28 ateliers, 61 artistes

Cette 19e édition, fidèle à sa vocation de proximité, permettra au grand public de rencontrer les artistes dans leurs lieux de création, de dialoguer avec eux autour de leurs œuvres, et de mieux comprendre leurs processus créatifs. En tout, 28 ateliers répartis entre Blois, Romorantin et Vendôme ouvriront leurs portes gratuitement entre le 31 mai et le 15 juin 2025. 61 artistes y exposeront leurs travaux, dont certains aux côtés d’invités : plasticiens, photographes, illustrateurs, sculpteurs ou céramistes.

Trois zones, trois rendez-vous

• Zone Centre (autour de Blois) : samedi 31 mai et dimanche 1er juin 2025
  Treize ateliers ouvriront dans des communes comme Cour-Cheverny, Chitenay, Monthou-sur-Bièvre, Onzain ou encore Blois. À noter : l’atelier de Édith Lanquetin à Valloir-sur-Cisse proposera des animations tout au long du week-end : lectures poétiques, concerts, visites commentées de son jardin de roses, expositions d’élèves et invités.
• Zone Sud (autour de Romorantin) : samedi 7 et dimanche 8 juin 2025
  Quatre ateliers seront accessibles, notamment à Couddes, Soings-en-Sologne, Romorantin-Lanthenay.
• Zone Nord (autour de Vendôme) : samedi 14 et dimanche 15 juin 2025
  Onze ateliers répartis entre Blois, Pezou, Azé, Villiers-sur-Loir, Cellé, Thoré-la-Rochette, Sougé, Lavardin et Naveil accueilleront les visiteurs. L’atelier d’Anne Armengaud à Azé proposera des démonstrations autour de la céramique avec les membres de l’association Terre et Feu. L’atelier de Jeanette Dubouilh, à Couture-sur-Loir, sera exceptionnellement accessible également les 7 et 8 juin dans le cadre des Portes ouvertes des jardins de la Vallée du Loir.

L’événement est accessible gratuitement, de 10h à 19h chaque jour. Toutes les informations pratiques, adresses, disciplines, artistes et invités sont disponibles sur le site officiel : 🔗 www.artistesduloiretcher.fr

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Un éveil précoce à la création

Pour Sandra Labaronne, l’entrée dans le monde de l’art a été quasi instinctive. Dès l’âge de six ans, elle est inscrite à un atelier de céramique, une première étape qui allait la mener bien plus loin. « Mes parents n’étaient pas des artistes au sens strict, mais il y avait toujours de la musique à la maison, et mon père m’amenait régulièrement à l’opéra de Buenos Aires. Il écoutait beaucoup de musique classique, ce qui a sans doute marqué mon enfance. »

Ce contexte familial lui a donné un premier contact avec des formes artistiques qui allaient alimenter son besoin de créer. « J’étais une enfant calme, qui aimait dessiner et écrire, et c’est peut-être pour cela que mes parents m’ont inscrite à ces ateliers. »

Un parcours académique exigeant

Après avoir terminé ses études secondaires avec un bac littéraire, Sandra Labaronne entame une année d’architecture, qu’elle abandonne rapidement pour suivre sa véritable passion. « J’ai fait une année d’architecture, mais j’ai laissé tomber. Mes parents étaient désespérés, bien sûr. Mais je n’ai pas attendu, je me suis immédiatement présentée à l’examen d’entrée de l’École des Beaux-Arts de Buenos Aires. »

Elle y suit un cursus rigoureux, combinant théorie et pratique, et obtient deux diplômes. Le premier marque la fin de son cycle de formation généraliste, tandis que le second, axé sur la peinture, valide sa spécialisation. « À Buenos Aires, l’École des Beaux-Arts offrait aussi un volet pédagogique. Donc en plus des matières artistiques, on suivait des cours de psychologie, de pédagogie, et de méthodologie. Tous mes collègues de là-bas sont à la fois artistes et enseignants. » Sandra a elle-même enseigné, et poursuit via L’Art’elier ou la Maison des Provinces, considérant cela comme une continuité naturelle de son parcours : « Donner des cours, c’est normal pour moi. »

L’identité : un thème de vie et d’œuvre

C’est après son arrivée en France, il y a vingt ans, que le thème de l’identité a véritablement pris racine dans l’œuvre de Sandra Labaronne. Ce questionnement est intimement lié à son propre parcours de migration. « Mon travail sur l’identité a commencé sans que je m’en rende vraiment compte. Quand je suis arrivée ici, ce thème s’est imposé à moi. J’ai toujours travaillé autour de cette idée, mais sans le nommer ainsi. »

Un événement a particulièrement marqué cette réflexion : sa participation à une cousinade en France, où elle découvre une partie de sa famille qu’elle ne connaissait pas. « C’était à Tours, et c’était fascinant de voir cet arbre généalogique gigantesque. J’ai découvert des branches de ma famille qui avaient émigré en Argentine, d’autres en Algérie, et d’autres qui étaient en France. Cela m’a fait réaliser que l’histoire de ma famille, c’est en fait l’histoire du monde. »

Pour elle, ces récits de migration et de retour sont universels et profondément humains. « La migration est un thème éternel. Nous sommes tous des nomades depuis l’origine de l’humanité, et aujourd’hui encore, il y a des débats et des tensions autour de ces questions. Cela rend ce sujet particulièrement intéressant. »

L’art : entre introspection et transmission

Sandra Labaronne ne considère pas l’art comme une simple expression de l’inspiration, mais plutôt comme un processus rigoureux qui nécessite une discipline constante. « Je ne crois pas vraiment à l’inspiration telle qu’on la conçoit. Ma tête travaille la nuit, et souvent les réponses me viennent le matin. Mais ce qui compte vraiment, c’est le travail et la discipline. En tant qu’artiste, personne ne nous oblige à travailler, il faut donc trouver la motivation en soi. »

Elle admet que le travail de l’artiste est souvent solitaire, ce qui rend encore plus important d’avoir cette discipline personnelle. « Être artiste, c’est être seul. Parfois, il n’y a pas de retour immédiat de la part du public ou des autres. Il faut trouver l’énergie en soi-même pour continuer à créer. »

L’artiste, qui partage son temps entre la création et l’enseignement, admet que cela peut être épuisant, mais elle y trouve également une source d’inspiration réciproque. « Donner des cours me demande beaucoup d’énergie, mais mes élèves m’apportent également énormément. Ils me nourrissent intellectuellement, et cela m’oblige à faire des recherches pour eux, ce qui nourrit aussi ma propre pratique artistique. »

Elle se définit également comme une artiste polyvalente, curieuse d’explorer diverses techniques. « J’aime expérimenter, et chaque nouvelle série est l’occasion d’apprendre quelque chose de nouveau. J’intègre des techniques comme le collage, la gravure, le pastel à l’huile… Cette exploration technique me permet de ne jamais me figer dans un seul style. »

Un art au service de la mémoire et de la quête d’identité

La peinture de Sandra Labaronne est marquée par la présence récurrente de personnages féminins, notamment des femmes et des jeunes filles. Elle explique cela par son propre vécu. « J’ai longtemps peint des femmes, et ces derniers temps, je me suis concentrée sur des jeunes filles. Je pense que cela vient du fait que je suis une femme et que j’ai été une fille. Nous avons tous été des enfants, et cela me fait réfléchir. Dans mes tableaux, il y a toujours un regard, qui interroge le spectateur. »

Ses œuvres questionnent l’identité sous toutes ses formes : l’identité personnelle, familiale, culturelle. « À travers mon travail, je tente de recréer ce lien entre passé et présent, entre mes origines et mon parcours. C’est un dialogue constant entre ce que je suis, d’où je viens, et ce que je deviens. »

Un parcours entre héritage culturel et innovation artistique

Au-delà de son propre cheminement, Sandra Labaronne cherche à construire des ponts entre les cultures à travers son travail. « Que je sois en Argentine, en France ou ailleurs, ma démarche artistique reste la même. Elle se nourrit de mes racines, mais aussi de ce que j’apprends au fur et à mesure de mes rencontres. L’art, c’est une manière de relier les cultures. »

Elle cite l’exemple d’un projet qu’elle développe actuellement à partir d’un style artistique typique de Buenos Aires, le fileteado porteño, une forme de peinture décorative traditionnelle. « Je suis allée à Buenos Aires, j’en ai profité pour rencontrer Alfredo Genovese, un maître de cet art. J’avais déjà commencé à intégrer ce style dans mon travail, car il représente un héritage de ma culture argentine. Je l’utilise de manière à faire dialoguer cette tradition avec d’autres éléments visuels provenant d’ailleurs. »

Sandra Labaronne intègre également des éléments symboliques forts dans son travail. L’un de ces symboles est le soleil, en particulier le sol de mayo argentin. « Dans certaines de mes œuvres, le soleil apparaît comme un symbole puissant. Il s’agit du sol de mayo, le soleil présent sur le drapeau argentin. Mais ce symbole va bien au-delà de l’Argentine. Il s’agit en fait d’un symbole incas, un héritage des cultures précolombiennes que les Argentins ont repris. Le soleil symbolise non seulement la lumière, mais aussi l’équilibre, car il est souvent représenté de manière quasi symétrique. »

La création, une nécessité vitale

Pour Sandra Labaronne, la création n’est pas un choix, mais une nécessité. « C’est vital pour moi. Je ne pense pas m’arrêter un jour, car c’est ce qui donne un sens à ma vie. J’ai d’autres rôles, bien sûr, comme celui de mère, mais ce qui me fait vraiment me sentir pleinement moi-même, c’est l’art. C’est mon identité, peu importe où je suis. Que je sois en Argentine, en France, ou ailleurs, cela fait partie de moi. »

En créant, en enseignant et en transmettant sa passion, Sandra Labaronne continue d’explorer sans relâche les méandres de l’identité humaine. À travers ses œuvres, elle nous invite à réfléchir sur nos propres racines, notre histoire et notre appartenance à un monde en perpétuel mouvement.

Pour en savoir plus : sandralabaronne.fr

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Vanessa Barbary additionne les talents avec un apprentissage éclair des techniques de création. Spécialisée dans le dessin et la marqueterie de paille, elle affine parallèlement ses compétences dans le travail de la cire. En ce mois d’avril, elle dévoile à L’Hôte Bureau une collection de portraits empreints d’émotion où le regard et la lumière occupent une place centrale.

Parlons technique, car elle frappante de prime abord. « J’utilise d’abord les bâtons de pastel, puis je termine avec un crayon pastel. Par exemple, pour les yeux, je ne vais pas les travailler avec les bâtons directement, mais plutôt avec le doigt. J’adore avoir cette sensation, comme si mes doigts dansaient sur la toile, surtout quand il s’agit de définir le regard, confie Vanessa. « J’ai toujours aimé dessiner, et j’ai découvert le pastel il y a un an. » Avec une envie de réaliser des portraits. « Je suis tombée sur des regards qui m’ont interpellée. Cela m’a captivée, et j’avais envie de retranscrire ces expressions en pastel. Le regard des gens dit beaucoup. J’ai toujours été fascinée par les regards, les expressions, les émotions. »

Cette émotion dans le regard, Vanessa Barbary prévoit d’aller la chercher désormais dans les yeux d’animaux, comme ceux des éléphants. « Le regard des éléphants est particulièrement expressif, et on peut y déceler leur tristesse », observe l’artiste.

Le week-end est intense pour Vanessa Barbary, car à L’hArt monie – 29 rue Saint Lubin – elle propose une immersion dans l’art délicat de la marqueterie de paille de seigle, dans le cadre des Journées Européennes des Métiers d’Art (JEMA). Samedi et dimanche, les visiteurs pourront découvrir le processus de création de motifs complexes sur différents supports, un héritage du XVIIe siècle mis en lumière.

Familière avec le monde des arts depuis son enfance, pratiquant le dessin et la peinture dès l’âge de 10 ans, Catherine Orione présente à l’Hôte Bureau des toiles imprégnées de joie, qui font écho à l’Art Nouveau et la splendeur de la Belle Époque. Et pas seulement… « Un travail sur les vitraux m’a vraiment plu. À la suite, je me suis dit que j’allais en créer d’autres dans le même style. En fait, je peins depuis très longtemps et, pendant de nombreuses années, je me suis consacrée au figuratif, avec une attention particulière aux détails. Puis là, je me suis dit : ‘Oh là là, ça, ça me plaît ! Je me libère complètement, je n’ai plus l’obligation de m’attacher aux détails’, et j’adore ça, explique Catherine Orione. Inspirée par l’Art Nouveau, j’ai décidé de me lancer dans cette voie, de prendre des idées et de les épurer au maximum, puis d’y ajouter des éléments qui me plaisent. Je voulais quelque chose de simple, joyeux, coloré. Je pense que c’est un peu une réponse à notre époque actuelle, qui est plutôt sombre. J’avais envie de couleurs, de gaieté, peut-être aussi parce que, à 60 ans, je peux me libérer de certaines contraintes. Je peux faire ce qui me plaît. »

Petite curiosité, Catherine Orione signe ses créations d’un CHO N, qui se réfère à ses initiales complétées par un N quelque part sur la toile. Une touche symbolique car CHON est l’acronyme de Carbone, Hydrogène, Oxygène, Azote, les éléments fondamentaux de la vie. « Du coup, avec ce N baladeur je rajoute un petit quelque chose pour insuffler un peu de vie dans ce tableau, et c’est l’azote. C’est la vie qui guette la vie, et l’idée que, même quand ça va mal, il y a toujours moyen de rebondir. »

La joie, l’innocence de l’enfance, on retrouve tout cela dans les travaux de Samantha Pallot. Elle dévoile une collection de pièces en petit format, issues de ses carnets de croquis personnels. Ces croquis intimes, qui la suivent dans son quotidien, mettent en lumière les membres de sa famille, transformés en figures centrales de son œuvre. Parmi ces pages se trouvent des aquarelles qui capturent avec tendresse et vitalité des instants empreints d’affection, des moments que Samantha chérit et partage. Cette double dimension, croquis originaux et leur interprétation sur toile, est présentée ici.

« J’aime bien retranscrire, à l’aquarelle, de petits moments de la journée, des petits moments de vie, confie Samantha. Et l’idée de pouvoir retranscrire ces petits moments de vie de manière plus pérenne est née. Forcément, il y a beaucoup plus de temps de travail. Le petit format n’est pas évident car il demande beaucoup de patience pour les détails. Donc, ce n’est pas la même approche, ce n’est pas la même démarche. »

« La capture des moments à l’aquarelle remonte à la période du Covid. J’avais vraiment besoin de me créer une bulle. L’aquarelle m’a permis de vivre des moments suspendus, et cette envie est restée. Depuis, j’ai envie de l’emmener avec moi, un peu comme un petit journal, poursuit l’artiste. Mais il est possible que désormais je prenne un peu de distance pour aussi pouvoir apporter un aspect plus artistique proprement dit. »

L’exposition Sacré Trio III est visible jusqu’au 12 mais 2024.

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« De tous temps, l’arc-en-ciel a suscité un profond sentiment de merveilleux dans le cœur des Hommes. Il n’est donc pas étonnant qu’un grand nombre de contes, de mythes et de légendes décrivent son apparition, voire son origine. Sabrina est fascinée par l’arc-en-ciel et elle déploie ce thème et sa recherche, curieusement, à partir du noir. Le noir, c’est pour elle le commencement. Et ce sont les couleurs qu’elle va faire émerger sur ce noir qui vont s’enchaîner pour faire tenir chaque composition », dévoile Sandra Labaronne.

L’arc-en-ciel est donc décliné sous maintes formes par Sabrina Cerensky. Avec une inspiration multifacette. « Parfois, c’est parce que je l’ai vu dans mon rêve, ou que chez un autre artiste quelque chose m’a interpellé. C’est vrai que pour le labyrinthe, il y a eu une nuit où je l’ai vu en rêve et je me suis dit qu’il fallait que je fasse un labyrinthe. Je ne me suis pas demandé pourquoi, je ne sais pas », confie la peintre.

Charles Leissler nous fait prendre de la hauteur. Il « peint d’abord ses tableaux dans sa tête, pour ensuite passer à l’action sur la toile. Son univers est rempli d’images mentales qu’il accumule dans ses voyages, nous dit Sandra Labaronne. Dans cette exposition il nous invite à faire une escalade aux couleurs. Une vision unique de ce symbole de l’effort et de l’initiation, de la solitude et de l’universalité, mais aussi de l’émerveillement, de la découverte de soi, de la sagesse. »

Des voyages, des montagnes, des couleurs. Du Mont-Blanc au Sultanat d’Oman, Charles Leissler a une proposition originale d’extraction figurative. Particulièrement intense dans son expression de la Pointe Percée, une montagne des Aravis. « J’ai voulu complètement montrer le réchauffement climatique qui peut affecter ces montagnes, c’est pourquoi j’ai voulu mettre beaucoup de couleurs chaudes », confie le peintre.

Quant à Alain Delecroix, il « crée des univers entre surréalisme et symbolisme qui révèlent plein d’interrogations mais nous laissent toujours avec l’intrigue, juge Sandra Labaronne. Parfois nous pouvons deviner le fragment d’une histoire mais nous ne connaîtrons jamais la fin (ni le début !). Personnages réels ou impossibles, animaux, paysages aux couleurs fantastiques… pour Alain c’est une chance de savoir que la création n’a pas de limites et soit capable d’accueillir son imagination débridée !« 

L’intriguant Alain Delecroix invente donc des histoires de personnages parfois fictifs, transformés, dans des milieux un peu étranges. Mais « ce qui m’intéresse avant tout, c’est l’agencement des couleurs, prévient Alain Delecroix. Le sujet est important, mais pour moi, il est essentiel d’organiser tout cela avec un dessin qui évoque quelque chose, tout en faisant en sorte que la couleur reste au premier plan. » Mais effectivement, « j’aime susciter des interrogations chez ceux qui regardent mes œuvres, ajoute le peintre. J’ai entendu des interprétations très variées. Je considère que mon travail est un chemin de l’abstrait vers le concret. Il évoque des idées sans imposer une unique interprétation. Jouer avec les couleurs, créer des nuances qui ressortent et stimulent l’imagination est ce qui me passionne. »

L’exposition « Sacré Trio » II est visible jusqu’au 2 avril, à L’Hôte Bureau, du lundi au vendredi, de 9h30 à 17h30.

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L’artiste argentine Sandra Labaronne vit en France depuis plus de 20 ans. A Blois elle combine son travail artistique personnel avec l’accompagnement d’autres artistes de différents niveaux via son atelier (qui est également celui de son mari le sculpteur Dominique Dulac) et son association, L’Art’elier. Il s’agît là d’un collectif où les artistes se rencontrent régulièrement pour partager et échanger sur leurs créations.

« Sacré Trio 1 », c’est donc trois membres de l’association exposés à L’Hôte Bureau. Il y aura un numéro 2, 3, etc. En ce mois de janvier 2024, on peut voir le travail d’Agnès Boulard. « Depuis ma retraite, j’ai renoué avec la peinture, en me tournant particulièrement vers la peinture à l’huile. J’apprécie vraiment de travailler la matière et l’épaisseur de la peinture. Mes premières œuvres étaient différentes de celles que je fais maintenant, où je me concentre davantage sur l’utilisation du couteau et sur la création de textures épaisses, nous explique Agnès Boulard. Un aspect que j’aime particulièrement dans la peinture, c’est de représenter le ciel. Ce que je trouve fascinant avec le ciel, c’est la manière dont ses couleurs et sa luminosité changent constamment, offrant une palette infinie de teintes et de nuances. Pour m’inspirer, je prends souvent des photos, par exemple de ciels ou de paysages comme des marais, et je m’en sers comme point de départ pour mes tableaux. »

« Un aspect que j’aime particulièrement dans la peinture, c’est de représenter le ciel »

Agnès Boulard

Gabriel Madeleine associe lui sculpture à désormais la peinture. « Je récupère de vieux métaux, soit par moi-même, soit grâce à des amis qui les déposent chez moi. Parfois, je crée des œuvres ayant une signification purement symbolique, comme celles représentant un voile ou un nuage. D’autres fois, mes créations sont plus représentatives, comme l’œuvre intitulée « La Maison de Teddy », inspirée par un petit enfant américain et la thématique du tsunami, ou encore des objets fabriqués à partir de pièces d’anciens jeux de construction Mécano, commente l’artiste. Au fil du temps, j’ai souhaité explorer de nouvelles techniques et je me suis tourné vers la peinture, il y a quelques années, dans l’atelier de Sandra Labaronne. Actuellement, je travaille sur une série que j’appelle « Les Plumes » (exposée à L’Hôte Bureau), constituée d’œuvres identiques mais réalisées avec des techniques différentes. Mon intention est de montrer comment les dimensions bidimensionnelle et tridimensionnelle peuvent se compléter et interagir sur des thèmes complètement différents. »

« Mon intention est de montrer comment les dimensions bidimensionnelle et tridimensionnelle peuvent se compléter et interagir. »

Gabriel Madeleine

Françoise Maupin se confie en tant qu’élève de Sandra Labaronne. « J’ai toujours voulu me lancer dans la peinture, attiré par la technique de l’huile qui m’intéressait beaucoup. Je me suis ensuite spécialisé dans la création de formes un peu organiques, comme des cactus, inspiré par les suggestions de Sandra. J’ai aussi réalisé une série de natures mortes, un sujet qui me passionne, nous dit Françoise. Ce que j’apprécie dans l’atelier de Sandra, c’est qu’on peut venir avec nos propres idées et développer notre chemin créatif. Sandra nous accompagne sans nous imposer de direction spécifique, mais en nous guidant subtilement. Elle fait preuve de beaucoup de bienveillance, un élément clé de son atelier. Ses conseils couvrent aussi bien la technique que l’esthétique, et elle nous enrichit en nous faisant découvrir des œuvres d’artistes. Nous visitons ensemble des expositions, comme récemment au musée d’Art moderne pour une expo de style contemporain, et Sandra organise même des conférences sur l’art contemporain. Pour ma part, ce qui m’intéresse, c’est le processus créatif lui-même. Même si le résultat n’est pas toujours à la hauteur de mes attentes, je prends du plaisir à peindre. Après ma série sur les natures mortes, j’ai commencé à explorer d’autres thèmes. Actuellement, je me concentre sur des marines, inspiré par l’envie de changement et la mer.«  Même si je compte revenir aux natures mortes un jour, je m’aventure maintenant dans des paysages. Une exposition récente de Nicolas m’a inspiré pour ces marines, mais avec une approche non réaliste, utilisant des couleurs non traditionnelles et tendance. »

Les visiteurs pourront admirer leurs œuvres jusqu’au 31 janvier, aux horaires habituels de l’Hôte Bureau (du lundi au vendredi entre 9h30 et 18h).

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L’Artelier : une exposition artistique en triple dimension

L’association L’Art’elier, sous l’égide de Sandra Labaronne, donne rendez-vous le vendredi 12 janvier à 18h30 pour un vernissage de l’exposition « Sacré Trio 1 » qui a débuté ce mardi. Cette exposition met en lumière le travail de trois artistes : Agnès Boulard, Gabriel Madeleine et Françoise Maupin. Les visiteurs pourront admirer leurs œuvres jusqu’au 31 janvier, aux horaires habituels de l’Hôte Bureau (du lundi au vendredi entre 9h30 et 18h).

Bureau des Langues : dialogues et découvertes

Ce même vendredi 12 janvier, entre 18h30 et 20h30, le Bureau des Langues invite les passionnés de langues à des discussions libres en anglais et espagnol. Dans une ambiance conviviale, chacun pourra pratiquer ces langues en présence de Graziella et Pierre, connus pour leur dynamisme et leur bienveillance. Aucune inscription n’est nécessaire et une boisson chaude sera offerte à tous les participants.

Atelier d’écriture bi-mensuel : un voyage créatif

Le dimanche 14 janvier, de 10h à 12h, l’Hôte Bureau accueillera un atelier d’écriture ouvert à tous. Animé par David Di Bella, cet atelier promet d’être un espace d’inspiration et de partage créatif. Les inscriptions se font via l’adresse email lerevedelatortue@gmail.com

Le massage du vendredi : relaxation et énergie

Le vendredi 19 janvier, de 17h à 20h, Barbara Daly et Yaïr Cohen proposeront des séances de massage traditionnel japonais relaxants et dynamisants. Il s’agît de massages sans huile, qui se pratiquent habillés, à base d’acupressions, étirements, balayages et percussions. Ils sont proposés à 20€ pour 30 minutes, avec possibilité de réservation ou de participation sur place : ahdo.contact@gmail.com ou 06 74 36 49 47.

La Cave aux Contes : un voyage imaginaire

Enfin, le dimanche 28 janvier à 17h, la cave de l’Hôte Bureau se transformera en un espace de contes et de rêveries. Les participants pourront s’immerger dans un univers d’histoires fascinantes, suivies d’un goûter. Une participation libre à partir de 5€ est suggérée, avec une inscription recommandée en raison d’une capacité limitée : la_cave_aux_contes@mailo.com

Ces événements témoignent de la richesse et de la diversité des activités proposées par l’Hôte Bureau, faisant de ce lieu, au delà du co-working, un incontournable de la vie culturelle et sociale de Blois.

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