Le décor est planté dans la galerie de la reine, dont les poutres peintes, les ors et les rouges rappellent l’éclat des fêtes d’autrefois. C’est là que trois pièces iconiques issues des collections du Centre Pompidou s’invitent dans la demeure des rois de France. Ici, le mobilier s’impose, dialogue et joue avec l’architecture, jusqu’à donner l’impression que Catherine de Médicis pourrait venir s’asseoir à nouveau, peut-être cette fois sur un fauteuil Clover.

Ron Arad, le roi du mouvement

Né à Tel Aviv en 1951, Ron Arad est présenté comme architecte, designer et sculpteur de l’impossible. Ses créations semblent toujours en mouvement, comme si l’objet refusait de se figer. Son fauteuil Rocker MT3 Chair (2005), dont le nom se prononce à l’anglaise « Empty », incarne cette audace : une chaise à bascule sensuelle, aux lignes polies comme un galet, taillée dans le polyéthylène. À ses côtés, le fauteuil Clover (2007) déploie des formes végétales et fluides, évoquant un trèfle à quatre feuilles.

Dans l’écrin du château royal de Blois, ces sièges deviennent des trônes contemporains. Arad y déploie une recherche formelle exigeante, jouant d’équilibres subtils entre matière plastique, courbes fluides, confort et esthétique. Entre art et assise, il redéfinit dans ce cadre la posture royale.

Gianni Arnaudo, l’esprit facétieux

Face à ce mobilier mouvant, l’humour fait son entrée avec Gianni Arnaudo, né en 1947 à Dronero. Issu du mythique Studio 65, figure pionnière du design radical italien, il a toujours cultivé une pensée libre, entre architecture, enseignement et réflexion sur l’espace. Sa création présentée à Blois, Déjeuner sur l’arbre (2004), se dresse comme une table poétique et stylisée. Elle esquisse une silhouette d’arbre, où la nature et le surréalisme se rejoignent.

Informations pratiques

• Dates : du 27 septembre au 2 novembre 2025.
• Lieu : Château royal de Blois.
• Exposition incluse dans le prix d’entrée du château.
• Programmation complète du festival AR(t]CHIPEL : www.nouvelles-renaissances.com/festival-artchipel

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L’exposition, gratuite et accessible jusqu’au 29 août s’adresse aussi bien aux visiteurs qu’aux agents municipaux, comme l’a rappelé Fabienne Quinet, adjointe à la culture, lors du vernissage. Dans ce lieu administratif, les œuvres deviennent autant d’ouvertures possibles vers l’intérieur, vers ce que chacun transporte en soi.

Une peinture venue de loin

Paule Honoré est née à Beni-Saf, en Algérie. Elle a quitté ce pays à l’âge de cinq ou six ans, mais la mémoire sensorielle demeure. « Cette espèce de turquoise, ce bleu si particulier de la mer… », dit-elle. Ce souvenir persistant, « indélébile », continue de hanter sa rétine et colore, au sens propre, son travail.

Si Paule Honoré réalise aussi des toiles figuratives, avec arbres ou paysages, c’est par l’abstraction qu’elle est entrée dans la peinture. « Je ne pouvais pas imaginer peindre des choses figuratives. Ça ne sortait pas. » Ce refus instinctif trouve peut-être sa source dans une visite fondatrice au Centre Pompidou en 1977. Elle était alors en classe de troisième. « Le centre venait d’ouvrir. Ce que j’y ai vu m’a bouleversée. J’ai découvert qu’on pouvait s’exprimer librement, totalement. Ça a tourné dans ma tête longtemps, puis c’est ressorti plus tard. »

Parmi ses influences, Nicolas de Staël occupe une place déterminante. « Je connaissais son travail dans les livres, mais la première fois que j’ai vu ses œuvres en vrai, c’était au Centre Pompidou, au début des années 2000. J’ai été bouleversée. » De là, elle s’oriente vers l’expressionnisme abstrait américain : Jackson Pollock, Joan Mitchell, Franz Kline. « Ce mouvement était vraiment extraordinaire. Une source d’inspiration majeure. »

Choix d’exposition

C’est Paule Honoré elle-même qui a choisi de présenter cette partie précise de son œuvre à l’Hôtel de Ville. « Celle où je me sens le plus libre. » Mais cette liberté est exigeante. « L’abstrait, je trouve ça très difficile. Ce n’est pas une question de technique. Il faut que ça tienne. Une toile abstraite ne peut pas se contenter d’un effet. Il ne suffit pas de faire des coulures, des aplats de couleur, de racler… Il faut que ça fonctionne, qu’il y ait une tenue. »

Le processus est lent, itératif. Elle parle de « superpositions de couches ». Chaque toile est le fruit d’un long travail de décantation, de reprises, d’effacements. « J’y reviens, je recouvre certaines parties, je vois comment ça évolue. Parfois ça ne va pas, alors je reprends. » Ce cheminement dans la matière, ce va-et-vient entre intuition et exigence, participe de l’émotion qui se dégage de ses œuvres.

Des toiles intemporelles

Les œuvres présentées dans Vies silencieuses couvrent plusieurs années. L’une d’entre elles date de 2010. Elle n’avait jamais été montrée. « Finalement, je la découvre en même temps que vous. » Mais l’artiste rejette toute lecture chronologique. « Le monde intérieur que je porte en moi est intemporel. Il est né avec moi, il mourra avec moi, mais il n’est pas inscrit dans le temps. C’est un fil. »

Des blocs et des silences

Un motif revient régulièrement dans ses toiles : un bloc, une forme posée, structurante. « Quelque chose qui pose le tableau, qui l’ancre. » Certains y voient une porte. Elle y voit plutôt un point d’équilibre, parfois une stèle, mais elle refuse toute interprétation symbolique trop arrêtée. « C’est difficile de parler de ça. Je sais seulement que ça représente des émotions. Des sensations. Des vibrations. » Ses toiles parlent de la vie, de sa fragilité, mais aussi de son immanence.

La couleur joue ici un rôle essentiel. Elle ne vient jamais seule. Elle est mémoire, sensation, attachement. Elle surgit, comme un souvenir ou une mer intérieure. Et toujours, elle affirme cette phrase essentielle que Paule Honoré confiait lors du vernissage : « La peinture est le seul langage à ma disposition pour exprimer ce que je ressens de la beauté et de l’étrangeté du monde. »

Informations pratiques

Exposition « Vies silencieuses » – Paule Honoré
📍 Hôtel de Ville de Blois, 9 place Saint-Louis
📅 Du 1er juillet au 29 août 2025
🕘 Du lundi au vendredi, de 9 h à 17 h (hors jours fériés)
🎟️ Entrée libre – Tout public – Sans réservation

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Benjamin Vautier, de son vrai nom, était un artiste niçois d’origine suisse qui a marqué le monde par ses œuvres audacieuses et réflexives. Célèbre pour ses aphorismes écrits en lettres rondes blanches sur fond noir, il a été un pionnier de l’art conceptuel et un membre actif du mouvement Fluxus, aux côtés de figures comme Yoko Ono.

Son œuvre, souvent considérée comme une critique cinglante et humoristique de la société moderne, oscille entre l’art et la philosophie. Par ses mots simples et puissants, il a su toucher un large public, transcendant les barrières traditionnelles de l’art. « Il faut manger. Il faut dormir. », sa première peinture de mots créée en 1953, encapsule la simplicité et la profondeur de sa démarche artistique.

Ben n’était pas seulement un artiste ; il était un penseur qui a utilisé le langage comme principal outil d’expression. Son engagement envers l’art le mena à signer tout ce qu’il pouvait, prônant l’idée que « tout est art ». Cette approche a souvent été perçue comme provocatrice, mais elle a toujours été soutenue par une démarche intellectuelle rigoureuse.

Exposé dans des institutions prestigieuses telles que le MoMA à New York et le Centre Pompidou à Paris, l’œuvre de Ben a également influencé le marketing artistique. À partir des années 1980, ses écritures ont été apposées sur une multitude de produits dérivés, des t-shirts aux trousses d’écolier, ce qui a élargi son impact au-delà des galeries et des musées. La Ministre de la Culture, Rachida Dati, a rendu hommage à Ben, le qualifiant d’ « orfèvre du langage. »

Ben a joué un rôle central dans la création de la Fondation du doute à Blois, un lieu dédié à l’art contemporain et particulièrement au mouvement Fluxus, dont il est l’un des représentants les plus éminents. La fondation n’est ni un musée traditionnel ni un centre d’art classique mais se veut un espace vivant de questionnement et de remise en question des frontières de l’art. Ben a rassemblé environ 300 œuvres et documents pour promouvoir l’esprit de Fluxus, en collaboration avec Gino Di Maggio et d’autres artistes. Cette fondation est conçue pour être un lieu de libre expression et d’interaction, stimulant la réflexion sur l’art et la vie.

Ben a également créé des œuvres spécifiques pour la fondation, dont le « Mur des mots » inauguré en 1995. Ce mur est une commande publique de la Ville de Blois et du Ministère de la Culture et de la Communication, composé de 313 plaques émaillées portant des écritures de Ben. Ces tableaux sont des réflexions sur la vie, l’art, l’amour, et d’autres sujets, et sont conçus pour provoquer le questionnement chez le visiteur​. La Cour du doute, partie intégrante de la fondation, est un lieu où sont régulièrement organisées des expositions, des performances et d’autres formes d’expression artistique. Elle est conçue comme un espace où le doute est non seulement permis mais encouragé, reflétant la philosophie de Ben que « créer c’est douter et douter c’est créer »​.

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Rémi Boinot, artiste polymorphe

Le 45 quai Ulysse Besnard à Blois sera le lieu de convergence pour les amoureux de l’art moderne. Rémi Boinot, aux inspirations diverses, qu’elles soient occidentales, asiatiques ou africaines, vous dévoilera ses œuvres protéiformes qui scrutent notre quotidien en relation avec le politique.

Pauline Toyer et Celsian Langlois : deux univers en symbiose

Découvrez à Cormeray le monde sculptural de Pauline Toyer, mêlant diverses techniques et supports, tout en interrogeant nos modes de consommation. L’atelier sera aussi baigné des ambiances sonores de Celsian Langlois, qui joue avec les perceptions et les émotions. Ces deux artistes engagés offrent également une plateforme à la création artistique en milieu rural.

Aï Kitahara : Architecte du virtuel

Embarquez – à Vallières-les-Grandes – pour un voyage dans l’univers numérique de Aï Kitahara qui, à travers ses installations, étudie les dynamiques des formes simples inspirées de l’architecture et de l’urbanisme.

Élise Beaucousin : dessin et nature en symbiose

Direction Les Montils. Le dessin d’Élise Beaucousin est une ode à la nature, mêlant architecture, géographie et végétation. La minutie et la réflexion derrière chaque œuvre vous offrent une expérience visuelle unique. « La lenteur de la réalisation est un élément constitutif de mes œuvres graphiques, explique l’artiste. Elle me permet de puiser dans un imaginaire et le souvenir de sensations issues de mon expérience de la nature. Mes différentes manières de dessiner, sur le papier, sur le mur, dans l’espace d’exposition, reposent sur l’observation des interactions de la lumière sur des matières, des surfaces, et sur l’illusion de mouvement que cela produit. Mon atelier est situé dans le Loir-et-Cher: travailler en milieu rural, proche de la nature m’est nécessaire. Je développe récemment le dessin in situ à grande échelle. »

Manuel Herreno Mejia : entre alphabets et peinture

Le travail de Manuel, originaire de Colombie, est une invitation à voir l’alphabet sous un autre angle. Sa démarche artistique s’articule autour de la répétition, de la transformation, et de la temporalité : « Le mode opératoire choisi c’est la répétition. Les lettres de l’alphabet, comme groupe de formes reconnaissables, sont le contenu principal de cette peinture. » L’atelier se trouve 10 rue des Cyprès à Chailles.

Zone i : Au cœur de l’Image et de l’Environnement

Zone i offre une plongée multidisciplinaire à Thoré-la-Rochette. Juanan Requena partagera sa passion pour les livres d’artistes et la photographie argentique. Quant aux membres de Tendance Floue, ils vous immergeront dans la Vallée du Loir avec leur installation « La Perspective du Castor ».

Ces artistes vous attendent, sans réservation pour la plupart, prêts à partager leur passion et leur univers. Un événement gratuit qui mérite d’être marqué d’une pierre blanche dans le calendrier culturel du territoire.

>> Toute la programmation d’Ar(t]chipel est sur www.nouvelles-renaissances.com. Pour plus d’informations, n’hésitez pas à consulter les sites web des artistes ou à les contacter directement.

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