Mais le cœur battant de la semaine se situe ailleurs, dans ce que Laëtitia Scherier désigne sans hésiter comme l’un de ses grands chocs cannois. The Mastermind, neuvième long métrage de Kelly Reichardt, s’impose pour elle comme un moment de cinéma rare. « C’était vraiment un de mes gros coups de cœur », affirme-t-elle. Une attente de longue date aussi : la réalisatrice américaine, figure désormais incontournable du cinéma indépendant, est une habituée des Lobis. Tous ses films y ont été programmés, du plus récent Showing Up à Certaines Femmes, La Dernière Piste ou encore First Cow.

Avec The Mastermind, Kelly Reichardt change pourtant de terrain. Pour la première fois, elle place au centre de son récit un personnage masculin d’une trentaine d’années. « Je l’attendais un peu au tournant », confie Laëtitia Scherier. Le film se déploie dans l’Amérique des années 1970, sur fond de guerre du Vietnam et de discours politiques, mais son protagoniste semble étrangement détaché du monde. Installé dans une banlieue pavillonnaire du Massachusetts, marié, père de deux enfants, issu d’un milieu bourgeois avec un père juge respecté, il apparaît comme un corps étranger à sa propre vie. « Il a l’air de s’ennuyer profondément », résume la directrice.

Ce désœuvrement trouve un exutoire inattendu lors d’une visite de musée. Le personnage découvre « l’exaltation du vol », le vertige de la transgression. Le scénario joue alors de correspondances symboliques : le père incarne la loi, le fils choisit de la briser. Mais Reichardt détourne radicalement les codes du film de braquage. « Elle commence vraiment par le casse », explique Laëtitia Scherier, « qui n’occupe que le premier quart du film ». Le véritable sujet se situe ailleurs : dans les conséquences morales, sociales et intimes de l’acte, dans la cavale, dans la crise existentielle.

Ce déplacement est renforcé par une mise en scène d’une précision extrême. La réalisatrice raconte toujours « deux histoires », insiste-t-elle : celle du scénario, et celle, plus souterraine, que fabrique le montage. Le recours au surcadrage, aux lignes des murs, aux cadres des tableaux, isole le personnage au sein même de l’image. « Ça fonctionne extrêmement bien », observe Laëtitia Scherier, qui souligne combien cette construction crée de l’empathie pour un personnage pourtant potentiellement antipathique. Le film n’hésite pas non plus à glisser vers un burlesque discret : certaines séquences deviennent presque cartoonesques, la musique jazz instille une ironie douce, et la réalisatrice « se moque parfois clairement de son personnage ».

La programmation de la semaine n’oublie pas les plus jeunes. Les Toutes Petites Créatures 2 de Lucy Izzard s’adresse aux enfants dès trois ans. Douze courts récits en stop-motion, mettant en scène cinq petites figures en pâte à modeler, prolongent l’univers du premier volet. « Les récits traitent de belles valeurs », précise la directrice : apprentissage, tolérance, empathie, solidarité. Un cinéma de transmission, pensé à hauteur d’enfant, issu du travail du studio d’animation Aardman, mondialement reconnu.

La semaine marque également la poursuite du festival Les Mycéliades (voir ici), consacré aux imaginaires de science-fiction. Deux soirées « double dose » structurent la programmation : une thématique « effondrement » avec La Nuée et Take Shelter, ponctuée d’un quiz, puis une exploration ferroviaire avec Snowpiercer et Dernier train pour Busan, accompagnée d’un blind test autour des musiques de films de science-fiction. Le festival se conclut par Soleil vert, choix assumé : « une valeur sûre », destinée aussi aux spectateurs les plus fidèles.

Au fil de la première semaine, la directrice a observé l’un des effets recherchés du festival : attirer de nouveaux visages. « On a eu pas mal de spectateurs qu’on ne connaissait pas », souvent plus jeunes, mais pas exclusivement. La programmation atteint ainsi son objectif : faire circuler les publics, ouvrir les portes, rappeler que le cinéma d’art et d’essai est ouvert à toutes et tous.

Mais la semaine réserve un autre moment fort, né d’un heureux imprévu. Alors que la programmation était déjà arrêtée, le distributeur de Victor comme tout le monde contacte les Lobis : Fabrice Luchini souhaite faire une halte à Blois. « Évidemment, on ne dit pas non à Luchini ! », sourit Laëtitia Scherier. L’acteur viendra présenter le film de Pascal Bonitzer, écrit à partir d’un scénario initial de Sophie Fillières.

Le film suit Robert Zucchini, comédien passionné par Victor Hugo, qui lit chaque soir ses textes sur scène pour les faire vivre. L’intrigue se double d’un récit intime : une relation père-fille à reconstruire après la mort de la mère. Bonitzer tisse un jeu de miroirs entre le personnage et Hugo lui-même, entre la légende littéraire et l’homme.

Fabrice Luchini y est décrit comme « totalement dans son élément » : brillant, virtuose de la langue, mais profondément maladroit dans la sphère intime. « Il y a toujours ce personnage extrêmement assuré sur scène, et dans sa vie personnelle un homme perdu », résume-t-elle. La prévente confirme l’attente, la moitié des places pour cette avant-première – dimanche à 15 heures – sont déjà réservées.

Horaires, informations et réservations : blois-les-lobis.cap-cine.fr

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Première sortie, Dossier 137, de Dominik Moll, qui fut le film d’ouverture des Rendez-vous de l’Histoire à Blois. « Le film raconte l’histoire d’un jeune homme gravement blessé par un tir de flash-ball pendant les manifestations des Gilets jaunes. Léa Drucker y incarne une enquêtrice de l’IGPN. Le sujet est fort. »

Mais son coup de cœur de la semaine va à Eleanor the Great, premier long métrage de Scarlett Johansson en tant que réalisatrice. « C’est un petit bijou », dit-elle, sans hésitation. Une comédie de réalité profondément tendre, révélée à Cannes dans la sélection Un Certain Regard. Le film suit une femme de 94 ans, incarnée par June Squibb, qui quitte une maison de retraite en Floride après la mort de sa meilleure amie, et s’installe à New York pour tenter de rompre sa solitude. « Comme elle ne connaît personne et qu’elle est complètement désorientée, elle va rejoindre un groupe de parole », explique Laëtitia. « Elle va s’enliser dans un mensonge, en racontant une vie qui n’est pas la sienne : elle raconte la vie de sa meilleure amie, ce qui fait partie de son processus de deuil. Mais c’est un mensonge qui va partir extrêmement loin, dans lequel elle va être complètement embourbée. »

Ce geste minuscule — raconter la vie d’une autre — devient l’axe fragile autour duquel tout bouge. « Tout le film, c’est le regard très tendre que la réalisatrice porte sur ce personnage, qui représente un peu la grand-mère qu’on rêverait d’avoir. Elle a un bon fond, et c’est juste un mensonge qui, au départ, ne lui semblait pas important, mais qui va la dépasser. »

Les thèmes se serrent autour de la vulnérabilité humaine : le deuil, la construction de la mémoire, le poids de l’absence. La mémoire qui se fabrique en prenant la voix d’une autre. La trace de l’Histoire dans les corps : la vie racontée n’est pas la sienne, c’est celle d’une femme qui a connu les camps de concentration, glissée dans un récit qui devient refuge, protection, piège. S’y ajoute la question de l’invisibilité du grand âge. « Elle incarne une figure quasiment absente de l’imaginaire cinématographique. Après 40 ans, les rôles principaux pour les femmes deviennent extrêmement rares. »

Pourtant, rien n’alourdit le film. Il respire, doucement, au rythme de cette femme âgée qui marche lentement dans la ville. Scarlett Johansson choisit le contraire du spectaculaire. « C’est un cinéma très intime, avec des plans resserrés, une caméra très proche des personnages, qui observe les visages changer au gré des émotions, avec un montage qui prend son temps. Il y a vraiment des moments suspendus dans le film, des pauses contemplatives. » Laëtitia Scherier avoue sans détour : « J’avais pas mal d’appréhension », devant le passage derrière la caméra d’une actrice aussi connue pour des blockbusters que pour des films d’auteur. Mais elle sourit. « Là, clairement, ça lance une carrière pleine de promesses. » Le film a reçu le Prix du public au Festival de Deauville.

Puis vient l’autre respiration de la semaine : BD BOUM, le festival qui transforme Blois en capitale vivante de la bande dessinée.

On y verra, entre autres, vendredi soir, une « Double Dose » Monstres réunit Frankenstein de James Whale (1932) et La Mouche de David Cronenberg. Les films seront présentés par Stan Manoukian, illustrateur, dessinateur et auteur de bande dessinée, qui publie justement une nouvelle adaptation de Frankenstein aux éditions Gallimard. « C’était l’occasion parfaite », dit Laëtitia Scherier. Et elle ajoute, avec un éclat net : « Je saute sur toutes les occasions de reprogrammer un film de David Cronenberg, parce que je suis une très, très grande fan. »

Le lendemain (samedi à 16h15 – entrée libre), Jordan, l’itinéraire d’un pionnier, de Marc Azema, raconte le parcours de Jordan Mechner, créateur du jeu culte Prince of Persia, devenu auteur de bande dessinée et cinéaste. Le film mêle prise de vue réelle, archives numériques, animation graphique, pages de bande dessinée. « C’est un film hyper protéiforme, à l’image de sa carrière », dit-elle. La séance sera suivie d’un débat, en présence du réalisateur, de Jordan Mechner lui-même, installé depuis plus de dix ans dans le sud de la France, et de Sylvain Gache, auteur d’une exposition consacrée à Ripley, la BD où Jordan Mechner raconte l’histoire de sa famille traversée par l’exil.

Toujours samedi à 16h15 (mais aussi dimanche à 11h), moment de douceur graphique avec Les plus belles histoires de Quentin Blake : Jack et Nancy, présenté par Didier Pasamonik d’ActuaBD. Un programme pour entrer dans cet univers d’enfance, de traits fins, de tons pastels, où « les histoires parlent surtout de la liberté et du pouvoir de l’imagination ».

>> Informations et horaires : blois-les-lobis.cap-cine.fr

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Face à cette situation décrite comme un « supplice de Tantale », où la loi existe mais n’est pas appliquée, les artistes envisagent de prendre des mesures plus radicales, similaires à celles entreprises par leurs homologues à Hollywood. L’année précédente, les acteurs américains avaient recours à une grève significative pour revendiquer des rémunérations plus justes. Les artistes français ne semblent pas exclure la possibilité d’une grève pour faire pression sur les plateformes et le législateur afin d’ajuster le système actuel qui, selon eux, ne rémunère pas équitablement les créateurs selon le succès réel de leurs œuvres.

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Quentin Dupieux, connu pour son style unique et son approche non conventionnelle du cinéma, continue d’explorer l’absurde à travers ce nouveau film. « Le Deuxième Acte » aborde le thème du travail de comédien, thème déjà central dans d’autres œuvres de Dupieux comme « Yannick » et « Rubber ». Le film réunit un casting de haute volée avec des nouveaux venus dans l’univers de Dupieux, tels que Léa Seydoux, Vincent Lindon, et Louis Garrel, ainsi que le premier rôle de « Yannick » : Raphaël Quenard.

L’intrigue se concentre sur Florence, qui désire présenter David, l’homme qu’elle aime, à son père Guillaume. Cependant, David ne partage pas ses sentiments et envisage de la rediriger vers un autre homme, Willy, ce qui conduit à une rencontre inattendue et comique dans un restaurant isolé. Un nouveau biais pour explorer l’absurde et le métathéâtral (jeu dans le jeu), avec un ton unique qui défie les conventions habituelles du cinéma.

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Kaouther Ben Hania a été récompensée pour son film « Les filles d’Olfa ». Ce documentaire nous plonge dans la vie d’Olfa, une mère tunisienne avec quatre filles, confrontée à l’ombre et à la lumière. Lorsque ses deux filles aînées disparaissent mystérieusement, la réalisatrice décide de combler ce vide en mettant en place un dispositif cinématographique hors du commun. Elle fait appel à des actrices professionnelles pour lever le voile sur l’histoire d’Olfa et de ses filles. Ce voyage intime explore des thèmes tels que l’espoir, la rébellion, la violence, la transmission et la sororité, remettant en question les fondements de nos sociétés. Le jury a salué le courage et l’imagination de Kaouther Ben Hania, qui a su repousser les limites de l’écriture documentaire pour explorer les traumatismes transmis de génération en génération.

Quant à Asmae El Moudir, elle a été honorée pour son film « Kadib Abyad » (La Mère de tous les mensonges). À travers sa propre voix, Asmae nous plonge dans un univers de mensonges familiaux, tandis qu’elle se lance dans une quête de vérité. En se balançant entre l’histoire nationale du Maroc et son histoire personnelle, elle met en lumière les émeutes du pain de 1981 et montre comment cet événement est lié à la société marocaine contemporaine. Le documentaire d’Asmae El Moudir offre une réflexion profonde sur l’impact des mensonges sur nos vies et sur l’importance de la vérité. Le jury a salué sa capacité à renouveler les formes de l’écriture documentaire et à affronter le chaos du monde avec audace.

Le jury de L’Œil d’Or, présidé par Kirsten Johnson et composé d’Ovidie, Sophie Faucher, Pedro Pimenta et Jean-Claude Raspiengeas, a souligné le courage et l’imagination des deux réalisatrices, qui ont utilisé le documentaire comme un outil de résistance et un laboratoire des formes les plus libres du cinéma. Elles ont repoussé les limites de l’écriture du réel pour explorer des thèmes universels et essentiels, affirmant ainsi la place du documentaire en tant que genre majeur du cinéma.

Le jury a également tenu à saluer le courage des femmes afghanes du film « Bread and Roses » de Sahra Mani, qui utilisent le téléphone portable comme arme de sensibilisation massive malgré les dangers auxquels elles sont confrontées.

Le prix de L’Œil d’Or, doté de 5000 euros, a été créé en 2015 par la Scam en collaboration avec le Festival de Cannes. Cette année, il a récompensé deux réalisatrices originaires du Maghreb pour leurs quêtes intimes présentées respectivement en compétition et à Un Certain Regard. L’Œil d’Or confirme ainsi sa vocation à mettre en lumière le meilleur du cinéma documentaire et à soutenir les cinéastes audacieux et engagés.

En plus de ces deux documentaires, d’autres films ont également été distingués lors du festival, mettant en évidence la diversité et la richesse du cinéma contemporain. Parmi eux, « La Chimère » de l’Italienne Alice Rohrwacher a remporté le prix des Cinémas Art et Essai, tandis que « Les Feuilles mortes » du Finlandais Aki Kaurismäki a reçu une mention spéciale.

Le Festival de Cannes continue ainsi de jouer un rôle essentiel dans la reconnaissance du talent et de l’innovation cinématographique, offrant une plateforme unique aux réalisateurs du monde entier pour présenter leurs œuvres et pour célébrer la diversité du septième art.

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C’est une véritable déferlante. Lundi, la célèbre influenceuse Léna Mahfouf, mieux connue sous le nom de Lena Situations, a été victime de body shaming après avoir gravi les marches du Palais des Festivals à Cannes, vêtue d’une magnifique robe Vivienne Westwood. Le coupable ? Ses cuisses, qui n’ont apparemment pas répondu aux attentes de certains internautes. Cette situation, loin d’être isolée, prouve que nous sommes encore loin d’avoir éradiqué le culte omniprésent de la minceur et de la beauté idéalisée sur les réseaux sociaux.

La persistance des injonctions de beauté

Bien que les avancées en matière d’inclusion et de positivité corporelle soient indéniables depuis plus de cinq ans, les injonctions, diktats et stéréotypes persistants autour de la beauté et de la diversité des corps restent fortement ancrés dans notre société. Cela est évident lors du Festival de Cannes, où plusieurs personnalités publiques ont été la cible de moqueries, critiques et déferlements de haine concernant leur apparence physique.

La dysmorphophobie en ligne

Cette situation met en lumière la dysmorphophobie (pensée obsédante sur un défaut physique) qui se propage sur les réseaux sociaux. Malgré de nombreuses avancées et le mouvement body positive, le culte de la minceur persiste, alimenté en grande partie par les standards de beauté irréalistes promus sur ces plateformes. Il est troublant de constater que Lena Situations, qui porterait une taille 38, est considérée comme « grosse » par certains internautes, alors que la taille moyenne des femmes en France est bien au-dessus de cette norme, se situant entre 40 et 42 selon l’Institut français du textile et de l’habillement (IFTH).

Des mesures législatives pour une meilleure représentation corporelle

Le Ministre de l’Economie, Bruno Le Maire, a apporté son soutien à Lena Situations via Instagram, en soulignant le rôle dévastateur que peuvent jouer les filtres et les retouches sur l’estime de soi. Il a également évoqué la loi sur l’influence commerciale qui obligera les influenceurs à indiquer si leur publication a été retouchée pour modifier leur silhouette.

Acceptation et célébration de la diversité des corps

Face à cette réalité déconcertante, il est plus important que jamais de réaffirmer la nécessité d’accepter et de célébrer la diversité des corps, de combattre le body shaming et de promouvoir un discours de beauté plus inclusif et respectueux sur les réseaux sociaux.

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