Parmi les propositions, celle de Céléa, avec une peinture qui ne se contente pas d’offrir une image. Elle en propose deux. En pleine lumière, le tableau existe déjà, avec sa composition, ses textures, sa présence propre. Mais dans la pénombre, ou sous lumière noire, une autre œuvre apparaît, révélée par l’usage de pigments phosphorescents. La peinture change alors de régime. Ce qui était contenu, discret ou souterrain en plein jour prend une autre place dans l’obscurité. L’œuvre se prolonge.

Avant la couleur, Céléa travaille la texture. Elle prépare ses toiles par ajouts successifs, en intégrant à la surface des éléments issus aussi bien des médiums picturaux que d’objets ou matériaux de la vie quotidienne. Tissu, gaze, sable, marc de café : ces insertions fabriquent un relief, une trame, une densité qui orientent ensuite la peinture elle-même. Le choix du format carré participe de cette logique. Il agit comme un cadre de contention, une manière de contenir une dynamique intuitive qui pourrait sinon se disperser. À l’intérieur de ce cadre, reviennent aussi des cercles, parfois visibles, parfois discrets, parfois perceptibles seulement dans l’obscurité. Ils traversent les toiles comme une signature.

Chez Élodie Ferré, la nature prend une forme tout autre. Plus retenue, plus minutieuse, plus intérieure aussi. Son travail, à l’aquarelle et à l’encre de Chine, s’organise largement autour de l’arbre, souvent inscrit dans un cercle ou un médaillon. Ainsi, il devient une forme condensée de vie, presque emblématique, où se nouent plusieurs plans de lecture. Ce que l’on voit d’abord, c’est l’extrême finesse du trait, la précision patiente de l’exécution, la maîtrise d’un geste. Cette précision procède d’un apprentissage ancien de la plume, acquis dès l’enfance, avec une pratique exigeante des pleins et des déliés. Mais ce qui donne sa profondeur à l’ensemble, c’est la place occupée par les racines. Un symbolisme puissant. Chez Élodie Ferré, elles comptent presque davantage que l’arbre lui-même. Elles sont le lieu d’une symbolique de l’ancrage, de l’équilibre, de la continuité entre le bas et le haut. Les racines deviennent branches, les branches deviennent racines.

Avec José Bachir, l’exposition se déplace vers une autre forme de trouble.Il est photographe, mais ses œuvres déjouent d’emblée ce que l’on croit attendre de la photographie. Devant elles, une question revient : comment cela peut-il être une photo ? Ce doute appartient pleinement à la démarche. José Bachir ne travaille pas à effacer le réel, mais à le présenter autrement. Sa photographie puise dans la perspective, les surfaces, la géométrie, la matière, les couleurs, pour faire advenir des images qui se tiennent à la lisière de l’abstraction sans jamais cesser d’être issues du monde.

Il y a, dans ses compositions, quelque chose de très architectural. Des lignes franches, des aplats, des rythmes, une recherche de pureté qui organise fortement l’image. La lumière y joue un rôle central, tout comme le bleu, auquel l’artiste parisien rattache aussi l’une des origines de sa pratique. L’un des moments fondateurs de son regard se situe dans les Cyclades, à Amorgos, dans un petit port de pêche où s’est imposée, il y a plus de quinze ans, une manière nouvelle d’observer.

Cette question de regard prend, chez Vegouz, une forme plus directement figurative, mais non moins complexe. Son travail s’articule autour de figures féminines qui s’imposent immédiatement par leur stylisation, leur dépouillement et leur retenue. Ce que l’artiste blésois cherche ici, c’est une forme de féminin. Les figures qu’il construit sont fortes, fragiles, parfois androgynes, tendues vers une présence intérieure plus que vers un affichage. L’évolution de son travail est nettement perceptible. Les premières compositions relevaient davantage de la ligne claire, du noir et blanc, d’un certain minimalisme frontal. Progressivement, la matière s’est épaissie. Le fond s’est enrichi de textures, de passages au couteau, de dégradés, de nuances qui viennent donner au personnage une profondeur nouvelle.

Ses tableaux reposent largement sur l’idée d’une communication non verbale. Le visage y joue un rôle fort, bien sûr, mais il n’est pas seul. Le corps, la posture, la gestuelle, et même le pied, occupent une place importante dans cette recherche. Il y a là l’idée que quelque chose échappe toujours au contrôle, trahit ce que le visage retient, dit autrement. Les personnages de Vegouz se tiennent souvent dans cette tension : ils paraissent maîtrisés, presque fermés, mais quelque chose passe malgré tout, quelque chose affleure, quelque chose traverse la surface lisse de la retenue. Dans la série Vue intérieure, chaque toile semble être comme une nouvelle étape de cette recherche sur le féminin, sur sa force, sa fragilité, sa dimension monumentale parfois, sans jamais perdre la finesse qui en constitue le noyau.

Avec Jean Coutier, la photographie revient, mais sur un autre chemin encore. Photo, tableau, photo-tableau ? Jean Coutier part bien d’un cliché, d’un moment saisi, d’un fragment de réel fixé par l’appareil. Mais il ne s’en contente pas. La photographie n’est pas chez lui un aboutissement. Elle devient une matière première. Ce qui l’intéresse, c’est de partir de la réalité pour conduire vers le rêve. La photo entre dans un processus de déstructuration, de transformation, de déplacement. Elle devient matériau de recomposition.

Exposition — Galerie d’Art Wilson, Blois
📅 Jusqu’au 3 mai 2026
📍 23 avenue du Président Wilson, Blois
🕒 Du jeudi au dimanche, 14h–19h — Entrée libre
♿ Accessible aux personnes à mobilité réduite

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L’exposition sera accessible gratuitement au public du mercredi au vendredi de 14h à 19h et le samedi de 10h à 19h. Le vernissage de l’exposition aura lieu le jeudi 6 mars à partir de 18h, un moment convivial dédié à la rencontre entre artistes et public.

Une programmation culturelle variée

En complément de l’exposition, plusieurs événements ponctueront le mois de mars à la Galerie Wilson :

Théâtre et poésie

Samedi 1er mars à 19h30 : La revue littéraire BRÈCHES présente « JE TE BRÈCHES », une performance scénique originale présentée ainsi : « Un joyeux collage de poèmes choisis, le tout lancé sans filet dans l’aventure sur un espace de 4X3 mètres propice à tous les mouvements et désordres. Les poèmes seront déclamés, musicalisés, fredonnés, attaqués en paroles et rythmés en écarts de notes, en intervalles mélodiques ou harmoniques, radieux ou anéantis, ils seront portés à bout de langue maternelle et puis traduits instantanément en mots nouveaux, en langue étrangère, en phénomènes acoustiques et ludiques ».
Entrée : 12 €. Réservation conseillée.

Lecture musicale : hommage à Colette

Samedi 8 mars à 19h30 : Pour la Journée internationale des droits des femmes, la Galerie Wilson accueillera une lecture musicale de BRÈCHES, intitulée « COLETTE ». Suzanne Robert prêtera sa voix aux textes de l’autrice célèbre, accompagnée au piano par Françoise Robert. Un moment de littérature et de musique pour mettre en lumière l’héritage de Colette et sa place dans la littérature française. Entrée : 12 €. Réservation conseillée.

Concert de clôture : chanson française piano-voix

Samedi 29 mars à 19h30 : Le mois de la femme s’achèvera avec un concert de Pierre Antoine, auteur-compositeur interprète, accompagné à l’accordéon par Fabien Jourdon. Un répertoire de chanson française qui mêlera compositions personnelles et morceaux emblématiques. Entrée : 12 €. Réservation conseillée.

Informations pratiques

• Adresse : Galerie d’Art Wilson, 23 avenue du Président Wilson, 41000 Blois-Vienne.
• Horaires d’ouverture : mercredi au vendredi de 14h à 19h, samedi de 10h à 19h.
• Contacts et réservations : via le site officiel de la galerie galeriewilson.com

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Daniel Caspar et la verticalité comme structure picturale

Peintre abstrait depuis cinquante ans, Daniel Caspar présente une série de toiles où la verticalité s’impose comme un élément structurant. « L’abstraction, je n’y crois pas, » confie-t-il en préambule, avant d’expliquer son rapport à cette recherche picturale. « Un peintre est face à une toile, un espace. C’est le corps qui est en relation avec cet espace vide qu’il faut habiter. Donc, la symétrie corporelle joue un grand rôle. De là vient cette recherche d’équilibre. » L’artiste revendique une approche où le geste initial est essentiel : « Le premier acte est le plus fou, si l’on peut dire. C’est un geste rapide, avec des traces tachistes, des surprises, des accidents. Après, tout le reste suit : contraste, harmonie, équilibre. » Une dynamique du corps qui rapproche son travail d’une forme d’expérience physique, presque sportive.

Serge Guarnieri : l’énergie de la fusion dans la sculpture

Serge Guarnieri expose Galerie Wilson ses sculptures réalisées en fer à béton fusionné, un matériau qu’il façonne en alliant dessin et maîtrise du feu. « Tout part du dessin. Chaque trait du dessin est repris par une tige de fer à béton. Ensuite, tout est fusionné, donc ça devient une matière brute. Puis viennent différentes phases de meulage, jusqu’à un poli extrême », explique-t-il sur son processus.

L’énergie qui traverse son travail est nourrie par une interrogation sur l’origine de la vie et son organisation. « C’est pour cela que l’on retrouve un côté cosmique — puisque l’on dit que la vie vient du cosmos — mais aussi aquatique, car elle a besoin d’eau. La vie, c’est aussi du mouvement, et cela se traduit dans mon travail par un contraste entre cette matière brute, polie et transparente, toujours en quête d’équilibre et de légèreté. »

L’artiste insuffle également à son œuvre des ruptures visuelles en intégrant des éléments tels que la feuille d’or, le cristal ou la fusion cuivre-laiton. Le feu joue aussi un rôle primordial, notamment à travers la présence de couleurs marquées. « Souvent, on retrouve du rouge, de l’orangé, que je contraste avec du noir pour le faire ressortir. Cela évoque un côté volcanique. J’aime aussi mêler les éléments minéral, végétal et animal. » Son travail se nourrit ainsi des forces telluriques, tout en oscillant entre microcosme et macrocosme.

Parmi ses œuvres figuratives, Actini s’impose comme une pièce majeure, déjà par sa taille. « Elle appartient à la famille des actiniaria. Je me suis inspiré des anémones de mer, de leur mouvement. Pendant longtemps, on a cru qu’au fin fond des abysses, dans l’obscurité totale, la vie n’existait pas. Mais en réalité, ça fourmille d’organismes. Il y a un lien évident entre ce monde sous-marin et le cosmos. »

Diego : du palimpseste urbain à la peinture

Diego, lui, explore une approche singulière où la photographie et la peinture s’entrelacent dans une recherche sur la mémoire des surfaces. Son travail s’inspire du concept de palimpseste, cette technique médiévale qui consistait à réécrire sur des parchemins grattés. « J’ai retrouvé cette logique dans certains quartiers populaires du sud de l’Europe, où l’on communique sur les murs : les affiches sont arrachées, remplacées, et ainsi de suite. »

L’artiste capte ces transformations urbaines et les immortalise par la photographie avant qu’elles ne disparaissent. « En me baladant dans ces rues, j’ai repéré des détails graphiques qui, noyés dans la masse, passent inaperçus. Et pourtant, ils possèdent une force visuelle, une richesse née du hasard, sans intention artistique. » La transition vers la peinture lui permet de poursuivre cette recherche à une autre échelle. « Je ne suis pas photographe professionnel, donc j’en rate, surtout dans la restitution des couleurs telles que je les avais perçues. La peinture me permet de les retrouver, de leur donner l’intensité que j’avais en tête. »

L’exposition est visible en accès libre du mercredi au vendredi, de 14h à 19h, et le samedi de 10h à 19h. La Galerie Wilson est accessible aux personnes à mobilité réduite.

>> A SUIVRE : des interviews ici de GB de Zsitvaÿ et Samuel Tasinaje

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L’Urbex, ou Urban Exploration (exploration urbaine), est une pratique qui consiste à explorer des lieux abandonnés, souvent oubliés par le temps et laissés à l’usure de la nature ou de l’homme. De quoi inspirer le photographe qui mène un travail sur la disparition. Il propose donc une série de clichés à la croisée de l’exploration urbaine et d’une approche documentaire fictive, interrogeant la mémoire des lieux et la condition humaine face à la perte.

Des lieux désertés : une ode à l’abandon

A la Galerie d’art Wilson, Anthony Thenaisy présente un premier ensemble de photographies de lieux abandonnés, emblématiques du mouvement urbex. Parmi ces clichés, des images sombres et empreintes de mélancolie immortalisent l’usine Québecor (anciennement Cino del Duca à Blois), aujourd’hui détruite, ainsi qu’une mine à Saint-Étienne et une station-service désertée. De ces lieux, figés dans le temps, le photographe tire l’expression d’une architecture industrielle à l’abandon et une puissance graphique.

« Ce qui m’intéresse, c’est la disparition. Ces lieux désertés racontent des histoires. Ils ne sont plus que des vestiges, mais leur mémoire reste vivante à travers mes images », explique Anthony Thenaisy.

L’humain au cœur de l’oubli

Le second volet de l’exposition explore une dimension plus humaine et fictionnelle. Anthony Thenaisy imagine ces travailleurs privés de leur usine, errant dans des espaces naturels éloignés de leur cadre professionnel. « Je voulais créer un contraste : les placer dans des endroits où l’on n’imaginerait pas qu’une usine ait pu exister, comme des bois ou des terrasses. Ces environnements lumineux et graphiques évitent de sombrer dans le sordide », précise le photographe.

Ces travailleurs, interprétés par des amis de l’artiste, apparaissent perdus, hors contexte. Leur isolement illustre une fracture entre l’humain et son lieu de travail, une situation renforcée par l’abandon des sites industriels.

Un regard esthétique sur l’absence

Ici, le photographe met en dialogue deux types de disparitions : celle des lieux, détruits ou désertés, et celle des hommes, déracinés de leur environnement habituel. Anthony Thenaisy confie que l’idée de disparition traverse l’ensemble de sa démarche artistique. « Depuis que je fais de la photo, je suis attiré par les lieux vides, les paysages où les gens semblent avoir disparu. J’aime aussi cacher des éléments dans mes images, parfois en jouant avec des flous. Cela crée un mystère, une ambiguïté qui me fascine. »

Informations pratiques :

• Lieu : Galerie Wilson, Blois
• Dates : Jusqu’au 30 novembre 2024
• Horaires : Mercredi à vendredi, 14h-19h ; samedi, 10h-19h
• Entrée libre

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L’art inscrit dans le quotidien

Durant une quinzaine les vitrines de 57 commerces de centre-ville sont parées d’œuvres d’art pour offrir une nouvelle lecture des lieux de vie. Ce projet, soutenu par l’Association des Artistes du Loir-et-Cher, s’inscrit dans une volonté de rendre l’art accessible à toutes et tous. En investissant les rues, l’art dialogue directement avec les passant.es, et interroge la place de la ville dans notre imaginaire collectif et dans nos vies contemporaines. Ici, la ville devient à la fois toile de fond et sujet d’inspiration.

L’événement inclut également plusieurs galeries d’art locales, telles que la Galerie Dominique et la Galerie Wilson, qui accueillent une sélection d’œuvres explorant les transformations et contradictions du paysage urbain. À travers ce parcours artistique, Blois met en lumière le rôle de la ville en tant que concept historique et espace en perpétuelle mutation.

Un regard singulier sur la ville avec Marc-Antoine Beaufils

L’artiste peintre Marc-Antoine Beaufils est à l’honneur à la Galerie Wilson avec une série de tableaux inspirés par un site ferroviaire singulier à Paris. « Il s’agit d’un alentour presque maritime offrant une pensée inédite sur un océan urbain, et découvrant un ciel sans cesse changeant sous lequel un gigantesque faisceau de voies ferrées court en direction de la Gare d’Austerlitz depuis Ivry-sur-Seine, que Paris vient recouvrir lentement au fil des années », explique l’artiste francilien.

« Il y a une impression de chaos urbain, un bruit constant, quelque chose de presque dystopique. Et pourtant, il y a une forme d’esthétique dans tout cela, quelque chose qui attire les gens », ajoute Marc-Antoine Beaufils.

Une collaboration avec les Rendez-vous de l’Histoire

A l’initiative des Vitrines de l’Art, Michel Pillefer, du Fonds de dotation des Rendez–vous de l’histoire, explique comment celle-ci s’est développée : « Il y a une dizaine d’années, j’ai voulu élargir les Rendez-vous de l’Histoire en intégrant l’économie à l’événement. Cela a pris de l’ampleur, avec désormais une cinquantaine de conférences organisées. Mais l’année dernière, des habitants nous ont fait remarquer qu’ils se sentaient un peu déconnectés de l’événement, car tout se déroulait dans certains sites de Blois. Nous avons donc eu l’idée de relier l’art, l’histoire et l’économie, en impliquant les commerçants et en créant une dynamique dans le centre-ville. »

Grâce à cette synergie entre les différents acteurs locaux, Blois devient un véritable espace de dialogue entre le passé et le présent, entre l’histoire et l’art contemporain. Michel Pillefer souligne également l’importance de l’accessibilité : « L’un de nos objectifs était de rapprocher l’art du public, de le rendre accessible. Les Rendez-vous de l’Histoire sont avant tout un moment culturel, et c’est une belle opportunité de faire descendre l’art dans les vitrines. »

Le rôle central des galeries et commerçants locaux

Miguel Lebron, en charge de la Galerie Wilson, qui joue un rôle clé dans cet événement, évoque l’édition 2024: « Le thème de l’année dernière était ‘Les vivants et les morts’, un sujet complexe. Cette année, le thème de la ville est un peu plus abordable et intéressant pour le public. Le principe de notre participation est d’appeler les artistes à candidater à l’automne, puis de les faire exposer soit dans les vitrines, soit dans les galeries, comme la Galerie Wilson ou la Galerie Dominique. En tout, nous avons réuni une centaine d’artistes, y compris des ‘Wilsoniens’. Nous avons mis un peu de temps, mais nous avons réussi à embarquer les commerçants dans l’aventure. Et c’était une réussite, avec le soutien du conseil départemental et de partenaires comme l’INSA. »

Pour exemple, dans le cadre des Vitrines de l’Art 2024 à la Galerie Wilson, la comédienne et photographe Audrey Lange présente une série de quatre clichés intitulée « Sous-Terriens », comme une exploration en noir et blanc des sous-sols de l’Opéra Garnier, un lieu à la fois fascinant et oppressant.

Ses clichés capturent des escaliers figés, des couloirs désertés et des structures datées. Le jeu d’ombre et de lumière révèle la solitude et la mystique de ces lieux cachés. À travers un texte, elle invite à une déambulation imaginaire dans ces espaces méconnus, évoquant le fantôme de l’Opéra ou les catacombes de Paris.

Audrey Lange réinterprète ces lieux en s’inspirant de la ville souterraine décrite par Victor Hugo, en nous faisant ressentir leur histoire. Son travail met en lumière l’architecture invisible sous nos pieds et rappelle que la ville se raconte aussi dans ses entrailles.

Les vernissages à ne pas manquer

Pour marquer l’ouverture de cet événement artistique, trois vernissages. Après la Galerie Wilson :

• Le vendredi 4 octobre 2024 à 18h à la Galerie Dominique, 8 rue du Commerce.
• Le samedi 5 octobre 2024 à 19h à l’INSA de Blois, 3 rue de la Chocolaterie.

Pour celles et ceux qui souhaitent explorer cet événement à leur propre rythme, une carte interactive est mise à disposition.

Voir en plein écran

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Houda Sevilla est une artiste peintre autodidacte qui, après une carrière dans l’informatique, s’est tournée vers l’art. Initialement concentrée sur le réalisme, elle explore l’abstraction par pure inspiration, par intuition. « J’ai commencé par les grands maîtres, dans un parcours académique. Plus tard, l’art abstrait s’est invité sur ma toile, confie Houda Sevilla. Je fais du figuratif aussi, avec une personne que j’ai créée, qui s’appelle « conscience ». Mais l’abstrait, j’adore, c’est ce qui me porte parce que je ne sais jamais ce qui va sortir de l’atelier. Je peux partir sur une couleur par exemple, et rentrer à l’atelier et prendre une toute autre. En fait mes tableaux se lisent comme dans une paréidolie*. Chacun va raconter son histoire, chacun interprète. »

Son process créatif, Houda Sevilla l’a intellectualisé, même si l’acte en tant que tel est d’un autre ordre. « Je pose mon regard sur la toile, et j’y vais. Les gestes viennent, c’est plutôt un développement du cerveau droit (plus visuel et intuitif, ndlr). Alors qu’auparavant, c’était plutôt le côté analytique qui primait avec les toiles de maître, il fallait que chaque détail soit vraiment à sa place. » Et elle poursuit : « Lorsque les formes se sont invitées sur ma toile, j’ai mon côté rationnel qui en a pris un coup, je me suis dit qu’il y avait quand même quelque chose, et donc j’ai développé cela. »

Le déclic, l’artiste l’a connu avec une falaise en 2020. « Oui, je voulais faire une falaise, qui devait être le fond de ma toile, et cela m’a donné des silhouettes non préconçues, c’est à dire dès les premiers gestes. Était-ce dû à un intérêt profond pour l’être humain ? »

Dans le travail de Houda Sevilla, on trouve également une aspiration vers la lumière et de la verticalité. « Il y a une espèce de V aussi, observe l’artiste-peintre. J’ai essayé de fermer, mais je n’ai jamais réussi… » Mais alors, comme cette scientifique explique l’inspiration qu’elle vit dans sa création artistique ? « Je pense que nous sommes dans une société qui fait moins travailler le cœur. Tout est systématiquement dans l’analyse et les détails. Au bout d’un moment quand on met l’analytique de côté, quelque chose se produit, l’inspiration forcément. Il y a quelque chose qui arrive et qui ne se maîtrise pas, qui vient d’un monde qu’on ne connaît pas forcément, ou qu’on n’a pas eu l’occasion encore de connaître. Si vous vous intéressez à la physique quantique vous verrez que tout est énergie, il y a aussi l’intrication… mais d’ailleurs même la physique quantique, on ne la maîtrise pas ! »

Houda Sevilla expose actuellement à la Galerie Wilson, à Blois. Elle ouvre ses portes du mercredi au vendredi de 14h à 19h, et le samedi de 10h à 19h.

*Tendance du cerveau à créer du sens en assimilant des formes aléatoires à des formes qu’il a déjà référencées.

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Cédo.M est un artiste autodidacte qui aime transformer des objets du quotidien en créations artistiques. Il utilise des matériaux recyclés et des techniques diverses pour créer ses œuvres, allant des sculptures aux peintures abstraites. Son style est décrit comme spontané et intuitif, souvent inspiré par des émotions et des rencontres.

Après une formation initiale dans les disciplines classiques du dessin, Philippe Moller a adopté l’abstraction comme une progression naturelle et réfléchie de son art. Inspiré par des penseurs et artistes du début du XXème siècle tels que Braque et Stravinsky, il explore les aspects purement plastiques de la peinture, se concentrant sur la composition, le rythme et les proportions sans imiter directement le monde naturel.

Houda Sevilla est une artiste peintre autodidacte qui, après une carrière dans l’informatique, s’est tournée vers l’art, approfondissant ses connaissances en peinture à Paris et à l’École Supérieure des Arts de Lorraine à Metz. Initialement concentrée sur le réalisme, elle a exploré l’abstraction après avoir été inspirée à sortir de sa zone de confort.

Sculpteur et géologue Jean-Pierre Milesi combine les deux, après avoir été initié à cet art par Claude Bertrand. Il sculpte principalement des roches, choisies pour leurs textures et géométries uniques, ce qui donne naissance à des formes souvent imaginaires et rêvées. Il aime explorer la beauté cachée des pierres, souvent méconnues et peu sculptées, en utilisant des marbres, des roches magmatiques et sédimentaires.

En outre, les trente-sept autres artistes de la galerie Wilson présenteront également leurs œuvres dans les alcôves situées en arrière-salle, de quoi offrir une diversité artistique encore plus grande. L’entrée à l’exposition est libre et gratuite.

La Galerie Wilson ouvre ses portes du mercredi au vendredi de 14h à 19h, et le samedi de 10h à 19h. Les visiteurs auront également la possibilité d’acheter des cartes postales, des livres d’artistes et des œuvres de petits formats à la boutique située à l’entrée de la galerie.

Pour plus d’informations, vous pouvez visiter le site officiel de la Galerie Wilson ici, ainsi que leurs pages Facebook et Instagram.

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Ce dernier a été particulièrement inspiré. « Tout ce qui nous entoure est en mouvement perpétuel, la mer finissant sa course folle sur un rocher, un papillon, un oiseau déployant leurs ailes afin de prendre leur envol vers l’horizon lointain ; ce mouvement me fascine, cette énergie vivifiante source de vie et d’inspiration me transporte vers un monde imaginaire », exprime Patrick Bressot. « Paradoxalement, pour ressentir ces vibrations, j’ai besoin de me poser. Laisser mon esprit voyager en contemplant le ciel… suivre du regard une étoile filante, rêver… puis j’aime prendre mes pinceaux afin de poursuivre cette quête, utiliser l’aquarelle et jouer avec l’eau afin de crayonner et d’immortaliser cet instant. »

Pierre Beaufils, peintre portraitiste, poète, et musicien lors du vernissage, a travaillé sur le thème du mouvement via le Gesture drawing, une technique de dessin rapide qui vise à capturer l’essence et la pose d’un sujet plutôt que les détails précis, et le speed-paint (où l’artiste réalise une œuvre en un temps limité, accentuant la spontanéité, la rapidité d’exécution et l’efficacité des gestes pour capturer l’essence du sujet plutôt que les détails minutieux).

Avec Pierre Beaufils, il y a du mouvement, il y a de la vie, c’est comme si le temps s’arrêtait. Enfin, en contraste, en ce mois de mai à la Galerie d’art Wilson, on trouve les personnages de Stéphane Buissart, qui interpellent. « Inspirés de la réalité quotidienne, ils ne sont pas toujours bien droits », comme le dit le peintre, inspiré par Vladimir Veličković. Comme un regard noir sur une humanité qui en manquerait.

Pour rappel, Elisa jouera son fado à la Galerie d’art Wilson le samedi 25 mai à 19h30 (tarif : 12€).

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Les artistes exposés

Stéphane Buissart explore à travers ses œuvres les multiples facettes de l’humain. Que ce soit sur bois ou sur papier, son art se concentre sur une déformation prépondérante des formes humaines, offrant ainsi une perspective singulière sur la condition humaine. L’interaction entre les couleurs et les textures occupe une place centrale dans son travail. Buissart joue avec les rapports de couleurs et de matières, créant des compositions visuellement riches et complexes. La couleur noire, qu’il affectionne particulièrement pour les fonds de ses œuvres, confère à ses créations des contrastes saisissants et met en valeur la profondeur de ses sujets.

Pierre Beaufils est un artiste peintre français, portraitiste, poète et musicien. Il utilise une variété de médiums pour ses œuvres, incluant l’huile, l’aquarelle, le pastel, et l’acrylique, explorant des thèmes comme la capture de l’éphémère, l’émotion, et la sensualité à travers le mouvement et l’expression humaine​. Son style, caractérisé par des mouvements énergiques et des couleurs souvent fragiles et délicates, s’exprime dans ses portraits et nus qui dépeignent toute la gamme des émotions humaines.

Enfin, Patrick Bressot est un illustrateur et professeur de dessin. Depuis 1990, il se consacre à l’illustration, collaborant avec divers éditeurs pour des publications principalement jeunesse. Patrick Bressot est particulièrement reconnu pour sa série de bandes dessinées « Les Trois Pirates », créée en collaboration avec Georges Grard. Outre ses œuvres en bande dessinée, Patrick Bressot a aussi exposé ses travaux, notamment des peintures murales, enrichissant ainsi son spectre d’expressions artistiques

Parlons musique maintenant. Résidente à Bracieux, Élisa a adopté la culture portugaise, et particulièrement le fado, grâce à ses racines familiales. Un style musical qu’Élisa souhaite activement promouvoir auprès des jeunes générations en France, qu’elles soient d’origine portugaise ou non. Elle sera donc en concert à la Galerie d’art Wilson le samedi 25 mai à 19h30 (tarif : 12€).

Le fado est bien plus qu’un genre musical ; c’est l’expression mélodique de l’âme portugaise. Né dans les ruelles de Lisbonne au début du XIXe siècle, ce style musical est profondément enraciné dans les sentiments de mélancolie, de fatalisme et de nostalgie, des émotions souvent décrites par le mot portugais « saudade ». Cette émotion complexe, mélange de tristesse, de manque, d’amour inachevé, ou de rêves inassouvis, est au cœur de chaque performance de fado.

Le fado était à l’origine chanté par des personnes de milieux modestes et était souvent associé aux marins, aux communautés marginalisées et aux quartiers populaires de Lisbonne comme Alfama et Mouraria. Avec le temps, il a transcendé ses humbles débuts pour devenir un symbole national de la culture portugaise, joué et apprécié dans toutes les couches de la société.

Musicalement, le fado se caractérise par des mélodies mélancoliques et des paroles poétiques, accompagnées traditionnellement par la guitare portugaise, un instrument à douze cordes distinctif, ainsi que par la guitare classique. Les performances sont souvent intimes, le chanteur exprimant des histoires de vie poignantes à travers des interprétations chargées d’émotion.

Parmi les figures emblématiques du fado, Amália Rodrigues se distingue comme la reine incontestée, ayant porté ce genre musical sur la scène internationale dans les années 1950 et 1960. Sa voix et ses interprétations passionnées ont fait d’elle un symbole national et une ambassadrice du fado dans le monde. Aujourd’hui, des artistes comme Mariza, Ana Moura, et Camané continuent de faire évoluer le genre en intégrant des influences contemporaines tout en restant fidèles à ses racines traditionnelles. Le fado n’est pas seulement apprécié au Portugal ; il a également été reconnu sur la scène mondiale. En 2011, l’UNESCO a inscrit le fado sur la liste du patrimoine culturel immatériel de l’humanité.

*L’exposition est ouverte à toutes et tous, l’entrée est libre et gratuite, et la galerie est accessible aux personnes à mobilité réduite. Les horaires d’ouverture sont du mercredi au vendredi de 14h à 19h, et le samedi de 10h à 19h. Comme toujours, d’autres artistes de la galerie exposent leurs œuvres dans les alcôves de l’arrière-salle.

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