéresse Laëtitia Scherier dans le traitement du film. Elle n’est pas présentée comme une figure parfaite, mais comme une femme traversée par tout ce que cette situation peut produire : la détermination, l’amour, la colère, le doute, l’épuisement, la peur. « Elle est présentée comme une héroïne qui tente de construire pour son fils une vie la plus belle possible, la plus autonome possible », tout en affrontant ce que cette odyssée fait aussi au couple et à l’équilibre familial.

Présenté à Cannes dans la section Un Certain Regard, Ulysse s’inscrit ainsi dans un cinéma du sensible, mais sans pathos inutile. Le film regarde moins le handicap comme un sujet isolé que comme une expérience qui oblige à interroger l’ensemble d’une société : l’école, les soins, l’administration, le couple, la famille, l’autonomie et la place que l’on laisse réellement aux plus fragiles.

Kiki la petite sorcière, l’apprentissage de l’autonomie

Le cycle Ghibli se poursuit cette semaine avec Kiki la petite sorcière, après Le Château dans le ciel. Sorti en 1989, juste après Mon voisin Totoro, le film de Hayao Miyazaki suit Kiki, jeune sorcière adolescente ou préadolescente, contrainte de quitter sa famille pour accomplir une année d’apprentissage dans une ville inconnue. Avec son chat, elle va faire de son seul talent — voler sur un balai — le point de départ d’une petite entreprise de livraison. Le film prend alors la forme d’un récit initiatique simple en apparence, mais d’une grande finesse psychologique. « Il aborde vraiment les questions de confiance en soi, de solitude et de passage à l’âge adulte », souligne Laëtitia Scherier.

Comparé à d’autres œuvres du studio Ghibli, Kiki la petite sorcière est moins spectaculaire. Il ne cherche pas l’ampleur visuelle ou narrative d’un film comme Le Château dans le ciel. Il avance sur un rythme plus calme, plus quotidien, plus intérieur. C’est aussi ce qui en fait l’un des films Ghibli les plus accessibles aux jeunes enfants. Les Lobis le recommandent à partir de 6 ans. Les séances familiales seront principalement proposées en version française les mercredis, samedis et dimanches. Deux séances en version originale sous-titrée sont également prévues les lundis et mardis, pour les adultes, les adolescents ou les spectateurs qui souhaitent le redécouvrir en japonais.

L’Œuvre invisible, un ciné-débat sur les films qui n’existent pas

Autre rendez-vous de la semaine : un ciné-débat autour de L’Œuvre invisible, documentaire d’Avril Tembouret et Vladimir Rodionov. La séance aura lieu lundi 22 juin à 20h30, en présence des réalisateurs.

Laëtitia Scherier présente le film comme une œuvre hybride, à la fois documentaire et réflexion sur le cinéma. Il est consacré à Alexandre Trannoy, figure méconnue qui aurait côtoyé de grands noms du cinéma français, parmi lesquels Jean Rochefort, Anouk Aimée ou Lino Ventura, sans jamais parvenir à achever le moindre film. D’où le titre : L’Œuvre invisible.

Le documentaire ne s’intéresse donc pas seulement à un parcours singulier. Il interroge aussi ce qui reste d’un désir de cinéma lorsque les films n’aboutissent pas. « Le film parle du désir de cinéma, de cette foi ou de cette envie parfois un peu irrationnelle qu’ont les cinéastes à consacrer leur vie à des films qui n’existeront peut-être jamais », explique Laëtitia Scherier. Le public voit les films qui sortent en salle, ceux qui trouvent un distributeur, une affiche, une existence publique. Mais beaucoup de projets se montent, se cherchent, avancent parfois jusqu’à un début de tournage, avant de disparaître ou de ne subsister qu’à l’état d’archives.

Le cycle rétro, ou le retour de films en salle

Laëtitia Scherier annonce également le lancement du cycle rétro des Lobis, organisé pour la troisième année consécutive. Cette programmation de films de répertoire lui tient particulièrement à cœur, car elle permet de faire revenir en salle des œuvres importantes de l’histoire du cinéma. Pendant l’année, programmer ce type de films est devenu plus difficile. La directrice évoque des demandes d’engagement plus fortes de la part des distributeurs, un nombre de séances plus contraignant, une concurrence accrue entre les films, et une durée de vie parfois plus courte en salle. Mais « cela permet de continuer à faire vivre des films importants de l’histoire du cinéma et surtout de leur faire retrouver le chemin de la salle », explique Laëtitia Scherier. Car un classique sur une plateforme ou en VOD ne produira pas le même effet qu’en salle.

Pour construire cette programmation, Laëtitia Scherier s’appuie sur les ressorties en copies restaurées proposées par les distributeurs au cours des douze derniers mois, mais aussi sur des œuvres découvertes plus jeune, adolescente ou pendant ses études de cinéma. Des films qui ont marqué durablement sa vision du cinéma. Elle se souvient notamment de la réception de certains films lors du cycle précédent. Paris, Texas et Casablanca avaient très bien fonctionné. Des spectateurs étaient ressortis en expliquant qu’ils avaient toujours entendu parler de ces films sans jamais les avoir vus, et que la projection aux Lobis avait provoqué une véritable découverte.

Retour vers le futur pour ouvrir la rétro

La soirée de lancement aura lieu samedi 27 juin à 20 h avec Retour vers le futur. Comme les années précédentes, Les Lobis choisissent d’ouvrir avec un film capable de rassembler largement. La première édition avait commencé avec Les Dents de la mer. L’an dernier, l’ouverture s’était faite avec La Cité de la peur. Laëtitia Scherier reconnaît ne pas aimer beaucoup l’expression « grand public », mais l’idée est bien de proposer une première soirée accessible, festive, fédératrice. Le bar sera ouvert avant la séance et les spectateurs seront invités, s’ils le souhaitent, à ressortir leurs vêtements des années 1980. Après la projection, un quiz sera organisé en salle autour de la culture des années 1980 et des films de science-fiction.

Une programmation par genres

Cette troisième édition du cycle rétro sera construite autour des genres du cinéma. La semaine du 1er juillet sera consacrée au road movie avec Pierrot le Fou, de Jean-Luc Godard, et Thelma & Louise, de Ridley Scott. Ce dernier représente un pari particulier pour la salle, en raison du coût des droits, mais Laëtitia Scherier tenait à le programmer. Elle y voit un film capable de rassembler, par ce qu’il raconte, par son écho avec des questions de société actuelles, mais aussi parce qu’il figurait cette année sur l’affiche du Festival de Cannes.

La semaine du 8 juillet sera dédiée aux drames intemporels avec deux films que Laëtitia Scherier présente comme faisant partie de ses favoris : Vol au-dessus d’un nid de coucou, de Miloš Forman, et Stand by Me, de Rob Reiner.

Le 15 juillet, la comédie romantique permettra d’apporter « un peu de légèreté » avec deux classiques : Quand Harry rencontre Sally, également de Rob Reiner, ressorti cette année en copie restaurée, et Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain, de Jean-Pierre Jeunet.

Après la fermeture estivale des Lobis, du 22 juillet au 18 août inclus, le cycle reprendra avec le film policier. Sont annoncés Chien enragé, d’Akira Kurosawa, et Jeune et Innocent, d’Alfred Hitchcock.

La dernière semaine du cycle, autour du 26 août, sera consacrée au film historique, avec Lili Marleen, de Rainer Werner Fassbinder, et La Leçon de piano, de Jane Campion.

Comme lors des précédents cycles, les spectateurs pourront récupérer une petite carte lors des premières séances. Chaque film vu donnera droit à un tampon. Ceux qui auront assisté à dix films du cycle repartiront avec une place de cinéma gratuite, valable trois mois, pour le film de leur choix, événement compris.

Pour en savoir plus : blois-les-lobis.cap-cine.fr

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Quentin Dupieux en animation : Le Vertige, un OVNI volontairement rétro

La première sortie nationale de la semaine est aussi le coup de cœur de Laëtitia Scherier : Le Vertige, nouveau film de Quentin Dupieux. « J’ai mis un coup de cœur, parce que je trouve vraiment que le film le mérite, tant c’est un OVNI », explique-t-elle. Présenté en clôture de la Quinzaine des cinéastes à Cannes, Le Vertige marque une étape particulière dans la filmographie du réalisateur. Quentin Dupieux avait deux films présentés à Cannes cette année. Le second, Full Phil, sortira plus tard. Celui-ci est son premier film d’animation.

Le film réunit notamment Alain Chabat, Jonathan Cohen et Anaïs Demoustier. Le point de départ tient dans une idée aussi simple que vertigineuse : Jacky, interprété vocalement par Alain Chabat, se rend chez son ami Bruno, à qui Jonathan Cohen prête sa voix, pour tenter de le convaincre que le monde dans lequel ils vivent n’est peut-être qu’une simulation. Chez Dupieux, cette hypothèse métaphysique ne donne pas naissance à une fable solennelle, mais à une comédie étrange, joueuse, volontairement décalée.

Laëtitia Scherier insiste sur la singularité du projet. « S’il n’y avait pas eu cette sélection à Cannes, je pense que le film ne serait probablement jamais sorti en salle, puisque c’est vraiment une expérimentation, une recherche totale. » Visuellement, Le Vertige ne cherche pas la perfection technique. Au contraire. Là où de nombreux films d’animation contemporains rivalisent de précision pour reproduire le réel, les mouvements de l’eau, la lumière ou les textures, Quentin Dupieux assume une esthétique plus rudimentaire, plus rétro, presque volontairement imparfaite. « Le résultat fait penser aux Sims, ou aux premières simulations et aux premiers jeux vidéo », observe la directrice des Lobis. Ce choix correspond à l’univers du cinéaste, qui préfère le pas de côté à l’illusion lisse.

Le film a été réalisé avec cinq jeunes diplômés des Gobelins, grande école parisienne notamment reconnue pour ses formations en cinéma d’animation, jeu vidéo, photographie et design graphique. Pour Laëtitia Scherier, cette dimension expérimentale est précisément ce qui rend le film précieux. « Il utilise l’animation au service de son univers complètement foutraque et décalé. »

Depuis plusieurs années, Quentin Dupieux tourne à un rythme très soutenu, avec un ou deux films par an. Son cinéma travaille souvent à déconstruire les formes : le cinéma lui-même dans Rubber ou Réalité, le théâtre dans Yannick, ou encore les réseaux sociaux et leur envers dans L’Accident de piano. Avec Le Vertige, Laëtitia Scherier voit moins une parodie du cinéma d’animation qu’une exploration proche du jeu vidéo. « C’est toujours drôle, parfois hilarant, décalé au possible. C’est un pas de côté dans sa filmographie », estime-t-elle. Le film ne prétend pas atteindre la complexité narrative de Rubber, qu’elle considère comme « un peu son chef-d’œuvre », mais il possède une liberté rare. « C’est un vrai petit bonbon d’1h07. »

The Christophers : Steven Soderbergh interroge l’art, l’héritage et l’authenticité

Deuxième sortie nationale de la semaine : The Christophers, de Steven Soderbergh. Là encore, Les Lobis accompagnent un cinéaste très prolifique. Depuis Sexe, mensonges et vidéo, Palme d’or à Cannes, le réalisateur américain a construit une filmographie particulièrement éclectique, capable de passer de productions très populaires comme Ocean’s Eleven, Magic Mike ou Logan Lucky à des œuvres plus engagées ou plus proches du cinéma art et essai, comme Erin Brockovich ou The Laundromat : L’Affaire des Panama Papers.

Avec The Christophers, Soderbergh propose une comédie dramatique située dans le milieu de l’art contemporain londonien. Le film raconte l’histoire d’un peintre retiré du monde, vivant reclus dans une maison à étages à Londres. Il n’est plus capable de créer. Pour gagner un peu d’argent, il se prête à des vidéos et à des signatures virtuelles, comme un artiste d’un autre temps tentant de raccrocher les wagons d’une époque qui lui échappe.

Ses enfants, eux, pensent d’abord à leur héritage. « On comprend qu’il n’a pas été très présent pour eux », souffle Laëtitia Scherier. Ils engagent alors une restauratrice d’œuvres d’art, dont le passé touche aussi au faux, afin de terminer secrètement une série de toiles inachevées. Ces œuvres, intitulées The Christophers, pourraient valoir très cher après la mort de l’artiste. Lui refuse pourtant catégoriquement de les achever.

Le peintre est interprété par Ian McKellen. « Il est toujours aussi convaincant », souligne Laëtitia Scherier, qui décrit un personnage « tour à tour horripilant et extrêmement touchant ». Il ne s’agit pas seulement du portrait d’un artiste sur le déclin, mais de celui d’un homme ayant dépassé sa période de gloire, confronté à ce qu’il a produit, à ce qu’il n’a pas terminé, et à ce que les autres voudraient faire de son œuvre.

Le film ouvre ainsi une série de questions sur la valeur artistique. Qu’est-ce qui fait une œuvre ? Sa matière ? La qualité des pinceaux, de la toile, du geste technique ? L’intention qui l’a fait naître ? Le regard porté par celui qui l’observe ? Ou encore le discours critique, le marché, la spéculation, tout ce qui entoure l’objet artistique et finit parfois par en déplacer le sens ? « Le film pose la question de l’authenticité », analyse Laëtitia Scherier. « Qu’est-ce qui fait une œuvre d’art ? »

Derrière les reparties piquantes et le dispositif presque théâtral du huis clos, elle retient surtout une tonalité plus douce. The Christophers parle du temps, de la trace : « Oui, j’ai surtout trouvé que c’était un film plein de douceur sur le temps qui passe, sur ce qu’on laisse derrière soi, et plus particulièrement sur ce qu’un artiste laisse derrière lui. »

Colony : Yeon Sang-ho renouvelle encore le film de zombies

La troisième nouveauté arrive avec un léger décalage. Colony, thriller horrifique sud-coréen de Yeon Sang-ho, est sorti deux semaines plus tôt, d’abord en multiplexe. Le réalisateur est bien connu des amateurs de cinéma de genre. Près de dix ans après Dernier train pour Busan, qui a profondément marqué le cinéma de zombies, Yeon Sang-ho revient avec un nouveau récit de contamination.

Colony a été présenté en séance de minuit à Cannes. Son point de départ est simple : après un accident biologique dans un immense complexe de Séoul, des survivants se retrouvent piégés dans le bâtiment. Un virus se transforme, se transmet progressivement, et les personnes contaminées deviennent des créatures organisées, intelligentes, capables d’élaborer des stratégies collectives.

Le film ne révolutionne pas entièrement le genre zombie, reconnaît Laëtitia Scherier, mais il en déplace les codes. Dans beaucoup de films du genre, les infectés sont menaçants mais lents, privés d’intelligence, réduits à une masse qui avance. Ici, au contraire, les contaminés fonctionnent comme une colonie d’insectes. Ils partagent des informations, coordonnent leurs attaques, cherchent à répandre le virus le plus rapidement et le plus efficacement possible.

Comme souvent dans les films de genre, le récit horrifique permet de parler d’autre chose. Colony peut être lu comme une métaphore. « On peut y voir des éléments connectés à notre époque : la métaphore des réseaux sociaux, la circulation virale de l’information, qui n’est pas toujours juste, et les comportements grégaires de nos sociétés », observe Laëtitia Scherier.

La mise en scène participe pleinement à l’efficacité du film. Le décor vertical du gratte-ciel transforme chaque étage en obstacle, chaque niveau en étape nouvelle, presque comme dans une progression de jeu vidéo. Les scènes d’action sont nerveuses, tendues, directes. La directrice des Lobis ne prétend pas que Colony retrouve l’effet de surprise de Dernier train pour Busan. Mais elle y voit la confirmation d’un savoir-faire rare. « Cela démontre tout de même que le réalisateur reste, selon moi, l’un des rares cinéastes de ces dernières années capables d’apporter encore un peu de fraîcheur à un genre que l’on a déjà vu, revu et rerevu. »

Ghibli commence avec Le Château dans le ciel

Cette semaine marque aussi le lancement de la rétro Ghibli d’été aux Lobis. Le premier film proposé est Le Château dans le ciel, réalisé par Hayao Miyazaki et sorti en 1986. C’est le premier long métrage sorti au cinéma sous l’étiquette du studio Ghibli, et le troisième film du cinéaste japonais.

La programmation s’inscrit dans le cadre de « Ciné Marmots », dispositif jeune public mené en partenariat avec la Ville de Blois. La majorité des séances sera donc proposée en version française, afin de rendre le film accessible aux enfants. Laëtitia Scherier recommande toutefois le film plutôt à partir de 7 ou 8 ans. « Avant cet âge, il peut être un peu complexe et certaines séquences peuvent être impressionnantes », précise-t-elle, tout en rappelant qu’il n’existe évidemment aucune interdiction particulière.

Deux séances en soirée seront également proposées en version originale sous-titrée, pour les adultes, les adolescents, les grands enfants et les spectateurs attachés à la V.O. L’objectif est simple : permettre à chacun de découvrir ou redécouvrir le film dans les meilleures conditions.

Le Château dans le ciel raconte l’histoire de Sheeta, une jeune fille qui possède un mystérieux pendentif, et de Pazu, un garçon apprenti mécanicien passionné d’aviation. Ensemble, ils partent à la recherche de Laputa, une cité flottante convoitée à la fois par des pirates de l’air et par l’armée. C’est un grand film d’aventure, mais aussi une œuvre fondatrice. Pour Laëtitia Scherier, on y trouve déjà les thèmes qui traverseront toute l’œuvre de Miyazaki : l’émerveillement devant la beauté du monde, l’importance de la nature, la préservation de l’environnement, la méfiance envers le pouvoir militaire, mais aussi envers la technologie lorsqu’elle est mise au service de la domination.

Même près de quarante ans après sa sortie, le film conserve une puissance intacte. Son animation traditionnelle, entièrement dessinée à la main, son imaginaire aérien, sa richesse visuelle et son absence de manichéisme continuent de le distinguer de nombreuses productions destinées au jeune public. Pour Laëtitia Scherier, Le Château dans le ciel reste « un vrai bijou », et même « clairement un chef-d’œuvre de l’animation ».

Naomi Kawase en avant-première avec L’Illusion de Yakushima

Les Lobis proposeront également en avant-première L’Illusion de Yakushima, nouveau film de Naomi Kawase. Le film suit Corry, une infirmière française installée au Japon, interprétée par Vicky Krieps. Formée à Paris, elle travaille comme coordinatrice de transplantation cardiaque pédiatrique dans un hôpital de Kobé. Elle accompagne des enfants en attente de greffe, ainsi que leurs familles, dans un pays où le don d’organes demeure un sujet délicat.

Le film aborde donc une question médicale, mais aussi culturelle et spirituelle. Laëtitia Scherier rappelle que le Japon entretient un rapport particulier au corps, à la mort et à la transmission, ce qui rend la question du don d’organes plus complexe encore.

À cette dimension professionnelle s’ajoute un récit intime. Le compagnon de Corry, photographe, disparaît sans explication. La jeune femme se trouve alors confrontée à l’absence dans deux dimensions de son existence : celle des enfants qu’elle accompagne à l’hôpital et celle de sa propre vie affective.

Naomi Kawase entrelace ainsi deux sujets : le don d’organes et le phénomène des personnes qui choisissent de disparaître volontairement. Laëtitia Scherier rapproche ce second motif de celui abordé récemment par le film français Les Enfants vont bien. Il s’agit d’une forme de deuil singulière, puisqu’elle naît non d’une mort, mais d’une disparition choisie.

Dans L’Illusion de Yakushima, cette absence devient le point de départ d’un voyage intérieur. Le film se déploie dans une relation forte à la nature, aux liens invisibles, à ce qui unit les vivants et les disparus. « Tout le film repose clairement sur l’interprétation de Vicky Krieps, que je trouve remarquable », souligne Laëtitia Scherier. Elle retient surtout la sincérité de l’actrice et la dimension sensorielle du film. « Ce que je retiens surtout du film, plus encore que l’aspect médical, c’est sa dimension sensorielle et spirituelle. C’est un film assez bouleversant. »

Bientôt une rétro autour des genres au cinéma

Laëtitia Scherier annonce enfin la préparation du cycle rétro de l’été. Ce rendez-vous de films de patrimoine revient pour la troisième année. La soirée d’ouverture est encore en cours de finalisation, mais elle devrait être consacrée à Retour vers le futur. Le choix répond à une tradition installée depuis le lancement du cycle : ouvrir avec un film accessible, capable de rassembler largement. La première année, Les Lobis avaient proposé Les Dents de la mer. L’an dernier, l’ouverture s’était faite avec La Cité de la peur. La suite de la programmation devrait explorer plusieurs familles de cinéma : le road movie, le drame intemporel, la comédie romantique, le film policier et le film historique.

Enfin, au bar des Lobis, le rendez-vous de la semaine aura lieu vendredi 12 juin, de 14h à 19h, avec la onzième permanence du Salon qui bouge. Comme à chaque édition, une invitée sera présente. Cette fois, il s’agira d’une personne du Houppier, tiers lieu éco-culturel situé à Blois.

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L’Affaire Zanetti : le crime n’est pas une énigme, mais une mémoire à interroger

La première sortie nationale de la semaine est L’Affaire Zanetti, de Leonardo Di Costanzo. Le réalisateur italien, d’abord connu pour son travail documentaire, poursuit ici une exploration du monde carcéral déjà présente dans Ariaferma, son précédent long métrage de fiction, consacré aux tensions entre détenus et gardiens.

Avec L’Affaire Zanetti, le cinéaste s’éloigne toutefois des codes habituels du film policier. Le film s’inspire d’un fait divers réel et des travaux de deux criminologues italiens autour des crimes intrafamiliaux. Mais il ne cherche ni l’effet d’enquête, ni le suspense artificiel. « Ce n’est vraiment pas un polar », insiste Laëtitia Scherier. « Le film ne cherche pas du tout à reconstituer le crime ou à entretenir un quelconque suspense. On sait qu’elle a tué sa sœur. »

Roschdy Zem y interprète un professeur criminologue qui mène des entretiens avec des femmes incarcérées. Le récit se concentre plus particulièrement sur Elisa Zanetti, incarnée par Barbara Ronchi, condamnée pour le meurtre de sa sœur, mais qui affirme n’avoir conservé qu’un souvenir très fragmentaire de son geste. Le film repose largement sur ce face-à-face. D’un côté, un criminologue qui tente de comprendre. De l’autre, une femme dont la mémoire se reconstruit par fragments, entre flashes, hésitations, contradictions et moments de déni. « Même si on sait qu’elle l’a fait, cela interroge toutes les zones d’ombre qu’il peut y avoir », observe Laëtitia Scherier.

La mise en scène, très épurée, installe une grande partie du film dans le huis clos de la salle d’entretien. Tout y passe par les mots, les silences, les regards et les inflexions du jeu. Barbara Ronchi donne au personnage une opacité qui empêche toute lecture simple. Sa culpabilité n’est pas niée, mais le film déplace la question : comment une personne peut-elle vivre avec un acte dont elle ne parvient pas elle-même à reconstituer entièrement le chemin intérieur ?

The Plague : une microsociété adolescente sous tension

Le deuxième film défendu cette semaine par Les Lobis est The Plague, premier long métrage de Charlie Polinger. Laëtitia Scherier le présente comme « un premier film assez prodigieux », au point d’avoir choisi de lui accorder huit séances.

Le film se déroule dans un camp de water-polo au début des années 2000. Un adolescent tente de s’intégrer dans cette microsociété régie par ses propres règles : celles des adultes, bien sûr, mais surtout celles que les jeunes établissent entre eux, souvent de manière plus brutale. Le personnage principal découvre alors un garçon marginalisé, tenu à l’écart du groupe, souffrant d’acné et d’une infection cutanée. Les autres adolescents le surnomment cruellement « la peste ». À partir de là, le film observe une mécanique de contamination sociale. Non pas la contamination physique, mais celle de la peur : « Le simple fait d’être vu avec lui, de sympathiser, d’avoir de la peine pour lui ou d’essayer de comprendre ce qui lui arrive devient une menace pour sa propre position dans le groupe », résume Laëtitia Scherier.

À partir d’une situation qui pourrait sembler relever d’une cruauté de cour d’école, Charlie Polinger construit un récit plus ample sur l’exclusion, le harcèlement de groupe et la construction de la masculinité chez les jeunes adolescents. Le film montre comment une communauté d’enfants peut fabriquer ses propres rituels, ses dominations et ses bannissements, loin du regard véritablement protecteur des adultes. Laëtitia Scherier y voit d’abord un film sur « la peur universelle d’être rejeté ». Même si les personnages principaux sont adolescents, le sujet dépasse largement leur âge. Chacun peut reconnaître, dans cette peur de se retrouver à l’écart, une angoisse plus ancienne et plus générale.

Le scénario est inspiré des journaux intimes que le réalisateur tenait lorsqu’il fréquentait lui-même des camps d’été, même si le reste de l’histoire relève de la fiction. Le film prend peu à peu la forme d’un thriller psychologique. Tourné en 35 mm, il développe une atmosphère visuelle très marquée. « Dans son ambiance, il peut rappeler Kubrick », note Laëtitia Scherier, qui y a aussi vu un écho à Sa Majesté des mouches. Le film ne vise peut-être pas le public le plus large, reconnaît la directrice, mais elle insiste sur la nécessité de le découvrir en salle. « Il y a des plans absolument incroyables et il faut absolument voir le film sur un grand écran. »

Cocotte : une fable politique à hauteur de poule

La troisième proposition de la semaine, Cocotte, de György Pálfi. Laëtitia Scherier y a trouvé une œuvre suffisamment singulière pour mériter d’être proposée aux spectateurs blésois. « C’est une proposition décalée, et cela me semblait important de la prendre pour tous les goûts », explique-t-elle. Le film suit une poule noire qui s’échappe d’un élevage industriel. À partir de ce point de départ, György Pálfi construit un récit animalier qui tient à la fois de la fable politique, du drame social et du burlesque. La singularité du film vient d’abord de son dispositif : là où beaucoup de productions auraient eu recours à l’animation numérique ou à l’anthropomorphisme, le réalisateur travaille avec de véritables animaux. « Rien que cela, c’est un exploit quand on voit le film », souligne Laëtitia Scherier.

La caméra est placée à hauteur d’animal. Les humains sont souvent vus en contre-plongée, parfois seulement jusqu’aux genoux. Ce choix formel modifie entièrement le regard. Les hommes deviennent des silhouettes menaçantes, grotesques ou absurdes, observées depuis un point de vue étranger à leurs logiques sociales. Au fil de son parcours, la poule traverse plusieurs milieux humains. Elle monte dans des camions, marche, court, se déplace d’un lieu à l’autre, et devient le témoin involontaire d’une société traversée par la violence, les injustices et les rapports de domination. « Il y a évidemment un aspect très politique au film », relève Laëtitia Scherier, « mais avec une vraie tonalité burlesque par moments ».

Le CNC a accompagné le film d’un avertissement, afin d’éviter que des spectateurs ne viennent y chercher un documentaire animalier. Cocotte est tout autre chose : une fable étrange, incisive, volontairement décentrée, qui utilise le regard animal pour mieux révéler ce que les humains ne voient plus d’eux-mêmes.

Dune de David Lynch : tenir une promesse faite aux spectateurs

La semaine verra aussi le retour de Dune, de David Lynch. « Quand les spectateurs me demandent des films, surtout des films comme ça, j’essaie toujours de trouver une petite place », explique-t-elle. Troisième long métrage de David Lynch après Eraserhead et Elephant Man, Dune adapte le premier volume du roman de Frank Herbert, publié près de vingt ans avant la sortie du film. L’œuvre littéraire est réputée pour sa densité : politique, religion, écologie, génétique, monologues intérieurs, concepts abstraits. Autant d’éléments qui en font un monument de la science-fiction, mais aussi un livre particulièrement difficile à adapter.

À l’époque, le producteur voyait dans le projet un possible nouveau Star Wars. George Lucas avait d’ailleurs proposé à David Lynch de réaliser Le Retour du Jedi, ce que celui-ci avait refusé. Lynch accepte finalement Dune, alors même qu’il ne connaissait pas le roman au départ. Il s’approprie peu à peu cet univers et tente d’en faire tenir la complexité dans un seul film. La comparaison avec les adaptations plus récentes de Denis Villeneuve est inévitable, mais elle permet surtout de mesurer la différence d’approche. Là où Villeneuve a choisi d’étaler le récit sur plusieurs films et de privilégier une forme plus lisible pour un large public, Lynch a cherché à tout intégrer, au risque de la saturation.

Le film fut un échec critique et commercial à sa sortie. Lynch l’a longtemps renié, notamment parce qu’il n’a pas eu le contrôle du montage final. « Son montage à lui faisait pas loin de 4 h 30 », rappelle Laëtitia Scherier. Plusieurs versions ont ensuite circulé, certaines désavouées par le réalisateur au point d’être signées sous pseudonyme. Avec le recul, Dune apparaît toutefois comme une œuvre importante pour comprendre son cinéma. « On retrouve tout le travail de Lynch, tout son univers », estime Laëtitia Scherier. Le film porte déjà les traces d’Eraserhead et annonce plusieurs obsessions visuelles et mentales qui traverseront la suite de sa filmographie.

Ciné-débat autour de Jean-Luc Johannet

L’événement de la semaine aura lieu vendredi 5 juin à 19 h 30, avec une ouverture du bar dès 18 h 30. Les Lobis accueilleront un ciné-débat autour du documentaire Jean-Luc Johannet. Anarchitecte, réalisé par Danilo Proietti, qui sera présent. La soirée est organisée par Guillaume Legret, projectionniste des Lobis.

Le documentaire retrace le parcours de Jean-Luc Johannet, artiste né à Blois au début des années 1950. Architecte, plasticien, créateur engagé, il a conçu des maquettes, des structures et des formes qui ont marqué plusieurs générations de Blésois. Une petite exposition est visible dans le hall des Lobis, avec des photographies de certaines œuvres. Le photographe Thierry Cardon, ami de longue date de Jean-Luc Johannet, participera également au débat.

Parmi les réalisations évoquées figure notamment L’Oiseau euphorique, exposé en 1986 sur le parvis de la Halle aux Grains de Blois. Depuis le lancement de la communication autour de la soirée, de nombreux spectateurs ont réagi. Certains racontent l’avoir rencontré, d’autres avoir travaillé avec lui. « On sent beaucoup de tendresse quand les gens en parlent », observe Laëtitia Scherier. À partir du milieu des années 1980, Jean-Luc Johannet a également développé un travail d’art-thérapie.

La rencontre réunira donc Danilo Proietti, Thierry Cardon, l’historienne de l’art Roberta Trapani, ainsi que le psychiatre Jean-Pierre Klein, spécialiste de l’art-thérapie. Ce dernier ne pourra pas être présent physiquement, mais a enregistré une vidéo pour évoquer le travail de Jean-Luc Johannet et son héritage.

Bourse aux affiches samedi aux Lobis

Autre rendez-vous de la semaine : la septième bourse aux affiches, organisée samedi entre 11 h et 16 h. Le bar sera également ouvert. L’idée est simple : permettre aux spectateurs de venir choisir des affiches de cinéma, prendre le temps de regarder, d’échanger, et, pourquoi pas, de s’installer autour d’un café. Une proposition plus légère, mais fidèle à l’esprit des Lobis : faire du cinéma un lieu de passage, de discussion et de curiosité, au-delà des seules séances.

Un été Ghibli aux Lobis

Laëtitia Scherier annonce enfin un cycle jeune public consacré au studio Ghibli, du 10 juin au 15 septembre. Dix films seront proposés, à raison d’un film par semaine, hors période de fermeture estivale. La sélection Ghibli répond à un double objectif : proposer des œuvres exigeantes et rassembler plusieurs générations. Les premières réactions du public semblent déjà confirmer l’attente. « Je crois que c’est la première fois qu’on a des réponses aussi enthousiastes et autant de répondants sur les réseaux sociaux », observe Laëtitia Scherier. Les films du studio Ghibli occupent une place particulière dans l’imaginaire de nombreux spectateurs. Beaucoup les ont découverts jeunes, sans toujours avoir eu l’occasion de les revoir ensuite avec leurs enfants ou petits-enfants. Pour Laëtitia Scherier, c’est précisément ce qui rend ce cycle important : permettre à des œuvres d’Hayao Miyazaki ou d’Isao Takahata d’être vues ou revues sur grand écran. Une manière de faire dialoguer les souvenirs d’enfance, la transmission familiale et la puissance intacte du cinéma d’animation japonais.

>> Plus d’informations ici : blois-les-lobis.cap-cine.fr

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Le deuil et la mémoire au cœur du cinéma japonais

Parmi les sorties de la semaine, Mon grand frère et moi de Ryota Nakano s’inscrit dans une continuité thématique déjà bien identifiée dans son œuvre. Cinquième long métrage du cinéaste, mais seulement le deuxième à sortir en France, le film confirme les difficultés persistantes de diffusion du cinéma étranger, même lorsque les réalisateurs bénéficient d’une reconnaissance dans leur pays d’origine, observe Laëtitia Scherier, directrice du cinéma Les Lobis. Le précédent film distribué en France, La famille Asada, avait pourtant rencontré un succès notable en 2023, dépassant les 250 000 entrées — un score significatif pour ce type de production.

Adapté d’un essai autobiographique, Mon grand frère et moi poursuit une exploration des liens familiaux, avec une attention particulière portée aux transmissions invisibles et au travail du deuil. Le récit suit une écrivaine confrontée à la disparition de son frère, dont elle tente de reconstruire la mémoire à travers des souvenirs fragmentés.

Le film repose sur un jeu constant entre présent et passé, structuré par des flashbacks qui redessinent progressivement la figure d’un frère à la fois excentrique et insaisissable. À mesure que le récit avance, la perception du personnage évolue, entre marginalité assumée et possible fragilité psychique. Ryota Nakano aime introduire des moments inattendus — parfois proches du décalage, voire d’une légère étrangeté — au sein d’un sujet profondément mélancolique. Une manière de déplacer le regard sur le deuil, en évitant toute frontalité excessive.

Un autre Ouest américain

Changement radical de décor avec The New West, premier long métrage de Kate Beecroft, récompensé par le prix du public au Sundance Film Festival. Le film se situe à la frontière de la fiction et du documentaire. Son origine même — une immersion de trois ans au sein d’un ranch du Dakota du Sud — en conditionne la forme. En mêlant acteurs professionnels et habitants réels, Kate Beecroft construit un récit au plus près des corps et des gestes.

Au centre du film, une femme, Tabatha, qui dirige une communauté accueillant des adolescents en rupture. Jeunes en échec scolaire, marqués par des parcours familiaux fragiles, ils trouvent dans ce cadre une forme de reconstruction. Le film propose ainsi une relecture du mythe de l’Ouest américain. Ici, pas de conquête, pas de figures viriles héroïsées. L’espace devient celui d’une Amérique marginale, féminine, où la survie repose sur l’entraide et la transmission.

Visuellement, le film s’ancre dans une matérialité très forte : paysages ouverts, poussière, présence animale. Une approche presque ethnographique, qui donne au film une densité particulière, d’autant plus remarquable pour un premier long métrage.

Cannes en ligne de mire

La programmation s’ouvre également sur le Festival de Cannes avec une avant-première marquante : La Vénus électrique de Pierre Salvadori, proposé le mardi 12 à 20h30, simultanément à sa projection officielle.

Le film prend place dans le Paris des années 1920 et suit un peintre en deuil, persuadé de communiquer avec sa femme disparue grâce à une fausse voyante. À partir de ce point de départ, le récit s’organise autour d’un mensonge qui devient progressivement moteur dramatique.

Porté par un trio d’acteurs — Pio Marmaï, Anaïs Demoustier et Gilles Lellouche — le film joue sur les quiproquos et les situations absurdes, dans un rythme soutenu.

Entre comédie romantique et mécanique narrative plus complexe, le film revendique une forme de légèreté maîtrisée, sans renoncer à des enjeux émotionnels plus profonds. Une proposition qui s’inscrit dans la continuité du cinéma de Pierre Salvadori, tout en retrouvant une énergie plus frontale.

Regards contemporains et tensions du réel

Du côté de Ciné’fil, la semaine propose Collapse (face à Gaza) de Anna Teven, documentaire tourné sur plus de deux ans dans la bande de Gaza, entre 2023 et 2025.

Le film s’inscrit dans une temporalité immédiate, marquée par les événements récents, et documente les effets concrets de la guerre sur les territoires et les populations. Une séance présentée est prévue lundi à 20h45.

Enfin, la semaine se prolonge déjà vers les sorties à venir, largement influencées par Cannes. Sont annoncés : Histoire parallèle de Asghar Farhadi, tourné en France avec un casting international ; L’Être aimé de Rodrigo Sorogoyen ; Autofiction de Pedro Almodóvar, attendu en avant-première le 19 mai. Autant de films qui sortiront au rythme de leur présentation officielle.

La programmation se complète avec une séance de Conversation secrète de Francis Ford Coppola, Palme d’or 1974, proposée en version restaurée avec l’association La Prochaine Séance.

Côté ancrage local, la permanence du Salon qui bouge revient le vendredi 15 mai, accompagnée de la tatoueuse Serial X Graphic.

Enfin, pour être complet, L’Abandon, film consacré à l’assassinat de Samuel Paty, sera intégré à la programmation des Lobis la semaine suivante après une première exploitation au Cap’Ciné. Un film à la forme classique, mais dont la portée et le traitement ont été jugés respectueux et nécessaires.

Pour en savoir plus : blois-les-lobis.cap-cine.fr

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