Des maisons comme foyers scéniques

À Blois, le principe reste le même : quatre propositions artistiques d’une durée de 20 minutes, réparties dans quatre foyers, que les spectateurs rejoignent à pied. Le choix des maisons s’est peu à peu déplacé du cercle des proches vers une ouverture plus large. « Au début, c’était nos amis, nos familles, les amis des amis. Maintenant, ce sont des spectateurs qui, après une édition, proposent leur salon, leur salle à manger », explique Marie. Le bouche-à-oreille fonctionne à double sens : il amène de nouveaux spectateurs et de nouveaux hôtes. « On a des fidèles qui reviennent, mais aussi des têtes nouvelles. Les anciens ramènent les nouveaux. Petit à petit, ça s’ouvre. »

Ainsi, Julien et sa colocation ont accueilli cette année une partie de Saltimbanques, le spectacle d’Audrey Lange et Bruno Bianchi. Pour lui, cela allait de soi : « On est quatre à vivre ici et ça correspond à notre esprit. On avait déjà organisé des concerts, invité des artistes. Alors accueillir Hors Lits s’est fait naturellement. » Sa maison partagée, née d’une volonté d’entraide, d’écologie et de respect mutuel, est devenue le temps d’une soirée un théâtre imaginaire. Vingt-cinq spectateurs s’y sont assis, réunis par la proximité et le spectacle.

Avec Saltimbanques, la scénographie fut naturellement renversée. Les spectateurs sont devenus dépositaires d’objets, chaque geste les plaçant dans la ronde. Audrey Lange, tour à tour femme à barbe ou dompteur de puces, passait d’un personnage à l’autre comme on passe d’un rêve à un autre. Bruno Bianchi, chapeau haut-de-forme vissé sur la tête, lui répondait par un univers sonore bricolé, sans jamais commenter, respirant simplement avec elle. Le spectacle est né d’un poème de Josette Pédelaborde, La Frontière et la Destinée, qui évoquait le vertige d’un funambule. De cet échange épistolaire entre l’autrice et la comédienne, une galerie de figures est née : artistes oubliés, saltimbanques hybrides, créatures de foire. Chaque spectateur recevait un fragment, un objet, devenait dépositaire d’un récit évocatoire. Ici, dans le salon de Julien, cette proximité a pris toute sa force.

À quelques pas, un autre salon accueillait un extrait de Voyage en parachute, un spectacle proposé par Çağla Usta et Thierry Thurmel, avec leur revue littéraire Brèches. Inspiré du grand poème Altazor de Vicente Huidobro, ce projet invite les spectateurs à une immersion sensorielle inédite, explorant un langage théâtral peu commun, loin des codes traditionnels.

Dans la maison de Fabienne, on trouvait Maurice Douda. Magicien permanent de la Maison de la Magie de Blois, il a accepté de jouer son personnage d’arnaqueur dans le cadre intime d’Hors Lits. « J’ai croisé Marie et Dani au Salon des Magiciens. Quand elle a vu ma magie et ma mise en scène, elle m’a proposé. J’ai aimé le concept », raconte-t-il.

Pour lui, la magie est moins une prouesse qu’un vecteur d’émotion : « Le tour n’est pas une fin en soi, il est un vecteur de communication. » Sa fascination pour la tricherie est ancienne : adolescent, il a découvert le bonneteau dans la rue et s’est passionné pour cet art qui croise celui de l’illusion. Son spectacle Le Tricheur s’inspire de l’histoire vraie de Richard Marcus, joueur qui a gagné cinq millions de dollars en arnaquant les casinos du monde entier avant de se reconvertir en conseiller technique. Lui-même a-t-il été tenté d’arnaquer ? « Un magicien, c’est un tricheur honnête ; et un tricheur, un magicien qui a mal tourné », répond Maurice Douda avec malice. Jouer cette matière dans un salon, au milieu des spectateurs, lui permet de recréer une complicité immédiate. « Les émotions passent encore plus fort. »

Avec Anna Martinelli et Mahamat Fofana, acrodanse en salon

Le duo formé par Anna Martinelli et Mahamat Fofana a proposé une pièce courte mais intense de danse, une performance de dix minutes créée en mai dernier en quatre jours. Elle est danseuse circassienne, lui capoeiriste devenu acrobate. Leur rencontre à Paris, dans le monde du cirque, a immédiatement donné envie d’un travail commun. « On voulait une forme simple, courte, jouable partout, sans lourdeur de production », expliquent-ils.

Dans le salon blésois, il a fallu déplacer une table, composer avec les lampadaires suspendus. « Les contraintes créent la liberté », dit Mahamat Fofana. Leur danse s’est écrite avec l’espace, attentive à chaque obstacle, chaque limite, qui devenait ressource artistique. Un incident technique — l’absence de musique — a transformé la représentation. Le souffle des danseurs, le rythme des corps, ont suffi à créer une pulsation. « C’était intéressant de tester ça, et ça a marché », souligne Anna Martinelli. La danseuse de la Côte basque avait rencontré Marie en donnant des ateliers de danse dans sa classe, lors d’un partenariat avec la Halle aux Grains. De cette expérience scolaire est née une amitié, puis l’envie de prolonger la collaboration. « On a toujours dit que quand ça matchait avec un ou une artiste, on donnait carte blanche », dit Marie.

Le réseau et l’avenir

Cette diversité de formes — théâtre, magie, danse — correspond à ce que recherchent les organisateurs : « On aime que dans une même soirée, les disciplines soient différentes, que l’affiche soit éclectique », explique Marie. Et désormais, Hors Lits Blois attire aussi les propositions : « Nous sommes fiers de dire que maintenant, les artistes nous contactent. Le fait d’avoir déjà joué à Hors Lits devient une sorte de gage : ça prouve que le format fonctionne dans une maison. » Deux fois par an, au printemps et à l’automne, des portes s’ouvrent, des tables se poussent, des tapis se tendent. Les maisons deviennent scène, loge, refuge. Tout y est léger, fragile, éphémère. Et pourtant, dans ces instants partagés, se tissent des liens durables, des présences, des traces.

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Assise sur le bord, debout face à nous, accroupie ou retirée, Audrey Lange module sa voix, son corps, ses costumes pour faire surgir les portraits d’artistes qu’elle incarne. Tantôt diseuse de bonne aventure, tantôt femme à barbe enfantine, tantôt soldat couvert d’une toile de camouflage, elle passe d’un personnage à l’autre comme on passe d’un rêve à un autre — sans rupture ni chute. Bruno Bianchi, chapeau haut-de-forme vissé sur la tête, suit de près. Il joue en direct, entouré d’un bric-à-brac électroacoustique : gramophone, boîtes, tuyaux, instruments bricolés. Mais il ne commente jamais. Il respire avec. La scène est là, mais elle est retournée, comme un gant.

Brouiller les frontières

Cette bascule scénographique reflète l’essence même du spectacle. Saltimbanques est né d’un poème de Josette Pédelaborde, La Frontière et la Destinée, qui évoquait les vertiges intérieurs d’un funambule. Ce texte, découvert par Audrey Lange lors du Printemps des Poètes 2023, a été le point de départ d’un compagnonnage épistolaire. Sans jamais se rencontrer physiquement, l’autrice et la comédienne ont tissé ensemble une galerie de figures : saltimbanques de foire, artistes oubliés, créatures hybrides. « On a tricoté à deux mains, dit Audrey Lange. Elle proposait des personnages, je précisais des intentions, et elle écrivait en écho. »

Chaque tableau est associé à une carte, à un objet, remis à un spectateur. Ainsi il devient dépositaire d’un fragment du spectacle, parfois même d’un message. Ce geste simple — donner un objet — renverse le rôle passif du public, et installe une autre dynamique : plus proche, plus directe, presque rituelle.

Une poétique de la proximité

Tout dans Saltimbanques repose sur la proximité. Physique d’abord — il n’y a plus de rampe, plus de gradin, plus de séparation entre scène et salle — mais aussi émotionnelle. Le musicien et la comédienne ne se cachent pas derrière une technique ou un quatrième mur. Ils assument l’imperfection, les petits ratés, les « accidents heureux », comme les appelle Bruno Bianchi. Un bruit de sabot surgit par hasard ? Il devient signe. Un frottement incongru ? Il devient évocation. Le son ne suit pas le texte, il le provoque, ou le précède.

Ce n’est pas un théâtre spectaculaire. C’est un théâtre évocatoire. Il travaille moins sur l’effet que sur l’empreinte. Il ne cherche pas à représenter, mais à transmettre, une vibration, une faille, une mélodie intérieure. C’est pourquoi la mise en scène, si elle semble dépouillée, est en réalité extrêmement précise : tout y est agencé pour que l’illusion tienne — non celle d’un monde fictif, mais celle d’une intimité retrouvée.

Un cirque de l’âme

Le pari de ce spectacle tient dans sa capacité à mobiliser les imaginaires. Les personnages, nés d’une poésie rimée, deviennent à travers le corps d’Audrey Lange des archétypes mouvants. Ils habitent un espace. Et cet espace, qu’il soit scène ou pas, devient celui d’un cirque mental, où les figures anciennes dialoguent avec nos vulnérabilités d’aujourd’hui.

Saltimbanques a été conçu pour être joué dans des lieux multiples : théâtres, salles municipales, granges, jardins, médiathèques, écoles, lieux de soin, voire chez l’habitant. L’équipe s’est d’ailleurs inscrite sur Hormur, plateforme de diffusion alternative, pour faire circuler le spectacle hors des circuits institutionnels. « On est encore en période de rodage, dit Audrey Lange. Le contact direct avec des petits publics nous permet de tester, d’éprouver. » On aimerait qu’il reste ainsi : léger, fragile, mouvant, humble. Et en même temps d’une force évocatrice, portée par la beauté des textes, la justesse du jeu et la générosité de la présence.

Prochaines dates de Saltimbanques :

• Le 27 juin à La Grange Tourangelle (20h)
• Le 4 juillet 2025 (20h) au Théâtre des Volubiles

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28 ateliers, 61 artistes

Cette 19e édition, fidèle à sa vocation de proximité, permettra au grand public de rencontrer les artistes dans leurs lieux de création, de dialoguer avec eux autour de leurs œuvres, et de mieux comprendre leurs processus créatifs. En tout, 28 ateliers répartis entre Blois, Romorantin et Vendôme ouvriront leurs portes gratuitement entre le 31 mai et le 15 juin 2025. 61 artistes y exposeront leurs travaux, dont certains aux côtés d’invités : plasticiens, photographes, illustrateurs, sculpteurs ou céramistes.

Trois zones, trois rendez-vous

• Zone Centre (autour de Blois) : samedi 31 mai et dimanche 1er juin 2025
  Treize ateliers ouvriront dans des communes comme Cour-Cheverny, Chitenay, Monthou-sur-Bièvre, Onzain ou encore Blois. À noter : l’atelier de Édith Lanquetin à Valloir-sur-Cisse proposera des animations tout au long du week-end : lectures poétiques, concerts, visites commentées de son jardin de roses, expositions d’élèves et invités.
• Zone Sud (autour de Romorantin) : samedi 7 et dimanche 8 juin 2025
  Quatre ateliers seront accessibles, notamment à Couddes, Soings-en-Sologne, Romorantin-Lanthenay.
• Zone Nord (autour de Vendôme) : samedi 14 et dimanche 15 juin 2025
  Onze ateliers répartis entre Blois, Pezou, Azé, Villiers-sur-Loir, Cellé, Thoré-la-Rochette, Sougé, Lavardin et Naveil accueilleront les visiteurs. L’atelier d’Anne Armengaud à Azé proposera des démonstrations autour de la céramique avec les membres de l’association Terre et Feu. L’atelier de Jeanette Dubouilh, à Couture-sur-Loir, sera exceptionnellement accessible également les 7 et 8 juin dans le cadre des Portes ouvertes des jardins de la Vallée du Loir.

L’événement est accessible gratuitement, de 10h à 19h chaque jour. Toutes les informations pratiques, adresses, disciplines, artistes et invités sont disponibles sur le site officiel : 🔗 www.artistesduloiretcher.fr

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L’art inscrit dans le quotidien

Durant une quinzaine les vitrines de 57 commerces de centre-ville sont parées d’œuvres d’art pour offrir une nouvelle lecture des lieux de vie. Ce projet, soutenu par l’Association des Artistes du Loir-et-Cher, s’inscrit dans une volonté de rendre l’art accessible à toutes et tous. En investissant les rues, l’art dialogue directement avec les passant.es, et interroge la place de la ville dans notre imaginaire collectif et dans nos vies contemporaines. Ici, la ville devient à la fois toile de fond et sujet d’inspiration.

L’événement inclut également plusieurs galeries d’art locales, telles que la Galerie Dominique et la Galerie Wilson, qui accueillent une sélection d’œuvres explorant les transformations et contradictions du paysage urbain. À travers ce parcours artistique, Blois met en lumière le rôle de la ville en tant que concept historique et espace en perpétuelle mutation.

Un regard singulier sur la ville avec Marc-Antoine Beaufils

L’artiste peintre Marc-Antoine Beaufils est à l’honneur à la Galerie Wilson avec une série de tableaux inspirés par un site ferroviaire singulier à Paris. « Il s’agit d’un alentour presque maritime offrant une pensée inédite sur un océan urbain, et découvrant un ciel sans cesse changeant sous lequel un gigantesque faisceau de voies ferrées court en direction de la Gare d’Austerlitz depuis Ivry-sur-Seine, que Paris vient recouvrir lentement au fil des années », explique l’artiste francilien.

« Il y a une impression de chaos urbain, un bruit constant, quelque chose de presque dystopique. Et pourtant, il y a une forme d’esthétique dans tout cela, quelque chose qui attire les gens », ajoute Marc-Antoine Beaufils.

Une collaboration avec les Rendez-vous de l’Histoire

A l’initiative des Vitrines de l’Art, Michel Pillefer, du Fonds de dotation des Rendez–vous de l’histoire, explique comment celle-ci s’est développée : « Il y a une dizaine d’années, j’ai voulu élargir les Rendez-vous de l’Histoire en intégrant l’économie à l’événement. Cela a pris de l’ampleur, avec désormais une cinquantaine de conférences organisées. Mais l’année dernière, des habitants nous ont fait remarquer qu’ils se sentaient un peu déconnectés de l’événement, car tout se déroulait dans certains sites de Blois. Nous avons donc eu l’idée de relier l’art, l’histoire et l’économie, en impliquant les commerçants et en créant une dynamique dans le centre-ville. »

Grâce à cette synergie entre les différents acteurs locaux, Blois devient un véritable espace de dialogue entre le passé et le présent, entre l’histoire et l’art contemporain. Michel Pillefer souligne également l’importance de l’accessibilité : « L’un de nos objectifs était de rapprocher l’art du public, de le rendre accessible. Les Rendez-vous de l’Histoire sont avant tout un moment culturel, et c’est une belle opportunité de faire descendre l’art dans les vitrines. »

Le rôle central des galeries et commerçants locaux

Miguel Lebron, en charge de la Galerie Wilson, qui joue un rôle clé dans cet événement, évoque l’édition 2024: « Le thème de l’année dernière était ‘Les vivants et les morts’, un sujet complexe. Cette année, le thème de la ville est un peu plus abordable et intéressant pour le public. Le principe de notre participation est d’appeler les artistes à candidater à l’automne, puis de les faire exposer soit dans les vitrines, soit dans les galeries, comme la Galerie Wilson ou la Galerie Dominique. En tout, nous avons réuni une centaine d’artistes, y compris des ‘Wilsoniens’. Nous avons mis un peu de temps, mais nous avons réussi à embarquer les commerçants dans l’aventure. Et c’était une réussite, avec le soutien du conseil départemental et de partenaires comme l’INSA. »

Pour exemple, dans le cadre des Vitrines de l’Art 2024 à la Galerie Wilson, la comédienne et photographe Audrey Lange présente une série de quatre clichés intitulée « Sous-Terriens », comme une exploration en noir et blanc des sous-sols de l’Opéra Garnier, un lieu à la fois fascinant et oppressant.

Ses clichés capturent des escaliers figés, des couloirs désertés et des structures datées. Le jeu d’ombre et de lumière révèle la solitude et la mystique de ces lieux cachés. À travers un texte, elle invite à une déambulation imaginaire dans ces espaces méconnus, évoquant le fantôme de l’Opéra ou les catacombes de Paris.

Audrey Lange réinterprète ces lieux en s’inspirant de la ville souterraine décrite par Victor Hugo, en nous faisant ressentir leur histoire. Son travail met en lumière l’architecture invisible sous nos pieds et rappelle que la ville se raconte aussi dans ses entrailles.

Les vernissages à ne pas manquer

Pour marquer l’ouverture de cet événement artistique, trois vernissages. Après la Galerie Wilson :

• Le vendredi 4 octobre 2024 à 18h à la Galerie Dominique, 8 rue du Commerce.
• Le samedi 5 octobre 2024 à 19h à l’INSA de Blois, 3 rue de la Chocolaterie.

Pour celles et ceux qui souhaitent explorer cet événement à leur propre rythme, une carte interactive est mise à disposition.

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Artiste polymorphe, Audrey Lange allie ses expériences de comédienne et de cinéaste à sa pratique photographique, créant ainsi un pont entre la mise en scène, le vivant et la matière. Avec cette série dédiée aux bonsaïs, elle expose comment son œil a découvert ces êtres végétaux tout en cherchant un sens à l’enfermement du confinement et à son deuil personnel.

La nature comme refuge, les bonsaïs comme miroir

Après avoir passé des mois cloîtrée dans un appartement parisien exigu avec sa fille, la photographe a trouvé refuge dans la nature, plus précisément au pavillon des bonsaïs du parc floral. Ces arbres, miniatures mais monumentaux par leur présence, ont éveillé en elle un sentiment de liberté retrouvé. La différence d’échelle entre ces petits arbres et les grands cieux qu’elle redécouvrait après des mois d’enfermement faisait écho à sa propre aspiration à s’échapper du quotidien.

« J’ai vu une corrélation avec ce que nous étions en train de vivre avec le Covid. Ces arbres sont contraints, rabougris dans leurs petits chaussons, et cela résonnait avec notre propre situation », confie Audrey Lange. « Et puis, c’était comme s’ils portaient en eux le secret d’un monde parallèle, une porte ouverte sur un autre espace-temps. »

Dans ses photographies, on retrouve cette impression presque fantastique. Les bonsaïs, loin d’être de simples sujets inertes, sont vivants. À travers son objectif, les torsions tortueuses des bonsaïs deviennent des entités à part entière, des créatures qui échappent aux regards distraits.

Un échange de regards

Ce qui distingue véritablement cette série, c’est l’approche intime et sensible qu’Audrey Lange adopte. Plutôt que de simplement observer ces arbres miniatures, elle a cherché à capturer un échange. « À un moment, je me suis sentie regardée », se souvient-elle. « C’est ce regard-là que j’ai voulu capter : le regard du bonsaï sur notre monde. »

Une œuvre née du deuil et de la renaissance

Cet échange de regards donne toute la profondeur à ses clichés, où les bonsaïs semblent avoir une âme. « Ce monochrome permet de rendre les créatures plus visibles. Cela invite à la contemplation et à atteindre une autre temporalité. Avec ma fille, nous avons vraiment fait un travail d’introspection, en nous perdant dans tous ces détails et en nous demandant : ce ne sont pas des créatures qui nous regardent, qui nous contemplent ? Il faut ralentir pour comprendre. » Pour Audrey Lange, la photographie devient un dialogue, une conversation silencieuse entre le photographe et son sujet. « D’une certaine façon, cette série, c’est un échange de regards, un dialogue », explique-t-elle. « Comment nous voyons le monde des bonsaïs, et comment, peut-être, eux nous voient. »

Un projet sur le cancer : accompagner la transformation du corps

En parallèle de la série « Bonsaïs », Audrey Lange présente Shalima un projet réalisé en collaboration avec Catherine Blanchet, en lutte contre un cancer du sein. Ce projet, fait de propositions et de rebonds entre les deux femmes, est né d’une volonté initiale d’accompagner son amie à travers les transformations que son corps allait subir, avant et après l’opération.

« Quand Shalima m’a annoncé son cancer, je me suis dit qu’il fallait que l’on trouve une manière de l’accompagner à traverser cela. Je lui ai proposé de faire une séance photo avant l’opération et une autre après, puis de continuer à son rythme, selon ses besoins. » Deux photographies sont exposées Galerie Wilson, dont « La Madone au voile noir »

La première séance a lieu chez Shalima, avec un simple téléphone portable. « Elle m’a demandé si j’avais pris mon appareil photo. Comme je ne voulais pas m’imposer, je ne l’avais pas pris. Mais nous avons fait les premières photos avec un téléphone. » À travers ces images, Shalima réapproprie son corps en mutation.

Après l’opération, elles continuent le projet ensemble, réalisant des séances régulières. « Nous avons cherché à capturer les transformations, les métamorphoses. Il y a notamment une photo où elle est nue, maquillée par son compagnon, et nous avons exploré l’idée de son animal totem, de la guérisseuse en elle. »

Audrey Lange décrit aussi un triptyque particulièrement émouvant qui montre la perte des cheveux, des sourcils et des cils de Catherine pendant la chimiothérapie. « Nous avons réalisé un triptyque où elle disparaît progressivement dans l’espace, adoptant une position fœtale. Elle se sentait tout diminuer, disparaître. »

La question de la féminité et de la maternité

Le projet sur Shalima soulève également des questions plus larges sur la féminité et la maternité. « Les oncologues lui ont dit : On vous sauve la vie, mais pour la maternité, faites le deuil. »

Audrey Lange évoque la photo particulièrement marquante où Shalima est représentée en madone. « Elle n’a plus de sein, elle n’a pas d’enfant dans les bras. C’est une madone sans bébé. Cela soulève des questions sur la maternité, la féminité, et sur ce que cela signifie d’être une femme dans notre société. »

Audrey Lange souligne que, malgré les progrès de la société, cette question reste souvent posée aux femmes, même en 2024. « On interroge encore souvent les femmes qui n’ont pas d’enfant par choix
ou pas. C’est impudique ou culpabilisant. Il y a cette attente implicite que la maternité est la finalité de toute femme. Or, ce n’est pas forcément le cas. Chaque femme doit pouvoir choisir ce qui la définit, en dehors de ce rôle social. »

Une invitation à l’imaginaire

Audrey Lange conclut en expliquant comment ses œuvres, qu’il s’agisse des bonsaïs ou de la série sur le cancer, laissent une grande place à l’imaginaire du public. Lors de ses expositions, elle a constaté que chacun.e interprète les images à sa manière. « Des personnes me disent qu’elles voient des escargots dans mes photos, d’autres voient des personnages ou des créatures. C’est fascinant de voir comment l’imaginaire des gens s’empare des images. »

C’est pourquoi elle a décidé de ne pas donner de titres à certaines de ses photos, afin de permettre à chacun de projeter sa propre histoire sur ce qu’il voit. « Je veux que chaque personne puisse s’asseoir face à mes photos et raconter son propre film, sa propre histoire. »

Audrey Lange expose ses photographies en ce mois de septembre Galerie Wilson aux côtés de Marie Frost et Valéry Trillaud. L’entrée est libre et accessible aux personnes à mobilité réduite, avec des horaires d’ouverture du mercredi au vendredi de 14h à 19h, et le samedi de 10h à 19h.

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Dans la continuité de son exposition à L’Hôte Bureau (lire ici), Valéry Trillaud mettra l’accent sur des scènes de vie saisies au vol, en couleur ou le noir et blanc. Photographe, comédienne, auteure et cinéaste, Audrey Lange est connue pour ses expositions thématiques, comme « Éros » et « La Madone au voile noir », qui explorent des sujets complexes avec une sensibilité artistique particulière. Marie Frost est passionnée par la photographie de la nature, en particulier les fleurs en macro et nature morte. Son intérêt pour la photo s’est intensifié à l’approche de la retraite, moment où elle a suivi plusieurs formations pour perfectionner ses compétences. Elle est particulièrement attirée par la capture de la beauté et de la sérénité des éléments naturels, qu’elle met en valeur à travers ses compositions artistiques. Marie Frost expose régulièrement ses œuvres, comme récemment aux Greniers de Vineuil en août 2024​.

L’entrée de la Galerie d’Art Wilson est libre et accessible aux personnes à mobilité réduite, avec des horaires d’ouverture du mercredi au vendredi de 14h à 19h, et le samedi de10h à 19h.

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