Claire Denis et Koltès, au cœur de la semaine

Temps fort annoncé : Le Cri des gardes de Claire Denis, proposé en sortie nationale et en avant-première ce mardi soir (20h30). Adaptation libre mais « assez fidèle » de Combat de nègres et de chiens de Bernard-Marie Koltès, le film bénéficie d’un relais, celui de la Halle aux Grains-Scène nationale. Un soutien qui accompagne la volonté des Lobis de porter cette œuvre, désignée comme coup de cœur de la semaine. Une mise en lumière qui vise à orienter le public, dans un contexte où, comme le souligne Laetitia Scherier, directrice des Lobis, « des spectateurs semblent hésiter sur ce qu’ils vont voir ».

Laetitia Scherier ne cache pas son attachement à la réalisatrice, Claire Denis, qu’elle décrit comme une cinéaste capable de traverser les genres — guerre, fantastique, science-fiction, drame — tout en gardant intact un même regard sur les corps, le désir et les rapports de pouvoir. Entre Chocolat, White Material et d’autres films, la cinéaste n’a jamais cessé de travailler la matière postcoloniale, la question de l’exil, de la domination et de l’espace partagé ou interdit.

Romería, une quête contre l’oubli

Autre sortie nationale majeure : Romería de Carla Simón, présenté à Cannes. La réalisatrice espagnole poursuit ici une œuvre profondément autobiographique, déjà amorcée avec Été 93 et Nos soleils. Elle y explore, à travers le personnage de Marina, une trajectoire marquée par la perte — celle de parents morts du sida — et par la nécessité de reconstruire une histoire fragmentée.

Le film prend la forme d’un retour : en Galice, vers une famille biologique longtemps absente, mais aussi vers une mémoire collective enfouie. Le titre lui-même — Romería, “pèlerinage” — donne la clé du récit. Au-delà du parcours individuel, le film s’inscrit dans un contexte historique précis. L’Espagne des années 1980, marquée par une libération des mœurs après des décennies de conservatisme, voit émerger une crise sanitaire majeure liée à l’héroïne et au sida. Une période dont « énormément d’histoires ont été passées sous silence ». ici, Carla Simón cherche à rouvrir ces récits, à « combler les vides narratifs », non seulement pour elle-même, mais pour toute une génération d’enfants devenus orphelins. Une démarche qui inscrit le film dans une mémoire à la fois intime et politique.

La Femme de, disséquer la domination ordinaire

Avec La Femme de, David Roux adapte le roman Son nom d’avant de Hélène Lenoir et s’inscrit dans une tradition du cinéma français d’observation sociale. Le film suit Marianne, incarnée par Mélanie Thierry, épouse d’un industriel, installée dans un cadre bourgeois qui semble, de prime abord, parfaitement stable. Mais très vite, les lignes se fissurent.

Le récit met en lumière une mécanique de domination diffuse. La violence est progressive, installée, presque invisible. Elle passe par les décisions imposées, les déplacements subis, les rôles assignés. Laetitia Scherier insiste sur cette dimension : il ne s’agit pas d’un film “sur” le milieu bourgeois catholique, mais d’un film qui s’y déroule et qui, précisément, en révèle les tensions internes. Les rapports de pouvoir y sont « invisibles mais totalement omniprésents », et la place des femmes y apparaît assignée, « à la limite du décoratif ».

Le film esquisse alors une possibilité de rupture — une faille dans le récit — sans jamais céder à la facilité d’une libération spectaculaire. Ce qui se joue, c’est la perception progressive de l’enfermement : une « prison dorée », d’autant plus difficile à quitter qu’elle est socialement valorisée.

Fête des Marmots #14

Dimanche matin, le cinéma Les Lobis propose dès 10h30 une nouvelle Fête des Marmots autour du programme de courts métrages Le Parfum de la carotte. Destiné aux enfants à partir de trois ans, le dispositif dépasse la seule projection. Petit-déjeuner, atelier créatif, et intervention de Mémé dans les Orties composent une expérience pensée autour des sens.

L’objectif : mobiliser le goût, la vue, mais aussi l’odorat et le toucher, à travers une découverte sensorielle des plantes. Une manière de prolonger le film dans le réel, et d’inscrire le cinéma dans une expérience globale (tarif unique : 5€).

Beyrouth : aimer malgré tout

Du côté de Ciné’fil, Un monde fragile et merveilleux de Cyril Aris propose une autre variation autour de la fragilité des existences. Le film suit deux amoureux à Beyrouth, sur plusieurs décennies, dans un Liban traversé par des crises politiques, économiques et militaires persistantes. La question posée est simple, mais vertigineuse : comment aimer, comment construire une vie dans un pays en instabilité permanente ? Une structure de comédie romantique, sans cesse rattrapée par la réalité. Chaque élan est interrompu, chaque projection dans l’avenir fragilisée.

Enfin, la semaine s’ancre aussi dans le territoire avec la venue vendredi après-midi de 14 heures à 19 heures de la coiffeuse Stéphanie, du Salon qui bouge, accompagnée de Émilie Marmion, autrice des Lutins de Sologne (lectures pour les enfants à 17h et 18h).

Pour en savoir plus : blois-les-lobis.cap-cine.fr

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La première sortie est Eleonora Duse, film italien de Pietro Marcello. Un biopic consacré à la grande comédienne de théâtre Eleonora Duse, surnommée la Divine, figure majeure du spectacle vivant au tournant du XXᵉ siècle, contemporaine de Sarah Bernhardt. Le rôle principal est interprété par Valeria Bruni Tedeschi, entourée notamment de Noémie Merlant, dans un film presque entièrement tourné en italien.

Le film ne cherche pas à retracer toute la vie de l’actrice. Il s’ouvre en 1917, à la fin de la Première Guerre mondiale, au moment où Eleonora Duse, affaiblie par la tuberculose, s’apprête à remonter sur scène après plusieurs années d’arrêt. À travers ce retour, le récit épouse les bouleversements de l’Italie de l’époque : la sortie de guerre, la montée du fascisme, et le rapport complexe entre les artistes et le pouvoir, notamment face à Benito Mussolini. « C’est un film qui parle beaucoup de la place des artistes dans le paysage politique », souligne Laëtitia Scherier, de leur indépendance — ou de leur instrumentalisation. Pour elle, Valeria Bruni Tedeschi livre ici l’une de ses plus belles interprétations, habitée, instable, traversée de fulgurances et de fragilités, à l’image de la comédienne qu’elle incarne.

Deuxième sortie nationale : Palestine 36, film de la réalisatrice palestinienne Annemarie Jacir. Un film qui se distingue par son angle historique. Loin de se concentrer sur l’actualité immédiate du conflit israélo-palestinien, il revient sur une période beaucoup moins connue : celle du mandat britannique, après la chute de l’Empire ottoman en 1918. Le film s’ancre plus précisément en 1936, année charnière marquée par le début de la grande révolte arabe palestinienne contre le pouvoir colonial britannique.

Pour reconstruire cette époque qu’elle n’a pas connue, Annemarie Jacir s’appuie sur un important travail d’archives. Elle intègre ces images au récit en les colorisant — un choix esthétique et politique fort, destiné à éviter toute rupture visuelle, mais aussi à empêcher le spectateur de reléguer cette histoire au rang d’un passé lointain et révolu. Le film fait le choix délibéré de laisser hors champ les tensions entre Juifs et Arabes, pour se concentrer sur la violence de l’occupation britannique et sur les promesses contradictoires faites aux peuples arabes et aux populations juives persécutées en Europe. « On ne peut pas ne pas faire le lien avec aujourd’hui », souligne Laëtitia Scherier, évoquant « le basculement historique qui a transformé des réfugiés d’hier en oppresseurs d’aujourd’hui ». Un film dur, mais jugé essentiel pour comprendre les racines du conflit.

Troisième sortie nationale : Furcy, né libre, réalisé par Abd al Malik, qui adapte le livre L’Affaire de l’esclave Furcy, inspiré d’une histoire vraie. Le projet est né d’une rencontre : lors d’un concert à La Réunion, des jeunes ont remis le livre à l’artiste, convaincus qu’il était la bonne personne pour porter ce récit à l’écran.

Le film se déroule en 1817, sur l’île de La Réunion. Furcy, esclave, découvre à la mort de sa mère un document attestant qu’elle aurait été affranchie. Par filiation, il devrait donc être libre. Aidé par un procureur abolitionniste, interprété par Romain Duris, il engage une longue bataille judiciaire pour faire reconnaître ses droits. Le récit traverse plusieurs territoires — La Réunion, l’île Maurice, Paris — et met en lumière non seulement l’horreur de l’esclavage, mais aussi les mécanismes juridiques de son abolition. Laëtitia Scherier insiste sur le choix du personnage : plutôt que la violence, Furcy choisit le droit. Un combat long, éprouvant, mais victorieux.

Dans la continuité de cette semaine marquée par l’histoire politique, les Lobis proposent dimanche à 16h une avant-première : Le Mage du Kremlin, nouveau film de Olivier Assayas, adapté du roman éponyme.
Le film s’intéresse à l’ascension de Vladimir Poutine, incarné par Jude Law. Plus qu’un portrait de Poutine, le film est présenté comme une réflexion sur la fabrication du pouvoir. Le personnage principal, fictif, condense plusieurs figures réelles. Bien que Laëtitia Scherier n’ait pas encore vu le film — contraintes de distribution obligent — elle assume ce choix, portée par la confiance accordée au cinéma d’Assayas et par l’écho critique déjà très fort autour du film.

Côté événements, le documentaire Penser l’incertitude, de Christian Barani, sera présenté dans le cadre de Génération Climat #5 (voir ici) d’un ciné-débat animé par Olivier Gaudin, enseignant à l’École de la nature et du paysage. Le film suit les lauréats du concours national des Albums des jeunes architectes et paysagistes, distingués en 2023, et interroge la manière dont les nouvelles générations pensent la ville, le paysage et la transition écologique. Un sujet qui, pour Laëtitia Scherier, dépasse largement le cercle des étudiants et concerne l’ensemble des citoyens.

Enfin, deux propositions issues de Ciné’fil complètent la semaine. D’une part, Des preuves d’amour, premier long métrage d’Alice Douard, qui suit un couple de femmes confronté aux obstacles juridiques de la PMA et de la reconnaissance de la co-parentalité après la loi Taubira. Un film social et politique, nourri d’une expérience intime, parfois drôle, souvent bouleversante, qui questionne la définition même de la famille.

D’autre part, lundi (20h30), une soirée de courts-métrages réunissant Éclipse, d’Alireza Ghasmi et Raha Ramirfazli (14 min.), Palma d’Alexe Poukine (39 min.) et La Lumière du phare (30 min.) d’Hélène Milano, toutes trois déjà connues du public des Lobis.

Une semaine dense, exigeante, profondément ancrée dans les questions de pouvoir, de mémoire et de transmission. Une semaine où le cinéma, une fois encore, s’affirme comme un outil de compréhension du monde.

Plus d’informations ici : blois-les-lobis.cap-cine.fr/FR/9/cinema-cinema-les-lobis-blois.html

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Ce que les Lumière inventent réellement

Il y a 130 ans donc, Auguste et Louis Lumière présentent plusieurs films au Salon indien du Grand Café, boulevard des Capucines. La séance est publique et payante. Les spectateurs ne sont pas conviés à une démonstration technique, mais à un spectacle : ils achètent un billet pour regarder des images animées projetées sur un écran. Cette donnée est essentielle. Elle permet de distinguer l’événement Lumière d’expériences antérieures — scientifiques, foraines ou privées — et d’expliquer pourquoi l’historiographie retient cette date comme un jalon fondateur.

En effet, les images animées n’apparaissent pas en 1895. Elles existent déjà sous diverses formes expérimentales. Mais ce que les Lumière mettent en place ce soir-là, grâce à leur Cinématographe Lumière, relève d’un usage nouveau : la projection collective.

Le Cinématographe est à la fois caméra, tireuse et projecteur. Surtout, il permet de projeter des films devant un public réuni. Cette capacité transforme l’image animée en expérience sociale. Le cinéma devient un moment partagé, inscrit dans un lieu et un temps communs.

Avant 1895, certains dispositifs proposent une vision individuelle des images animées. Le Kinetoscope, associé à Thomas Edison, fonctionne par œilleton : on regarde seul, l’un après l’autre. La séance Lumière inverse la logique. Elle suppose un écran visible par tous, un public assis, une obscurité partagée. La salle de cinéma naît de cette bascule : regarder ensemble devient la norme.

De 1895 à 2025, il s’est écoulé 130 ans. Et malgré les mutations technologiques — télévision, vidéo, streaming — la salle de cinéma demeure un espace singulier : celui où des inconnus acceptent de se taire ensemble pour regarder la même image.

Ce sera le cas ce dimanche 28 décembre 2025 (18h30) aux Lobis avec l’avant-première de Father, Mother, Sister, Brother, le nouveau film de Jim Jarmusch. Dans le cadre de l’anniversaire de la première projection publique et payante du cinématographe des frères Lumière, un verre sera offert aux spectateurs dès 18 heures, suivi d’une présentation de l’histoire des salles de cinéma et du rôle du réseau art et essai. 

« Le cinéma est né du désir de regarder ensemble », nous rappelle Laëtitia Scherier, directrice du cinéma Les Lobis. « À une époque qui pousse à l’isolement et à la consommation individuelle d’images, il est essentiel de rappeler que le cinéma est une expérience collective. »

Father, Mother, Sister, Brother, Lion d’or à Venise, se compose de trois récits indépendants se déroulant aux États-Unis, en Irlande et à Paris. Le film explore les relations familiales — parents, enfants, frères et sœurs — avec un casting prestigieux réunissant Adam Driver, Charlotte Rampling, Cate Blanchett et Vicky Krieps. Une comédie dramatique à la fois drôle, tendre et profondément humaine. « Il y a des moments vraiment très drôles », insiste-t-elle, tout en conservant une profondeur émotionnelle forte.

« C’est un film très universel », souligne la directrice des Lobis. Peu importe l’âge, le pays ou le contexte social, ces relations restent des rapports fondamentaux, souvent complexes, parfois douloureux, parfois lumineux. « Des rapports incroyables, dans le bon sens comme dans le mauvais sens. »

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La première sortie s’intitule Une enfance allemande, l’île d’Amrum, 1945, nouveau film de Fatih Akin. Derrière ce titre volontairement long se cache une histoire profondément intime. Le scénario est signé Hark Bohm, figure majeure du Nouveau cinéma allemand des années 1970, acteur, réalisateur, producteur et enseignant, qui a travaillé avec Werner Herzog, Wim Wenders ou Rainer Werner Fassbinder. Hark Bohm, décédé le mois dernier, a grandi sur l’île d’Amrum, en mer du Nord, et le récit est directement inspiré de sa propre enfance.

Avant d’être un film, cette histoire fut un livre, puis un scénario que Hark Bohm n’a pas eu le temps d’achever. Sa santé déclinant, il a confié l’adaptation à Fatih Akin, qu’il considérait comme un héritier. Bohm apparaît d’ailleurs dans le tout dernier plan du film, tourné très en amont pour lui rendre hommage.

Le film se déroule dans les tout derniers jours de la Seconde Guerre mondiale, vus à hauteur d’enfant. Le jeune protagoniste, douze ans, vit avec sa mère, sa tante, ses frères et sœurs sur cette île-refuge, loin du front, tandis que son père, officier nazi, combat sur le continent. La guerre semble lointaine : on aperçoit les bombardiers, on subit les restrictions alimentaires, mais il n’y a pas de scènes de combat. Le quotidien du garçon consiste surtout à aider sa famille à survivre.

Au fil des rencontres avec d’autres réfugiés, une prise de conscience douloureuse s’opère. Élevé dans une famille fidèle au régime, l’enfant découvre progressivement que les héros célébrés par les siens — Hitler en tête — incarnent en réalité une idéologie criminelle. « C’est un film sur la question identitaire, sur l’exil, sur la construction d’un regard », souligne Laëtitia Scherier.

Fatih Akin revendique plusieurs influences, citées dans ses notes d’intention : Le Voleur de bicyclette de Vittorio De Sica, La Nuit du chasseur de Charles Laughton, ou Stand by Me de Rob Reiner, notamment pour filmer les groupes d’enfants avec le plus de naturel possible. Le film bénéficie de décors naturels remarquables, tournés en partie à Hambourg et sur l’île d’Amrum elle-même. On y entend l’allemand, mais aussi l’ömrang, dialecte local de l’île, que même Diane Kruger a dû apprendre pour le film.

La semaine se poursuit avec deux entrées chinoises en programmation. La première, Le Temps des moissons, est le deuxième long métrage de Meng Huo, cinéaste émergent de la nouvelle génération. Le film suit un garçon de dix ans envoyé passer une année à la campagne, chez sa famille, tandis que ses parents partent travailler en ville. Le récit adopte entièrement son point de vue, traversant les saisons, les traditions, les deuils, les mariages, la vie agricole et les bouleversements sociaux.

Situé dans la Chine rurale des années 1990, le film s’inscrit dans un contexte historique précis : la fin progressive du système agricole collectiviste, remplacé par une gestion individuelle des terres, et l’exode massif vers les villes. « On est sur une fresque rurale absolument splendide », insiste la directrice des Lobis. Long — plus de deux heures — mais d’une grande fluidité, le film a été salué à la Berlinale, où il a reçu le prix de la mise en scène.

Sa réception en Chine a toutefois été plus complexe. Bien qu’autorisé à concourir à Berlin, le film a suscité la méfiance des autorités, qui ont tenté de bloquer sa diffusion internationale, estimant qu’il ne mettait pas assez en valeur la modernité du pays. Heureusement, les droits français avaient déjà été acquis, permettant au film d’arriver jusqu’aux salles. « Quand un film dérange, il devient d’autant plus nécessaire de le voir », résume Laëtitia Scherier.

Autre proposition chinoise, plus radicale encore : Résurrection, de Bi Gan, présenté en compétition à Cannes. Un film de 2h40, programmé volontairement en décalé, destiné aux spectateurs curieux et aux cinéphiles. « C’est une aventure », affirme-t-elle. Une aventure cinématographique totale, hommage à la magie du cinéma et à la puissance des images. Le point de départ relève de la science-fiction : un monde où les humains ne savent plus rêver. Quelques êtres solitaires continuent pourtant à le faire en cachette. À partir de ce postulat, le film se déploie en six chapitres autonomes, reliés par la présence d’un même acteur qui se réincarne au fil du temps. Chaque segment correspond à un sens — la vue, l’odorat, le toucher… — et opère des bonds temporels d’une vingtaine d’années, dessinant une fresque du cinéma et des villes à travers le XXᵉ siècle. Résurrection figure d’ores et déjà parmi ses films préférés de l’année.

Enfin, la semaine se conclut par un événement singulier : 130 ans de salles de cinéma. À l’occasion de l’avant-première de Father, Mother, Sister, Brother, le nouveau film de Jim Jarmusch, les Lobis célèbrent dimanche (18h30) l’anniversaire de la première projection publique et payante du cinématographe des frères Lumière, le 28 décembre 1895. L’événement coïncide également avec les 70 ans de l’AFCAE, l’Association française des cinémas d’art et d’essai, fondée en 1955 avec le soutien d’André Malraux.

Un verre sera offert aux spectateurs, suivi d’une présentation de l’histoire des salles de cinéma et du rôle du réseau art et essai, avant la projection du film. « Le cinéma est né du désir de regarder ensemble », rappelle Laëtitia Scherier. « À une époque qui pousse à l’isolement et à la consommation individuelle d’images, il est essentiel de rappeler que le cinéma est une expérience collective. »

Father, Mother, Sister, Brother, Lion d’or à Venise, se compose de trois récits indépendants se déroulant aux États-Unis, en Irlande et à Paris. Le film explore les relations familiales — parents, enfants, frères et sœurs — avec un casting prestigieux réunissant Adam Driver, Charlotte Rampling, Cate Blanchett et Vicky Krieps. Une comédie dramatique à la fois drôle, tendre et profondément humaine. « Il y a des moments vraiment très drôles », insiste-t-elle, tout en conservant une profondeur émotionnelle forte.

« C’est un film très universel », souligne la directrice des Lobis. Peu importe l’âge, le pays ou le contexte social, ces relations restent des rapports fondamentaux, souvent complexes, parfois douloureux, parfois lumineux. « Des rapports incroyables, dans le bon sens comme dans le mauvais sens. »

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Le premier film mis en avant est Dites-lui que je l’aime, de Romane Bohringer. Pour Laëtitia, c’est un choix profondément personnel. « C’est un très gros coup de cœur pour moi, que j’ai découvert à Cannes, puisqu’il était en séance spéciale. » Le film adapte le livre de Clémentine Autain consacré à sa mère, Dominique Laffin, actrice disparue à trente ans en plein début de carrière. Mais le projet a pris une autre dimension. « À la base, elle était supposée faire uniquement une adaptation du livre, mais ses producteurs l’ont convaincue de réécrire le scénario et d’injecter sa propre histoire dedans. »

Car ici, deux trajectoires se croisent : Clémentine Autain, qui a perdu sa mère brutalement à douze ans, et Romane Bohringer, marquée par la disparition d’une mère partie quand elle n’avait que neuf mois. « Les deux jouent leur propre rôle. Elles parlent elles-mêmes de ce qui leur est arrivé. » Le film devient un objet hybride, entre documentaire et fiction. « Elles reconstruisent des images parce qu’il leur manque des images de ces mères absentes. » Autour d’elles, une psychologue accompagne les tentatives de compréhension, le pardon et la question centrale : comment devenir mère quand le modèle a manqué. « C’est un film extrêmement touchant, auquel tout le monde peut s’identifier, même si on a grandi avec une mère ou pas. »

La deuxième sortie nationale est Les Enfants vont bien, de Nathan Ambrosioni. C’est son cinquième long-métrage. Au début du film, une mère célibataire arrive épuisée chez sa sœur, jouée par Camille Cottin. Et au petit matin, elle disparaît en laissant ses enfants derrière elle. « Plutôt que de suivre sa fuite à elle, le réalisateur va suivre Camille Cottin et les enfants, et s’intéresser à ceux qui restent et à la douleur du silence d’un proche qui disparaît sans laisser de traces. » La présence de Juliette Armanet, très brève mais déterminante, ouvre la narration. Et Camille Cottin surprend : « Ça fait beaucoup de bien de la voir dans un vrai rôle dramatique. »

Pour le jeune public, le cinéma propose Première neige, un programme de courts-métrages pour les enfants à partir de trois ans : « Un programme de sept courts-métrages sur les plaisirs et les joies de l’hiver. » Une rareté se glisse dans le dispositif : « On entend la voix des enfants qui narrent certains films. »

Cette semaine est aussi marquée par des ciné-débats autour de la question du soin et de la fin de vie. Jeudi soir (20h30), Les Yeux ouverts, documentaire tourné à l’hôpital Jeanne-Garnier à Paris : « Il a tourné pendant un peu plus d’un an, auprès des patients et des équipes soignantes. » La séance est animée par le Comité départemental de soins palliatifs du 41, dans le cadre de la Journée mondiale des soins palliatifs.

Dans le cadre d’un partenariat mis en place cette année avec le Salon des Vins du Coin, une double exposition de l’Épicurienne Anonyme et de la photographe Anila Gill est installée dans le hall du cinéma jusqu’au 20 décembre. Vendredi, à partir de 19h, aura lieu une dégustation de vin avec deux paysans-vignerons, Thomas Guiouillier et Félix Gautier, suivie à 20h30 de la projection du documentaire « Levure indigène » de Justine Saint-Lô, en présence de la réalisatrice pour un débat. Le bar sera ouvert samedi de 14h à 19h.

Et ce n’est pas fini… lundi 8 décembre : Berlinguer, la grande ambition, séance organisée avec Ciné’Fil et Europe Ensemble, autour de la figure politique d’Enrico Berlinguer. « Le film retrace l’ascension du chef du plus puissant parti communiste d’Europe occidentale. »

Mardi 9 décembre (20h30), enfin, l’avant-première de La Condition, de Jérôme Bonnell, adaptation du roman Amours de Léonor de Récondo, publié en 2015. Laëtitia Scherier précise : « C’est le huitième film de Jérôme Bonnell. L’action se déroule en 1908, au tout début du XXᵉ siècle. C’est un film sur la sororité, sur les rapports de pouvoir et sur la condition des femmes. » Elle décrit le trio d’interprètes : « On suit un trio de personnages, avec Swan Arlaud — qui est vraiment excellent — sa femme, et une domestique qui est aussi sa maîtresse. »

Horaires et informations : blois-les-lobis.cap-cine.fr

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L’Intérêt d’Adam, un film réaliste et profondément humain

« Le premier grand film de la semaine, c’est L’Intérêt d’Adam », annonce Laëtitia Scherier. La réalisatrice belge Laura Wandel avait marqué les esprits en 2021 avec Un Monde, sur le harcèlement scolaire, déjà présenté aux Lobis. Pour ce second long métrage, elle déplace son regard vers l’hôpital pédiatrique.

La genèse du film témoigne d’un travail patient : « Elle a écrit pendant quatre ans, avec plusieurs semaines d’immersion dans un hôpital public de Bruxelles. Elle a suivi infirmières, aides-soignantes et patients pour ancrer son récit dans le réel. » L’ambition, souligne la programmatrice, est de « montrer plusieurs points de vue d’une même situation — parents, soignants, justice — sans incriminer qui que ce soit ».

Au centre, Adam, 4 ans, hospitalisé pour malnutrition. « Il n’a aucun pouvoir de décision sur ce qui lui arrive. Il subit entièrement les choix des adultes. » Le film épouse le regard de Lucy, l’infirmière en chef incarnée par Léa Drucker, « bouleversante d’humanité ». Anamaria Vartolomei, révélée dans L’Événement d’Audrey Diwan, ajoute une intensité singulière. La mise en scène privilégie les plans-séquences, la caméra mouvante, l’urgence du quotidien hospitalier. « Elle s’inspire du cinéma des frères Dardenne. Luc Dardenne l’a même conseillée et est crédité à la production », observe Laëtitia. Un film social, réaliste, à la frontière du documentaire, qui « rend hommage aux personnels hospitaliers tout en interrogeant la hiérarchie ».

OUI, une « tragédie musicale » signée Nadav Lapid

Laëtitia Scherier insiste : OUI est avant tout « une expérience de pur cinéma ». Réalisateur israélien installé en France, Nadav Lapid est connu pour son engagement. Il a signé une lettre ouverte appelant au cessez-le-feu à Gaza et a déjà présenté plusieurs films aux Lobis, dont Synonymes et Le Genou d’Ahed. « C’est son cinquième long métrage, présenté à la Quinzaine des cinéastes. Il se définit lui-même comme une tragédie musicale. On y suit un couple d’artistes israéliens, musiciens et danseurs, juste après le 7 octobre. » Aucun plan de guerre, mais « la manière dont les gens vivent là-bas avec la guerre tenue à distance, dans un paysage médiatique biaisé ».

Le film est « dense, outrancier, débordant de tous côtés ». Il alterne deux parties contrastées : « La première, bruyante, dansante, colorée, au rythme effréné ; la seconde, plus calme et introspective, mais tout aussi violente dans son propos. » Au cœur de ce cinéma radical : « la déshumanisation du monde et l’obscénité d’une partie de la société israélienne, recluse dans le luxe de Tel-Aviv ». L’affiche, représentant un homme avec un canard sur l’épaule, « est exactement à l’image de cette outrance ». Laëtitia insiste sur l’importance de cette programmation : « Il fallait projeter ce film, ne pas faire d’amalgame entre le peuple israélien et son gouvernement. » Pour prolonger la réflexion, un ouvrage d’entretiens vient de paraître : Nadav Lapid, description d’un combat (Les éditions de l’œil), préfacé par Juliette Binoche.

Nino, la pudeur d’un premier film

La programmation de l’association Ciné’fil, partenaire des Lobis, permet aussi la découverte de Nino, premier long métrage de Pauline Loquès, sélectionné à Cannes. « Comme tout premier film, il a ses fragilités, mais il est très honnête et très touchant. On y suit un jeune homme qui apprend une terrible nouvelle de santé. Le récit explore son déni, sa déambulation, le secret gardé à ses proches. » Un sujet traité « avec beaucoup de pudeur et porté par un acteur principal remarquable ».

Avant-première : Classe moyenne, une comédie sociale

Mardi prochain, place à l’avant-première de Classe moyenne d’Antony Cordier. « C’est très rare d’avoir une comédie sélectionnée à Cannes », souligne Laëtitia Scherier. Après Gaspard va au mariage, le cinéaste revient avec un film social et comique, porté par un casting « trois étoiles » : Élodie Bouchez, Laurent Lafitte, Laure Calamy, Ramzy Bedia.

« L’humour, c’est délicat, mais ici ça fonctionne. On rit, tout en voyant combien les rapports de classe et l’argent compliquent les relations humaines. » Une vraie comédie de situation, appelée à rencontrer son public dès sa sortie nationale, le lendemain.

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Chroniques d’Haïfa, un dispositif narratif en quatre chapitres

Le film Chroniques d’Haïfa – Histoire palestinienne est le deuxième long métrage de Scandar Copti, réalisateur palestinien né à Jaffa, après Ajami (2009), qui avait reçu une mention spéciale de la Caméra d’Or au Festival de Cannes. Le récit se déroule à Haïfa, grande ville portuaire du nord de l’Israël. « Il y a plein de choses très originales dans ce film, explique la programmatrice. Déjà, il y a un dispositif narratif qui repose sur la multiplicité des points de vue. Le film est construit comme un puzzle découpé en quatre chapitres. L’un des objectifs de ce parti pris, c’est d’inciter le spectateur à être actif et non pas passif, à réfléchir sur la question du point de vue, de l’objectivité ou de la subjectivité. Parce qu’on ne voit pas du tout les mêmes choses selon son sexe, son âge, sa classe sociale. »

Le récit met en lumière des histoires intimes, tout en évoquant les tensions entre Arabes et Juifs. « Je pense que certains spectateurs pourraient s’attendre, vu la nationalité du réalisateur et l’endroit où ça se passe, à un film sur le conflit israélo-palestinien. Alors que ce n’est pas du tout le cas. Même si ça se passe en 2025, c’est un film qui parle du rapport entre Arabes et Juifs, mais qui ne se focalise pas sur la guerre. On ne voit pas de bombes tomber, on n’est pas sur un film de guerre. On est sur un film social. »

Scandar Copti a puisé l’idée du film dans un souvenir d’adolescence. « Il a entendu une mère dire à son fils : “Ne laisse jamais une femme te dire ce que tu dois faire.” Il a compris assez violemment à quel point les valeurs patriarcales étaient profondément ancrées dans la société où il vivait. Et que les femmes devaient se battre, mais qu’un homme devait être un allié pour les aider à se battre. » Pour Laëtitia Scherier, Chroniques d’Haïfa s’impose : « C’est un film qui dénonce le patriarcat, même si ce n’est pas sa seule thématique. Rien que pour ça, ça méritait d’être le film coup de cœur de la semaine. »

Cette volonté se traduit dans le choix des comédiens : « Il a pris une distribution exclusivement non professionnelle. Les personnages de médecins ou d’enseignantes sont joués par un vrai médecin et une vraie enseignante. On a vraiment l’impression de voir un documentaire, avec des jeux très frais et très naturels. » La technique suit cette exigence de réalisme : « Deux ou trois caméras à l’épaule, pas d’éclairage artificiel, uniquement la lumière naturelle. Tout a été pensé pour faire un film social réaliste. »

Le dispositif multiplie les perspectives : « Ce principe permet de montrer qu’il ne faut pas toujours croire ce qu’on voit. Au cinéma, c’est normal, on croit ce qu’on nous montre. Mais il suffit d’un détail pour se rendre compte que c’est très facile de biaiser et de manipuler les points de vue. »

La crise hospitalière au cœur d’En première ligne

La deuxième sortie de la semaine mise en avant est En première ligne de Petra Biondina Volpe, film suisse-allemand tourné en langue allemande. « Ça parle de la crise hospitalière en Suisse. Même si ça se passe à l’étranger, beaucoup de spectateurs se diront : “Ah, ça nous rappelle quelque chose”, parce qu’on a exactement la même crise des hôpitaux en France. »

En Suisse, d’ici 2040, il manquera entre 40 000 et 45 000 infirmiers et infirmières. Le film suit une infirmière de nuit confrontée à une surcharge de travail, seule face à un flot ininterrompu de patients. Le rôle principal est interprété par Leonie Benesch, remarquée dans La Salle des profs. « Ce n’est pas le même style, mais c’est intéressant qu’elle choisisse des rôles emblématiques de nos sociétés, comme institutrice ou infirmière. Elle est toujours très crédible. On la voit vraiment prodiguer des soins. C’est un très beau film. Mais je préfère quand même Chroniques d’Haïfa… »

Palombella Rossa, un classique de Nanni Moretti

Autre film de la semaine : Palombella Rossa de Nanni Moretti, dans le cadre d’une ressortie répertoire. « Il n’y aura que cinq ou six séances dans la semaine, mais l’occasion était trop belle. Depuis que je suis arrivée, le patrimoine je le programme plutôt sous forme de cycles, comme David Lynch ou Lars von Trier. Mais Palombella Rossa est souvent considéré comme le plus grand film de Nanni Moretti. Il parle de la crise d’identité de la gauche italienne à la fin des années 1980, et il arrive à en faire une comédie comme il sait le faire. » Le film sera à l’affiche à partir de ce mercredi, pour deux semaines.

Pour en savoir plus : blois-les-lobis.cap-cine.fr

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Quentin Dupieux, connu pour son style unique et son approche non conventionnelle du cinéma, continue d’explorer l’absurde à travers ce nouveau film. « Le Deuxième Acte » aborde le thème du travail de comédien, thème déjà central dans d’autres œuvres de Dupieux comme « Yannick » et « Rubber ». Le film réunit un casting de haute volée avec des nouveaux venus dans l’univers de Dupieux, tels que Léa Seydoux, Vincent Lindon, et Louis Garrel, ainsi que le premier rôle de « Yannick » : Raphaël Quenard.

L’intrigue se concentre sur Florence, qui désire présenter David, l’homme qu’elle aime, à son père Guillaume. Cependant, David ne partage pas ses sentiments et envisage de la rediriger vers un autre homme, Willy, ce qui conduit à une rencontre inattendue et comique dans un restaurant isolé. Un nouveau biais pour explorer l’absurde et le métathéâtral (jeu dans le jeu), avec un ton unique qui défie les conventions habituelles du cinéma.

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Ainsi, lundi 25 mars (à 20h30) est programmé au cinéma Les Lobis un ciné-débat en partenariat avec l’Ecole de la nature et du paysage de Blois autour du film « Ici Brazza » (voir ci-dessous).

Jeudi 28 mars (à 9h30 et à 14h), sera projeté, à l’Espace Quinière – Rosa Parks, le film « Nouvelle Cordée » datant de 2019. Une diffusion accompagnée d’une discussion avec Yann Laffont, le président du Comité Local pour l’Emploi, ainsi que les employés de Yaka Blois. Le Comité Local pour l’Emploi de TZCLD Blois, sous l’égide d’Agglopolys, engagé dans le projet Territoire Zéro Chômeur de Longue Durée depuis 2019, vous convie à la projection de ce film qui illustre les initiatives d’un territoire pionnier dans ce domaine.

Nicolas Philibert revient au cinéma Les Lobis, jeudi 4 avril (20h), pour présenter en avant-première son nouveau documentaire « La Machine à écrire et autres sources de tracas », dernier volet du triptyque avec « Sur l’Adamant » et « Averroès & Rosa Parks ». Celui se concentre sur les interventions des soignants au domicile de patients dans le cadre de l’accompagnement psychiatrique. Au terme de la projection, le réalisateur, Nicolas Philibert, et Linda de Zitter (psychologue clinicienne et psychanalyste) prendront la parole.

Le documentaire « Les Roues de l’Avenir » est une exploration approfondie du potentiel du vélo comme moteur de la transition environnementale et sociale. Dans le cadre d’une soirée animée par l’association Vélo 41, et en présence de Baptiste Lemaitre, qui participe au documentaire, il sera possible de comprendre comment le vélo peut contribuer à créer des villes plus apaisées, saines, et humaines​​. Ce sera vendredi 5 avril à 20h30 aux Lobis.

Le même soir, à l’Espace Chavil de Chailles, la municipalité – en partenariat avec le Club de la Chesnaie -propose la projection de « Fais de ta vie un rêve », un film consacré à la championne paralympique Marie-Amélie Le Fur. Ce documentaire illustre comment elle a fait de la célèbre citation de Saint-Exupéry, « Fais de ta vie un rêve, et de ce rêve, une réalité », sa philosophie de vie, en surmontant les obstacles et en transformant les épreuves en opportunités​​.

Agenda des projections

• Lundi 25 mars à 20h30 au cinéma Les Lobis : « Ici Brazza »
• Jeudi 28 mars à 9h30 et à 14h à l’Espace Quinière – Rosa Parks : « Nouvelle Cordée » [Entrée libre et gratuite]
• Jeudi 4 avril à 20h au cinéma Les Lobis : « La Machine à écrire et autres sources de tracas » [Plein tarif : 6.90€]
• Vendredi 5 avril à 20h à l’Espace Chavil de Chailles : « Fais de ta vie un rêve » [Entrée libre]
• Vendredi 5 avril à 20h30 au cinéma Les Lobis : « Les Roues de l’Avenir » [Plein tarif : 8.50€]

Le documentaire « Les Roues de l’Avenir » est donc une exploration approfondie du potentiel du vélo comme moteur de la transition environnementale et sociale. Réalisé par Charlotte Brunier et Romain Mercieux, il offre une vision de l’utilisation du vélo dans la société moderne. D’une durée de 52 minutes et produite en France, cette œuvre engageante examine les aspects économiques, sociologiques, et sanitaires de l’utilisation quotidienne du vélo, avec l’appui de témoignages d’experts, d’urbanistes, d’économistes, et de sociologues, ainsi que de sportifs professionnels et d’associations vélo à travers toute la France​​​​.

Le documentaire met en lumière cinq jeunes passionnés par le vélo – Evan, Maud, Emilie, Augustine, et Baptiste – et suit leur voyage à travers plusieurs villes françaises, dont Paris, Bordeaux, Montpellier, Lyon, Toulouse, Strasbourg, et Avignon. Ce périple les transforme profondément et illustre comment le vélo peut contribuer à créer des villes plus apaisées, saines, et humaines​​.

Le film a été diffusé dans une centaine de cinémas indépendants et dans des associations vélo à travers la France, dans le cadre de ciné-débats visant à susciter une réflexion collective sur la place du vélo dans l’avenir de nos sociétés​​. Ce sera le cas vendredi 5 avril à Blois, aux Lobis.

Le documentaire « La Machine à écrire et autres sources de tracas » de Nicolas Philibert, prévu pour une sortie le 17 avril 2024, représente le dernier volet d’un triptyque avec « Sur l’Adamant » et « Averroès & Rosa Parks ». Il clôt ce parcours en se concentrant sur les interventions des soignants au domicile de patients faisant face à des défis quotidiens, illustrant ainsi les multiples facettes de l’accompagnement psychiatrique hors des murs de l’hôpital. Ce dernier volet souligne le regard empathique de Nicolas Philibert sur les petites batailles du quotidien des patients, mettant en lumière la vulnérabilité humaine face aux tracas de la vie et la beauté des efforts partagés pour surmonter ces obstacles.

À travers ce triptyque, Nicolas Philibert nous invite à réfléchir sur la nature de la relation de soin, l’importance de la bienveillance et de l’écoute dans le processus de guérison, et le rôle crucial du lien social et humain dans notre rapport à la santé mentale. Son approche, qui mêle observation délicate et interaction respectueuse, offre une perspective riche et nuancée sur le quotidien d’un secteur souvent méconnu du grand public, mettant en avant l’humanité partagée entre soignants et soignés.

« Ici Brazza » est un documentaire réalisé par Antoine Boutet, sorti en salles le 24 janvier 2024. Le film explore une zone en friche de 53 hectares destinée à un vaste projet immobilier contemporain, illustrant la transformation d’un terrain vague en un espace rénové promettant un « nouvel art de vivre » dans la réalité brute du terrain. Ce documentaire est une chronique méticuleuse de ce changement, abordant la tension entre le désir de modernisation et les implications de telles entreprises sur l’environnement et la société locale​​​​. Le documentaire a reçu des critiques contrastées de la part des spectateurs, avec des évaluations reflétant des opinions variées sur son approche et son impact. Certaines critiques ont souligné la manière dont il capture les dilemmes et les défis associés à la transformation d’espaces urbains en friches, tandis que d’autres ont trouvé certaines parties du film longues et moins engageantes​​.

Ces rencontres favorisent l’ouverture d’esprit, la réflexion collective et peuvent même inciter à l’action ou au changement dans la société. En réunissant des personnes de divers horizons autour d’un film, les ciné-débats créent un espace démocratique unique où le dialogue se fait à la fois émotionnel, intellectuel et parfois même politique, contribuant ainsi à renforcer le tissu social et la cohésion communautaire.

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