Parmi les propositions, celle de Céléa, avec une peinture qui ne se contente pas d’offrir une image. Elle en propose deux. En pleine lumière, le tableau existe déjà, avec sa composition, ses textures, sa présence propre. Mais dans la pénombre, ou sous lumière noire, une autre œuvre apparaît, révélée par l’usage de pigments phosphorescents. La peinture change alors de régime. Ce qui était contenu, discret ou souterrain en plein jour prend une autre place dans l’obscurité. L’œuvre se prolonge.

Avant la couleur, Céléa travaille la texture. Elle prépare ses toiles par ajouts successifs, en intégrant à la surface des éléments issus aussi bien des médiums picturaux que d’objets ou matériaux de la vie quotidienne. Tissu, gaze, sable, marc de café : ces insertions fabriquent un relief, une trame, une densité qui orientent ensuite la peinture elle-même. Le choix du format carré participe de cette logique. Il agit comme un cadre de contention, une manière de contenir une dynamique intuitive qui pourrait sinon se disperser. À l’intérieur de ce cadre, reviennent aussi des cercles, parfois visibles, parfois discrets, parfois perceptibles seulement dans l’obscurité. Ils traversent les toiles comme une signature.

Chez Élodie Ferré, la nature prend une forme tout autre. Plus retenue, plus minutieuse, plus intérieure aussi. Son travail, à l’aquarelle et à l’encre de Chine, s’organise largement autour de l’arbre, souvent inscrit dans un cercle ou un médaillon. Ainsi, il devient une forme condensée de vie, presque emblématique, où se nouent plusieurs plans de lecture. Ce que l’on voit d’abord, c’est l’extrême finesse du trait, la précision patiente de l’exécution, la maîtrise d’un geste. Cette précision procède d’un apprentissage ancien de la plume, acquis dès l’enfance, avec une pratique exigeante des pleins et des déliés. Mais ce qui donne sa profondeur à l’ensemble, c’est la place occupée par les racines. Un symbolisme puissant. Chez Élodie Ferré, elles comptent presque davantage que l’arbre lui-même. Elles sont le lieu d’une symbolique de l’ancrage, de l’équilibre, de la continuité entre le bas et le haut. Les racines deviennent branches, les branches deviennent racines.

Avec José Bachir, l’exposition se déplace vers une autre forme de trouble.Il est photographe, mais ses œuvres déjouent d’emblée ce que l’on croit attendre de la photographie. Devant elles, une question revient : comment cela peut-il être une photo ? Ce doute appartient pleinement à la démarche. José Bachir ne travaille pas à effacer le réel, mais à le présenter autrement. Sa photographie puise dans la perspective, les surfaces, la géométrie, la matière, les couleurs, pour faire advenir des images qui se tiennent à la lisière de l’abstraction sans jamais cesser d’être issues du monde.

Il y a, dans ses compositions, quelque chose de très architectural. Des lignes franches, des aplats, des rythmes, une recherche de pureté qui organise fortement l’image. La lumière y joue un rôle central, tout comme le bleu, auquel l’artiste parisien rattache aussi l’une des origines de sa pratique. L’un des moments fondateurs de son regard se situe dans les Cyclades, à Amorgos, dans un petit port de pêche où s’est imposée, il y a plus de quinze ans, une manière nouvelle d’observer.

Cette question de regard prend, chez Vegouz, une forme plus directement figurative, mais non moins complexe. Son travail s’articule autour de figures féminines qui s’imposent immédiatement par leur stylisation, leur dépouillement et leur retenue. Ce que l’artiste blésois cherche ici, c’est une forme de féminin. Les figures qu’il construit sont fortes, fragiles, parfois androgynes, tendues vers une présence intérieure plus que vers un affichage. L’évolution de son travail est nettement perceptible. Les premières compositions relevaient davantage de la ligne claire, du noir et blanc, d’un certain minimalisme frontal. Progressivement, la matière s’est épaissie. Le fond s’est enrichi de textures, de passages au couteau, de dégradés, de nuances qui viennent donner au personnage une profondeur nouvelle.

Ses tableaux reposent largement sur l’idée d’une communication non verbale. Le visage y joue un rôle fort, bien sûr, mais il n’est pas seul. Le corps, la posture, la gestuelle, et même le pied, occupent une place importante dans cette recherche. Il y a là l’idée que quelque chose échappe toujours au contrôle, trahit ce que le visage retient, dit autrement. Les personnages de Vegouz se tiennent souvent dans cette tension : ils paraissent maîtrisés, presque fermés, mais quelque chose passe malgré tout, quelque chose affleure, quelque chose traverse la surface lisse de la retenue. Dans la série Vue intérieure, chaque toile semble être comme une nouvelle étape de cette recherche sur le féminin, sur sa force, sa fragilité, sa dimension monumentale parfois, sans jamais perdre la finesse qui en constitue le noyau.

Avec Jean Coutier, la photographie revient, mais sur un autre chemin encore. Photo, tableau, photo-tableau ? Jean Coutier part bien d’un cliché, d’un moment saisi, d’un fragment de réel fixé par l’appareil. Mais il ne s’en contente pas. La photographie n’est pas chez lui un aboutissement. Elle devient une matière première. Ce qui l’intéresse, c’est de partir de la réalité pour conduire vers le rêve. La photo entre dans un processus de déstructuration, de transformation, de déplacement. Elle devient matériau de recomposition.

Exposition — Galerie d’Art Wilson, Blois
📅 Jusqu’au 3 mai 2026
📍 23 avenue du Président Wilson, Blois
🕒 Du jeudi au dimanche, 14h–19h — Entrée libre
♿ Accessible aux personnes à mobilité réduite

L’article En avril, la Galerie d’Art Wilson entre nature profonde, regard et métamorphoses est apparu en premier sur Blois Capitale Agglopolys.

Les artistes exposés

Stéphane Buissart explore à travers ses œuvres les multiples facettes de l’humain. Que ce soit sur bois ou sur papier, son art se concentre sur une déformation prépondérante des formes humaines, offrant ainsi une perspective singulière sur la condition humaine. L’interaction entre les couleurs et les textures occupe une place centrale dans son travail. Buissart joue avec les rapports de couleurs et de matières, créant des compositions visuellement riches et complexes. La couleur noire, qu’il affectionne particulièrement pour les fonds de ses œuvres, confère à ses créations des contrastes saisissants et met en valeur la profondeur de ses sujets.

Pierre Beaufils est un artiste peintre français, portraitiste, poète et musicien. Il utilise une variété de médiums pour ses œuvres, incluant l’huile, l’aquarelle, le pastel, et l’acrylique, explorant des thèmes comme la capture de l’éphémère, l’émotion, et la sensualité à travers le mouvement et l’expression humaine​. Son style, caractérisé par des mouvements énergiques et des couleurs souvent fragiles et délicates, s’exprime dans ses portraits et nus qui dépeignent toute la gamme des émotions humaines.

Enfin, Patrick Bressot est un illustrateur et professeur de dessin. Depuis 1990, il se consacre à l’illustration, collaborant avec divers éditeurs pour des publications principalement jeunesse. Patrick Bressot est particulièrement reconnu pour sa série de bandes dessinées « Les Trois Pirates », créée en collaboration avec Georges Grard. Outre ses œuvres en bande dessinée, Patrick Bressot a aussi exposé ses travaux, notamment des peintures murales, enrichissant ainsi son spectre d’expressions artistiques

Parlons musique maintenant. Résidente à Bracieux, Élisa a adopté la culture portugaise, et particulièrement le fado, grâce à ses racines familiales. Un style musical qu’Élisa souhaite activement promouvoir auprès des jeunes générations en France, qu’elles soient d’origine portugaise ou non. Elle sera donc en concert à la Galerie d’art Wilson le samedi 25 mai à 19h30 (tarif : 12€).

Le fado est bien plus qu’un genre musical ; c’est l’expression mélodique de l’âme portugaise. Né dans les ruelles de Lisbonne au début du XIXe siècle, ce style musical est profondément enraciné dans les sentiments de mélancolie, de fatalisme et de nostalgie, des émotions souvent décrites par le mot portugais « saudade ». Cette émotion complexe, mélange de tristesse, de manque, d’amour inachevé, ou de rêves inassouvis, est au cœur de chaque performance de fado.

Le fado était à l’origine chanté par des personnes de milieux modestes et était souvent associé aux marins, aux communautés marginalisées et aux quartiers populaires de Lisbonne comme Alfama et Mouraria. Avec le temps, il a transcendé ses humbles débuts pour devenir un symbole national de la culture portugaise, joué et apprécié dans toutes les couches de la société.

Musicalement, le fado se caractérise par des mélodies mélancoliques et des paroles poétiques, accompagnées traditionnellement par la guitare portugaise, un instrument à douze cordes distinctif, ainsi que par la guitare classique. Les performances sont souvent intimes, le chanteur exprimant des histoires de vie poignantes à travers des interprétations chargées d’émotion.

Parmi les figures emblématiques du fado, Amália Rodrigues se distingue comme la reine incontestée, ayant porté ce genre musical sur la scène internationale dans les années 1950 et 1960. Sa voix et ses interprétations passionnées ont fait d’elle un symbole national et une ambassadrice du fado dans le monde. Aujourd’hui, des artistes comme Mariza, Ana Moura, et Camané continuent de faire évoluer le genre en intégrant des influences contemporaines tout en restant fidèles à ses racines traditionnelles. Le fado n’est pas seulement apprécié au Portugal ; il a également été reconnu sur la scène mondiale. En 2011, l’UNESCO a inscrit le fado sur la liste du patrimoine culturel immatériel de l’humanité.

*L’exposition est ouverte à toutes et tous, l’entrée est libre et gratuite, et la galerie est accessible aux personnes à mobilité réduite. Les horaires d’ouverture sont du mercredi au vendredi de 14h à 19h, et le samedi de 10h à 19h. Comme toujours, d’autres artistes de la galerie exposent leurs œuvres dans les alcôves de l’arrière-salle.

L’article Mouvement et fado en mai à la Galerie d’art Wilson est apparu en premier sur Blois Capitale Agglopolys.

« De tous temps, l’arc-en-ciel a suscité un profond sentiment de merveilleux dans le cœur des Hommes. Il n’est donc pas étonnant qu’un grand nombre de contes, de mythes et de légendes décrivent son apparition, voire son origine. Sabrina est fascinée par l’arc-en-ciel et elle déploie ce thème et sa recherche, curieusement, à partir du noir. Le noir, c’est pour elle le commencement. Et ce sont les couleurs qu’elle va faire émerger sur ce noir qui vont s’enchaîner pour faire tenir chaque composition », dévoile Sandra Labaronne.

L’arc-en-ciel est donc décliné sous maintes formes par Sabrina Cerensky. Avec une inspiration multifacette. « Parfois, c’est parce que je l’ai vu dans mon rêve, ou que chez un autre artiste quelque chose m’a interpellé. C’est vrai que pour le labyrinthe, il y a eu une nuit où je l’ai vu en rêve et je me suis dit qu’il fallait que je fasse un labyrinthe. Je ne me suis pas demandé pourquoi, je ne sais pas », confie la peintre.

Charles Leissler nous fait prendre de la hauteur. Il « peint d’abord ses tableaux dans sa tête, pour ensuite passer à l’action sur la toile. Son univers est rempli d’images mentales qu’il accumule dans ses voyages, nous dit Sandra Labaronne. Dans cette exposition il nous invite à faire une escalade aux couleurs. Une vision unique de ce symbole de l’effort et de l’initiation, de la solitude et de l’universalité, mais aussi de l’émerveillement, de la découverte de soi, de la sagesse. »

Des voyages, des montagnes, des couleurs. Du Mont-Blanc au Sultanat d’Oman, Charles Leissler a une proposition originale d’extraction figurative. Particulièrement intense dans son expression de la Pointe Percée, une montagne des Aravis. « J’ai voulu complètement montrer le réchauffement climatique qui peut affecter ces montagnes, c’est pourquoi j’ai voulu mettre beaucoup de couleurs chaudes », confie le peintre.

Quant à Alain Delecroix, il « crée des univers entre surréalisme et symbolisme qui révèlent plein d’interrogations mais nous laissent toujours avec l’intrigue, juge Sandra Labaronne. Parfois nous pouvons deviner le fragment d’une histoire mais nous ne connaîtrons jamais la fin (ni le début !). Personnages réels ou impossibles, animaux, paysages aux couleurs fantastiques… pour Alain c’est une chance de savoir que la création n’a pas de limites et soit capable d’accueillir son imagination débridée !« 

L’intriguant Alain Delecroix invente donc des histoires de personnages parfois fictifs, transformés, dans des milieux un peu étranges. Mais « ce qui m’intéresse avant tout, c’est l’agencement des couleurs, prévient Alain Delecroix. Le sujet est important, mais pour moi, il est essentiel d’organiser tout cela avec un dessin qui évoque quelque chose, tout en faisant en sorte que la couleur reste au premier plan. » Mais effectivement, « j’aime susciter des interrogations chez ceux qui regardent mes œuvres, ajoute le peintre. J’ai entendu des interprétations très variées. Je considère que mon travail est un chemin de l’abstrait vers le concret. Il évoque des idées sans imposer une unique interprétation. Jouer avec les couleurs, créer des nuances qui ressortent et stimulent l’imagination est ce qui me passionne. »

L’exposition « Sacré Trio » II est visible jusqu’au 2 avril, à L’Hôte Bureau, du lundi au vendredi, de 9h30 à 17h30.

L’article Les couleurs en lumière avec le « Sacré Trio » de mars est apparu en premier sur Blois Capitale Agglopolys.