Le concert qu’elles donneront en première partie de Jewly, à la Maison de Bégon, samedi 14 mars 2026, pour la clôture de la Semaine ELLES, s’inscrit dans un parcours déjà bien engagé. Suzanne & Jako se disent fières que la salle blésoise et Roxette leur aient confié une partie de la soirée portée par des valeurs féministes.

Une rencontre

C’est en 2019 que leur histoire commence. Jako découvre Suzanne, seule sur scène, sous la pluie, sur un camion-scène disproportionné, presque sans public. Le contexte était peu favorable. Mais il s’en est dégagé l’essentiel : une présence sans artifice. Ce souvenir reste comme un point de départ. La suite vient peu après. À ses débuts, alors qu’elle doit assurer seule une carte blanche, Jako doute de pouvoir tenir une heure sur scène. Elle demande à Suzanne de la rejoindre. Il s’agit d’abord de renforcer le concert, d’y ajouter des secondes voix, de partager un peu du poids du moment. Puis le duo prend forme. « On a bossé, bossé, bossé », résument-elles. Et, depuis, elles ne se sont plus quittées.

Le public repère très vite cette entente. Les deux voix fonctionnent ensemble, clairement. Le duo n’est pas né de ce regard extérieur, mais il y a trouvé une confirmation, et sans doute une raison de continuer. Depuis, Suzanne & Jako se sont imposées à Blois sans jamais surjouer leur propre trajectoire. Leur parcours s’est construit pas à pas, entre lieux différents, formats multiples et publics divers. « On s’est rencontrées en 2019, là on est en 2026, on a bossé, on a fait nos preuves petit à petit », résume Jako.

Deux identités, une osmose

Jako et Suzanne ne racontent pas leur duo comme la rencontre de deux moitiés faites pour s’assembler. Au départ, disent-elles, chacune arrivait avec une identité bien marquée. C’est encore vrai aujourd’hui. Mais le temps et le travail ont produit autre chose : une forme de fusion. Les chansons naissent parfois davantage chez l’une, parfois chez l’autre, mais elles aboutissent désormais dans un espace commun plus net. « Il y a quand même une plus grosse fusion, une osmose, un truc qui s’est créé », disent-elles.

Elles parlent de cette mécanique. L’une propose une base, l’autre la reprend, la pousse plus loin ou la dévie. Le morceau se construit dans cet aller-retour. « Il faut s’écouter et il faut lâcher prise aussi », dit Suzanne. C’est sans doute l’un des principes les plus solides de leur duo : accepter que le travail commun transforme l’idée de départ.

Le travail des voix, ou l’art de se répondre

Cette complémentarité s’entend surtout dans les harmonies. Le duo ne repose pas uniquement sur deux timbres agréables ou sur une présence scénique commune. Il se construit dans un travail précis des secondes voix, des mélodies, de l’équilibre entre texte et matière sonore.

Jako le reconnaît volontiers : Suzanne a un talent particulier pour inventer des lignes harmoniques, pour bâtir ce que l’on n’entend pas toujours immédiatement mais qui porte l’ensemble. Elle parle à ce propos d’« un travail de l’ombre ». La formule convient bien : chez Suzanne & Jako, beaucoup se joue dans ce qui soutient la chanson autant que dans la chanson elle-même.

Chez elles, texte et mélodie avancent avec le même degré d’exigence. Un morceau n’est pas laissé en l’état par facilité : on reprend un mot, on corrige une note, on ajuste une ligne, on retravaille le phrasé jusqu’à ce que l’ensemble tienne.

Un style difficile à classer

Définir leur musique n’a rien d’évident. « Chanson française » conviendrait, mais le terme est si large qu’il ne dit pas grand-chose. Elles lui préfèrent des formulations plus souples du style « musique réaliste » ou « musique rétro mais pas trop ».

La difficulté à nommer tient au fait que leur musique échappe aux cases trop nettes. Il y a bien chez elles un héritage de la chanson à texte, quelque chose qui tient au piano, à l’accordéon, à l’attention portée à la langue. Mais il y a aussi autre chose : des harmonies plus contemporaines, une adresse plus directe, une évolution qui tend vers des textures plus pop, plus électro, plus produites.

Ce refus de l’étiquette n’est pas une coquetterie d’artiste. Il correspond à une réalité formelle. Suzanne & Jako ne défendent pas un genre figé ; elles travaillent un espace hybride où se rencontrent le texte, le réalisme, une forme de théâtralité légère, parfois un peu de cabaret, et désormais des couleurs sonores plus modernes. À celles et ceux qui cherchent une définition rapide, elles opposent finalement la plus juste : des chansons pensées, adressées, travaillées.

Des chansons qui parlent au réel

Le mot « réaliste », dans leur bouche, désigne moins une tradition qu’un rapport au réel. Leurs chansons partent de l’expérience, des désordres du temps, de ce qui pèse sur les vies ordinaires. Les neuf titres inédits qu’elles préparent pour leur prochain album s’inscrivent clairement dans cette ligne : on y retrouve le vacillement du monde, la persistance de l’espoir, l’épuisement contemporain, la tendresse malmenée, l’amitié, la liberté, le corps et la tolérance. « Poisson » interroge la maternité dans un monde inquiétant ; « Le Bruit de l’eau » regarde du côté de l’amitié ; « Cils » relève davantage du geste militant.

Ce qui les intéresse n’est pas seulement de raconter. Elles cherchent une adresse. Comme le souligne Jako, leurs chansons ne sont pas conçues comme des tableaux qu’on laisserait à distance. Elles veulent parler à quelqu’un. Aller vers. Atteindre. À la question de savoir quel mot leur vient d’abord pour définir leur travail commun, Suzanne répond sans détour : « partage ».

Chez l’une comme chez l’autre, le concert reste une expérience dense, physique, psychique, jamais totalement pacifiée. Suzanne raconte son cœur qui bat « à fond », les moments d’euphorie qu’il faut presque freiner, cette énergie qu’il faut canaliser dans la voix et dans l’instrument. Jako décrit plutôt un état de vigilance tendue, une nécessité de rester « sur des rails », de « tenir la baraque », selon sa propre expression.

Ce contraste entre elles enrichit leur duo. L’une semble avoir besoin de se mettre en mouvement avec les gens, de parler un peu, d’ouvrir la soirée comme on ouvre une porte. L’autre peut rester rivée à son piano, le temps de se sentir pleinement dedans. Mais toutes deux connaissent la force de ces moments où la salle répond. Quand les gens chantent avec elles, le concert prend une autre ampleur.

Un nouveau cap : le trio, la batterie, l’album, le clip

Le concert de la Maison de Bégon ne sera pas seulement important parce qu’il s’inscrit dans la Semaine ELLES. Il marque aussi l’entrée dans une nouvelle étape artistique. Depuis quelques mois, Suzanne & Jako travaillent avec un batteur, Timothée. Ce qui a obligé à repenser les morceaux, à réarranger le répertoire, à déplacer les équilibres. Elles y voient à la fois une continuité et un changement de dimension. « On reconnaît tout à fait Suzanne & Jako, juste c’est un peu upgradé ! », lance Jako en souriant. L’idée est là : garder l’identité du duo tout en l’ouvrant, tout en lui donnant davantage d’assise et d’ampleur. Cette évolution accompagne la préparation de leur album, actuellement en chantier.

L’album est encore en chantier, mais son orientation se dessine déjà : aller vers une forme plus construite, plus resserrée, sans renier ce qui fait leur identité. L’arrivée de la batterie, l’électro plus présente et le réagencement des morceaux montrent qu’elles veulent faire évoluer leur projet.

Ne pas se renier, la question vaut pour le duo, mais aussi pour chacune séparément. Toutes deux évoquent leurs recherches, leurs essais, leurs hésitations, ainsi que le rapport parfois délicat à l’arrangement, au regard des autres et aux attentes du milieu. Il faut bien entrer, au moins en partie, dans les formes de production actuelles, tout en gardant ce qui fait sa singularité. Cet équilibre reste difficile à trouver.

C’est peut-être ce qui rend Suzanne & Jako particulièrement attachantes : leur parcours ne raconte pas l’irruption, mais l’épaisseur. Deux voix qui ont appris à se répondre. Deux artistes qui ont compris que la musique se fabrique aussi dans l’endurance, l’écoute et l’acceptation de ne pas aller plus vite que ce qu’on est.

À court terme, il y a la Maison de Bégon, la nouvelle formule en trio, un clip du « Bruit de l’eau » bientôt dévoilé, un album qui se prépare. À plus long terme, il y a encore beaucoup d’inconnu. Mais c’est peut-être très bien ainsi.

L’article Suzanne & Jako : un nouveau concert, un clip, et un album qui se prépare est apparu en premier sur Blois Capitale Agglopolys.

Au programme : dessin en direct, musique jouée en interaction avec Timnah et Mr T-mid, et lumière noire. Un moment charnière – synonyme de lancement d’un financement participatif dans la perspective de l’édition de la bd – pour un artiste qui a toujours avancé à la marge, entre peinture, art-thérapie et narration graphique, et qui choisit aujourd’hui Blois comme point d’ancrage pour révéler un monde.

Portrait

Frédéric Luong Chauvain n’est pas né à Blois, mais il s’y est installé il y a six ans. Avant cela, Châteauroux — sa ville d’origine — puis Paris, Lille, la Belgique. Des villes comme des strates, des passages successifs qui nourrissent un rapport très concret aux lieux. Blois, pour lui, n’est pas un décor : c’est une respiration. La Loire, l’architecture, l’épaisseur historique de la ville ont infusé son imaginaire au point de devenir un matériau de travail. Cette relation au territoire irrigue directement sa bande dessinée : un récit de ruines, de traces, de mémoire, où le paysage n’est jamais neutre, mais porteur d’une histoire longue.

Chez Frédéric, le dessin est là depuis l’enfance. Très tôt, le geste s’impose. À dix-sept ans, la couleur arrive, puis l’aquarelle. Le médium s’impose comme une évidence, autant pour sa fluidité que pour son imprévisibilité. Autodidacte, il apprend seul, par l’observation et la reproduction de tableaux de maîtres. Là où d’autres passent des examens, lui passe des heures à comprendre comment une lumière se construit, comment une couleur respire. Cette formation solitaire forge un rapport très organique à la peinture.

L’école d’art, puis la rupture

Il tentera pourtant une prépa Beaux-Arts, à Châteauroux. Une expérience brève, et sans appel. Trop conceptuelle, trop éloignée de son rapport viscéral au visuel. L’art qu’on lui propose est porteur de message, de discours, de revendication. Lui se situe ailleurs : dans ce que l’art fait à l’être humain, plus que dans ce qu’il prétend dire. Il s’inscrit instinctivement dans une lignée plus philosophique que militante : celle d’un art qui résiste au temps, qui oppose à la mort et à l’effacement une forme de persistance sensible. Le décalage est trop fort. Il quitte l’école.

S’ensuit un passage plus rude : l’armée, puis des emplois alimentaires. Pendant plusieurs années, la peinture disparaît presque entièrement. Non par désamour, mais par nécessité. Il faut vivre, payer un loyer. La réalité impose ses règles.

Paris : le déclic et la désillusion

Le retour à la création se fait par un détour : des concours d’aquarelle remportés autour de Châteauroux, qui ravivent la confiance. Puis Paris. Le 59 Rivoli. Un atelier, des expositions, de grands formats — jusqu’à 1,60 m par 1,20 m — consacrés au corps humain, à sa fragilité, à sa tension interne.

Un concours international, opposant graffeurs américains et artistes parisiens, agit comme un révélateur. Seul peintre parmi des street-artistes, armé de ses aquarelles quand d’autres dégainent des bombes, Frédéric Luong Chauvain détonne. Il gagne pourtant. La reconnaissance médiatique suit. Mais Paris reste Paris. Un milieu saturé, exigeant une capacité permanente à se vendre, à se mettre en scène. Or l’artiste ne se reconnaît pas dans cette logique. Trois ans plus tard, il quitte la capitale.

Lille, l’art-thérapie et le retour au vivant

À Lille, il trouve un autre équilibre. Il devient coordinateur-animateur dans un groupe d’entraide mutuelle, puis se forme à l’art-thérapie. Depuis sept ans, cette pratique irrigue son rapport à la création comme compréhension fine de ce que l’acte de créer produit intérieurement. Parallèlement, il expose, performe, explore d’autres supports : maquillage artistique, peinture corporelle, tatouage éphémère lors d’événements électro. Le fluo, la lumière, le corps comme surface mouvante. Cette période est décisive : elle ouvre la voie à un nouvel imaginaire.

Le bestiaire mécanique : naissance d’un monde

La bande dessinée naît il y a neuf ans, presque par accident. D’abord imaginée comme un court film d’animation, le projet se heurte à des contraintes techniques et humaines. Il se replie alors sur le dessin, la narration, le temps long. Peu à peu, l’histoire se structure. Formations en storyboard, travail en arborescence, construction en actes. Les tableaux existants deviennent des jalons narratifs : certains seront intégrés tels quels, en pleines pages, à la manière de respirations visuelles.

C’est à Lille qu’ont surgi les animaux mécaniques. Un bestiaire hybride, où engrenages, pompes et structures métalliques se greffent au vivant. Loin du simple steampunk, ces figures portent un récit : celui d’un monde post-humain, où l’homme, dans un excès d’ego, a épuisé jusqu’à l’oxygène. Avant de disparaître, il aura pourtant équipé les animaux de systèmes de survie et d’intelligences artificielles. Le renversement est total : l’humain n’est plus le centre, mais la cause d’un effondrement. Les animaux, eux, deviennent les dépositaires d’un avenir possible.

Le récit imaginé par Frédéric Chauvain se situe en 3084, dans un monde où la technologie n’existe plus comme promesse de progrès, mais comme trace, ruine, vestige. L’humanité, dans un ego qu’il qualifie lui-même de démesuré, a donc exploité les ressources jusqu’à leur épuisement total, allant jusqu’à faire disparaître l’oxygène. Ce monde est celui de l’après : après l’homme, après la croissance, après l’illusion de maîtrise.

Avant cet effondrement final, l’homme a pourtant posé un dernier geste. Conscient — trop tardivement — de sa propre disparition, il a équipé les animaux de pompes à oxygène et d’intelligences artificielles, leur permettant de survivre dans un environnement devenu irrespirable. C’est de là que naissent les animaux mécaniques qui traversent l’univers de la bande dessinée : non pas des robots, mais des êtres vivants hybridés, des corps animaux auxquels la mécanique a été greffée comme un dispositif de survie.

La mécanique est visible, apparente, parfois fragile. Elle ne remplace pas le vivant : elle le maintient en vie. Les engrenages, pompes et structures métalliques ne sont pas des armes, mais les stigmates d’un monde rendu inhabitable par l’homme. Ils disent une chose simple : l’homme est passé par là.

C’est dans ce monde post-humain que s’inscrit la figure d’Odin, dieu observateur, inquiet du devenir des hommes. Constatant que « quelque chose n’allait pas depuis plusieurs années », il envoie sur Terre ses deux corbeaux, Hugin et Munin, afin de lui rapporter ce qui se joue désormais sur cette planète transformée. La bande dessinée se déploie ainsi sous leurs yeux, à travers leur regard.

Ce dispositif est central. Hugin et Munin incarnent deux temporalités distinctes et complémentaires.
Hugin est dans la voie du passé : il voit ce qui a été, il porte la mémoire des actes humains, des choix qui ont conduit à l’effondrement. Munin, lui, est ancré dans le présent : il observe ce qui est, ce qui subsiste, ce qui continue à fonctionner — autrement — dans un monde privé de son souffle.

Le récit s’articule précisément autour de cette tension entre passé et présent. Le lecteur est placé dans un va-et-vient constant entre ce qui a conduit à la disparition de l’homme et ce qui subsiste après lui. Les animaux mécaniques deviennent alors des figures centrales de cette narration : ils sont les survivants, les porteurs d’un héritage imposé, les témoins silencieux d’un monde qu’ils n’ont pas détruit mais qu’ils habitent désormais.

La bande dessinée se déroule également sous le regard des loups envoyés par Odin, renforçant cette idée d’une observation extérieure de l’humanité. Le monde est vu « d’en haut », depuis les dieux, mais aussi « d’en face », depuis l’animal, depuis l’autre que l’homme a longtemps dominé, exploité ou instrumentalisé. Cette distance permet d’interroger la façon dont l’être humain s’organise, agit et se pense comme groupe, en miroir de la manière dont les animaux, eux, parviennent à fonctionner collectivement.

À cette structure narrative s’ajoute un dispositif matériel qui prolonge le sens même du récit. Frédéric Chauvain intègre à sa bande dessinée un travail à la lumière noire. Certains éléments graphiques, certaines informations, certains indices ne se révèlent qu’à condition d’activer ce second niveau de lecture. Le livre devient alors un objet à explorer, presque un livre-jeu, dans lequel le lecteur découvre progressivement des clés lui permettant de comprendre vers quelle issue le récit se dirige.

L’artiste évoque explicitement l’idée d’un livre « dont on est le héros » par l’implication active du lecteur. Comprendre l’histoire suppose d’observer, de chercher, de relier des éléments disséminés. Le récit ne se livre pas entièrement d’un bloc : il se dévoile par strates, à l’image de ce monde fragmenté, composé de ruines, de survivances et de regards croisés.

L’auto-édition comme acte de liberté

Pourquoi ne pas passer par un éditeur classique ? Parce que l’objet échappe aux catégories. Livre-objet, lumière noire, interaction : trop atypique pour les circuits traditionnels. Frédéric Luong Chauvain choisit donc l’auto-édition et le financement participatif, non par défaut, mais par cohérence. Les tableaux vendus, les objets dérivés participeront à financer la publication. L’exposition-performance de samedi marque ainsi le véritable point de départ public du projet.

Samedi, à Blois, un monde s’ouvre

À Blois Capitale, samedi soir, le public assistera à bien plus qu’un vernissage. Dessin en direct, musique jouée en interaction avec Mr T-mid et la pianiste Timnah, lumière noire : la bande dessinée prendra forme sous les yeux des spectateurs. Un moment suspendu, à la croisée des disciplines, fidèle au parcours d’un artiste qui n’a jamais cessé de chercher des chemins de traverse.

La musique de Mr T-mid et de Timnah en dialogue avec le dessin

À la performance dessinée, samedi prochain à la boutique Blois Capitale, s’ajoutera la musique comme matière vivante, évolutive, en dialogue direct. Cette dimension sonore, c’est Séb, ou plutôt Mr T-mid qui la portera avec la jeune pianiste Timnah.

Mr T-mid, une identité construite

Derrière ce nom volontairement paradoxal de Mr T-mid se cache une trajectoire faite de détours, d’expérimentations et d’un rapport très instinctif à la création. « Mr T-mid, c’est une construction », explique Sébastien. L’origine du projet est presque accidentelle : l’écriture de chansons, puis le désir de jouer en public, avec ce que cela implique pour un timide. Mais Séb choisit de l’assumer pleinement, jusqu’à en faire un nom de scène.

Avec le temps, la timidité s’est atténuée, mais le nom est resté. Parce qu’il continue de dire quelque chose de juste : un rapport à la scène qui n’est ni bravache ni démonstratif, mais traversé par une forme de tension intérieure.

La chanson française… punk de salon

Mr T-mid se définit d’abord comme auteur-compositeur de chanson française, qu’il qualifie lui-même de « punk de salon ». Une appellation qui dit bien l’équilibre qu’il cherche : une écriture intime parfois abrasive. Lorsqu’il travaille seul, cette base chanson se prolonge dans l’électro, mêlée à la guimbarde, au didgeridoo, à la guitare et à la voix. En parallèle, il joue au sein d’un groupe, Minis’ Terre, formation plus électrique — guitare, basse, batterie, guitariste solo — avec laquelle il se produit régulièrement et vient d’enregistrer. Cette pluralité de formats n’est pas un éparpillement : elle répond à un même besoin de création, qui l’a naturellement conduit à s’intéresser à l’électronique et au travail du son, jusqu’à développer des compétences d’ingénierie sonore.

Improvisation, machines et hybridation

Pour le projet présenté samedi 4 janvier 2026, Mr T-mid s’inscrit dans une autre dynamique. Il évoque un set électro hybride, combinant looper, guitare et instruments acoustiques. Le dispositif est encore en cours de mise en place. Certains morceaux existent déjà, sélectionnés parce qu’ils résonnent avec l’univers de la bande dessinée de Frédéric Chauvain. Le reste se construira dans le travail commun.

Ce type de projet est, pour lui, particulièrement stimulant. Parce qu’il sort des formats habituels. Parce qu’il introduit une dimension presque théâtrale. Piano en direct, musique électronique, dessin projeté, lumière noire : l’ensemble forme un dispositif rare, difficile à classer, assumé comme tel. Dans cette performance, la musique n’illustrera pas le dessin, pas plus que le dessin n’illustrera la musique. Les deux se construiront ensemble, dans un même temps, dans un même espace. Une expérience à vivre, plus qu’un spectacle à consommer. Rendez-vous samedi !

L’article Frédéric Luong Chauvain dessine l’après : aquarelles, performance et naissance d’une bande dessinée est apparu en premier sur Blois Capitale Agglopolys.

Une programmation à la hauteur du lieu

Depuis sa création, Chambord Live n’a cessé d’attirer des artistes de renommée mondiale : Sting en 2022, Imagine Dragons en 2023, David Guetta en 2024, puis les Black Eyed Peas en 2025, devant plus de 30 000 spectateurs. En 2026, c’est donc Orelsan qui viendra électriser la scène installée face au château, chef-d’œuvre de la Renaissance classé au patrimoine mondial de l’Unesco depuis 1981.

Le prochain album d’Orelsan, La Fuite en avant, sortira le 7 novembre 2025, date qui marquera également l’ouverture de la billetterie pour le concert de Chambord. Dès janvier 2026, l’artiste entamera une grande tournée française qui culminera par dix concerts à l’Accor Arena à Paris en décembre 2026.

Les places pour Orelsan à Chambord seront mises en vente le 7 novembre 2025 à 12 h, simultanément sur le site chambordlive.com et dans les points de vente habituels. Tout laisse à penser que les billets s’écouleront en quelques minutes tant la rencontre entre l’univers du rappeur et la majesté du château suscite l’engouement.

🗓️ Informations pratiques

• 📍 Lieu : Château de Chambord (Loir-et-Cher)
• 📅 Date : Vendredi 26 juin 2026
• 🎤 Artiste : Orelsan et plus
• 🎟️ Mise en vente : 7 novembre 2025 à 12 h
• 💻 Billetterie : chambordlive.com et points de vente habituels

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🎉 Vendredi 1er août

🕐 15h > 23h – Place de l’Église, Théâtre de verdure, rue de l’Écho à Cheverny – L’Écho du Caquetoire

Une première journée festive pour lancer la 18e édition du festival des arts de la rue avec expositions, théâtre, chants et musiques :
🎨 Exposition d’artistes et d’artisans locaux – 15h à 19h – Place de l’église, sous le Caquetoire
🎤 Inauguration du festival – 16h30 à 17h30 – Place de l’église (discours et chansons)
🎭 « L’art d’accommoder les restes » (Cie Recking Choir Théâtre) – 18h à 18h50 – Théâtre de verdure (théâtre musical et d’objets, humour décalé)
🎶 « Y’parait que la famille Goldoni » – 20h30 à 22h30 – Théâtre de verdure (chansons festives, scènes de vie à l’italienne, théâtre musical)
📍 Gratuit – En cas d’intempéries, les spectacles ont lieu sous chapiteaux

🕣 18h30 – Galerie de la Résistance, Lavardin – Vernissage : « ZENFANTS ET ZANIMAUX » – Cécile Page

Exposition des illustrations fantaisistes de Cécile Page, tirées du livre éponyme d’Alain Page, à découvrir dès le vernissage en présence de l’artiste et de l’auteur. Une invitation poétique à explorer l’univers des enfants et des animaux, entre nostalgie et émerveillement.
🗓️ Exposition ouverte jusqu’au 31 août (vendredi à dimanche, 14h30–18h30)
🎤 Finissage et entretien avec l’artiste : dimanche 31 août à 15h30
📍 Galerie de la Résistance, 22 la Grand Rue, 41800 Lavardin – Entrée libre

🕣 20h30 – Millançay, Champ de foire – Rue du Plessis – Concert de Lewis Evans

Avec sa pop élégante aux accents britanniques, Lewis Evans incarne un style raffiné et chaleureux.
📍 Accès libre – Gratuit dans le cadre du Festival Estival 41 – 📞 02 54 58 42 83 – departement41.fr

🕗 20h > 23h – Maison de la Nature & de la Réserve, Marolles – Sortie nature « Qui ? Qui ? Les chiroptères ! »

À la tombée de la nuit, vous pourrez partir à la rencontre des chauves-souris de la réserve :
🦇 Observation en milieu naturel
🌙 Balade crépusculaire pour mieux comprendre ces mammifères volants
🔎 Déconstruire mythes et légendes sur les chiroptères
👨‍👩‍👧‍👦 Pour tous : adultes et enfants accompagnés
🎟️ 6 € plein tarif – 4,50 € enfant
📍 Sur réservation – 📞 02 54 51 56 70 – 🌐 cdpne.org

🕺 Samedi 2 août

🕙 10h > 17h – Chez le maraîcher Masato Fujisaki à Blois – Atelier Indigo et Shibori

Dans le cadre d’une journée immersive autour des arts textiles traditionnels japonais :
🎨 Apprentissage du montage d’une cuve d’indigo naturel
🎨 Réalisation de motifs par pliage, nouage et couture selon la technique du Shibori
🎨 Teinture d’un grand châle unique
📍 Tarif : 85€ + 20€ d’adhésion à l’association – Sur réservation ici – Organisé par Tinctoria Prima

🕒 15h > 23h – Place de l’Église, rue de l’Écho, Théâtre de verdure à Cheverny – L’Écho du Caquetoire

Une journée complète de spectacles, théâtre, ateliers et bal populaire :
🎨 Exposition d’artistes et d’artisans locaux – 15h à 19h – Place de l’église, sous le Caquetoire
🧪 Atelier biodiversité avec le CDPNE – 15h à 19h – Rue de l’Écho (animations nature et environnement)
🎭 « Johnny, un poème » (Cie Gérard-Gérard) – 15h30 à 16h10 – Théâtre, musique et poésie
🎶 « Merle le minime » (Cie Alira Gamma) – 17h30 à 18h30 – Chansons, théâtre d’ombres et marionnettes
🤹 « The Two WOMen SHOWer » (Cie double jeu) – 19h45 à 21h – Clown et théâtre corporel
🕺 Initiation aux danses régionales – 20h à 21h – Avec le groupe Beaucéane de La Chavonnée
💃 Bal/trad avec le groupe Beaucéane de La Chavonnée – 21h à 23h – Place de l’église
📍 Gratuit – En cas d’intempéries, les spectacles ont lieu sous chapiteaux

🕚 18h – Bracieux – Fête des Guernazelles : Festival de cuisses de grenouilles

Fête populaire incontournable à Bracieux, avec restauration conviviale (grenouilles, moules-frites, grillades) et animations musicales toute la soirée.
🎤 Concerts : Mélanie Diss, Dexie’s Show Cabaret
Bal et DJ jusqu’à 2h30 avec la Compagnie Brouhaha
📍 41250 Bracieux – Entrée libre – Du 2 au 3 août

🎉 Dimanche 3 août

🕚 11h > 19h – Place du Grenier-à-Sel, Jardins de l’Évêché, Hôtel de Ville de Blois – Les Petits et Grands (Degrés) s’amusent !

Explorez les ruelles, les degrés, la place Grenier-à-Sel, les jardins de l’Évêché et leur roseraie : (re)découvrez un quartier encore souvent méconnu de Blois. De nombreuses animations sont au programme, avec un point d’orgue dimanche 3 août : une journée remplie d’ateliers et de spectacles !
🎭 Spectacle « Des moutons dans les étoiles » (cie Les Petits Débrouillards) – 10h et 16h – Grenier à sel (réservation par mél à culture@blois.fr avant le 31 juillet – à partir de 1 an – durée : 35 min)
🎨 Installation « Colosses » – 11h à 19h – Sculptures de papier plié monumentales dans l’espace public dans la cour d’entrée de la Roseraie (création : Angélique Cormier).
🎭 Visite théâtralisée « Maire sinon rien » – 16h à 18h – Déambulation urbaine à partir du chateau (dès 6 ans – réservation : 02 54 90 33 33)
🎭 Performance « Déplier la rue » – à 12h et 18h – dans la cour d’entrée de la Roseraie – Par Angélique Cormier
🎶 Concert-spectacle « On va semer » – 19h – Jardins de l’Évêché – par la Cie Acidu (à partir de 6 ans – durée : 50 min)
🎠 Animations et installations en continu – 11h à 19h :
• éveil culturel et artistique pour les 2–5 ans (cabanes, labyrinthe…)
• Rythmes colorés – œuvres-jeux de l’école Louis-Pasteur de Cellettes
• initiation à la construction (voûtes, pans de bois, ressorts)
• dessins à la craie avec l’artiste Imtiaj Shohag
• créations interactives (lunettes Inuit, sténopés – atelier Quark)
📍 Gratuit – 📞 02 54 44 50 50 – 🌐 ete.blois.fr

🕚 A partir de 12h30 – Bracieux – Fête des Guernazelles : 2e jour de fête populaire

Suite du festival gourmand et festif à Bracieux, avec restauration sur place (grenouilles, moules-frites, grillades) et animations musicales toute la journée.
🎺 Animation : Les Trompes de la Frénais
🎤 Concerts : Virgil, Les Jumeaux, Paris d’Amour Cabaret
Bal de clôture de 22h à 1h30 avec la DJ Compagnie Brouhaha
🎪 Fête foraine tout le week-end + animations sur le Car-Podium du Centre-Val de Loire avec Bruno
📍 41250 Bracieux – Entrée libre – Restauration sur place (pas de pique-nique personnel) – Pas de feu d’artifice cette année

🕒 15h > 21h30 – Place de l’Église, rue de l’Écho, Théâtre de verdure, Dome, Chapiteau – L’Écho du Caquetoire à Cheverny

Une après-midi de spectacles, jeux et rencontres artistiques dans tout le village :
🎨 Exposition d’artistes et d’artisans locaux – 15h à 19h – Place de l’église et devant la mairie
🎲 Stands de jeux animés par le CIAS du blaisois – 15h à 19h – Rue de l’Écho (sous l’église)
🎭 « Fleurir les abîmes » (Claire Ducreux) – 15h30 et 19h45 – Dome (danse, théâtre visuel, poésie)
🤹 « The Two WOMen SHOWer » (Cie double jeu) – 16h à 17h25 – Chapiteau (clown et théâtre corporel)
🎭 « Johnny, un poème » (Cie Gérard-Gérard) – 17h30 à 18h10 – Théâtre de verdure (théâtre et musique)
🎶 « Merle le minime » (Cie Alira Gamma) – 18h30 à 19h10 – Dome (chansons, marionnettes, théâtre d’ombres)
🍷 Apéritif offert par les viticulteurs de Cheverny – 19h30 – Place de l’église
🎶 « Passage(s) » (groupe Tonnee) – 20h45 à 21h30 – Théâtre de verdure (musique et théâtre d’ombres)
📍 Gratuit – En cas d’intempéries, les spectacles ont lieu sous chapiteaux – Prévoir un siège pour le théâtre de verdure

🕔 17h – Cathédrale Saint-Louis de Blois – 25e Festival Jeux d’Orgue : 7e concert – Ludger Lohmann

Dans le cadre majestueux de la cathédrale Saint-Louis, Ludger Lohmann, maître incontesté de l’orgue allemand, revient pour la quatrième fois au Festival Jeux d’Orgue de Blois.
🎼 Programme : un parcours franco-allemand du XVIIe au XXe siècle, avec Buxtehude (maître de Bach), César Franck (père du renouveau harmonique) et Jehan Alain (figure fauchée en 1940, frère de Marie-Claire Alain)
🎹 Un récital rare mêlant puissance, ferveur et virtuosité, par un organiste de renommée mondiale, établi à Stuttgart, Grand Prix de Chartres
📍 Cathédrale Saint-Louis, Blois – Entrée libre – Libre participation à la sortie
🌐 jeuxdorgue41.free.fr

🕔 17h – Les Douves d’Onzain – RAVEL VOYAGEUR : Catherine Trottmann & Nathanaël Gouin

À l’occasion du 150ᵉ anniversaire de Maurice Ravel, la mezzo-soprano Catherine Trottmann et le pianiste Nathanaël Gouin offrent un voyage musical envoûtant à travers l’univers poétique du compositeur.
🎼 Au programme : la quasi-intégralité des mélodies de Ravel, entrecoupées de pièces pour piano seul – prélude à leur passage à La Roque d’Anthéron
🎟️ Infos et réservations : lesdouvesonzain.fr
📍 Les Douves, 7 rue de l’Écrevissière, 41150 Onzain – Tout public – Tarif : de 10 à 25 €

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Blois Capitale : Quel enfant étiez-vous ? Et quand avez-vous compris que la musique, les mots, seraient votre moteur ?
Mathieu Boogaerts : Il y a l’enfant que j’étais et l’enfant que je crois avoir été. Avec le temps, on filtre ses souvenirs. Si j’avais dix ans tout de suite, je serais sûrement surpris. L’image que j’ai de moi à cet âge n’est peut-être pas fidèle à la réalité. En tout cas, j’ai le souvenir d’avoir été un enfant gentil… je crois. Rêveur, c’est un peu cliché, mais sans doute juste. J’ai détesté l’école, vraiment. C’était une souffrance, et je la déteste encore. J’étais plutôt seul, enfant unique, et assez rieur. J’ai commencé la musique vers cet âge-là, mais c’est vers 16-17 ans que j’ai assumé vraiment vouloir en faire mon métier. Je ne voulais pas être batteur ou guitariste, je voulais être devant. Être chanteur. Pas musicien accompagnateur, mais celui qu’on accompagne.

Quand vous écrivez pour d’autres, est-ce un plaisir différent ?
Mathieu Boogaerts : J’écris assez peu pour les autres, mais je l’ai fait. Et je le fais avec autant de plaisir, d’ambition, d’épanouissement. Avant de m’y essayer, je pensais que ce serait peut-être frustrant. Je me suis souvent demandé comment les plasticiens vivaient la séparation avec leurs œuvres. Une chanson qu’on donne, c’est un peu ça. Mais non : je trouve que ça lui donne une deuxième vie. Ce n’est pas un plaisir secondaire.

Votre écriture semble convoquer des émotions très liées à l’enfance. Est-ce une recherche volontaire ?
Mathieu Boogaerts : Non, rien n’est volontaire. Ce n’est pas intellectuel. J’écris comme ça vient. Je gratouille beaucoup, j’improvise à la guitare sans chercher à faire une chanson. Et parfois, une suite d’accords me touche, et là, je me mets à chanter spontanément. Ce n’est pas du yaourt, ce sont de vrais mots. La mélodie convoque un champ lexical. Je ne me dis pas : « Tiens, je vais faire un truc enfantin » ou « Je veux parler de ceci ou cela ». Une phrase sort, souvent juste, posée parfaitement sur la mélodie. C’est elle qui donne le ton, le champ lexical, l’émotion, la direction.

Vous diriez que c’est une forme d’écriture inconsciente ?
Mathieu Boogaerts : Oui. Par exemple, « On dirait que ça pleut », cette phrase m’est venue toute seule. Elle aurait pu être autre. Mais elle m’a évoqué une pluie salvatrice, une pluie attendue. Pas une phrase pensée, mais une image immédiate. Une chanson peut partir de là, comme un croquis d’où naît une forme qui donnera envie de faire un tableau. Je m’efforce de rester fidèle à cette première impression, cette unique saveur. Je veux qu’une chanson cerne quelque chose, qu’elle garde son identité. Je n’ai pas envie d’un trop-plein de métaphores ou de sujets. Pour arriver à quelque chose qui parait simple, c’est énormément de travail.

Oui, on imagine que cela demande beaucoup de travail…
Mathieu Boogaerts : Oui, des heures et des heures. Le premier jet vient vite, toujours. Mais pour le développer, c’est long. Il y a des fulgurances, puis ça s’arrête, puis je reprends, j’efface, je recommence. C’est normal, c’est le temps qu’il faut. Et je l’assume.

On a vu sur vos réseaux des extraits de travail, des bribes de morceaux en gestation. C’est fascinant à regarder.
Mathieu Boogaerts : Merci. Ces stories ne sont pas planifiées. Pendant la production du disque, dès qu’un moment me semblait un peu fort, j’enregistrais un petit film. Mais ce n’est pas du tout exhaustif. Il y a énormément d’étapes qui ne sont pas documentées. Il aurait pu y en avoir beaucoup plus.

La question de la couleur revient souvent dans votre univers : dans les sons, dans les visuels, sur scène… Comment l’abordez-vous ?
Mathieu Boogaerts : « Couleur », en musique, c’est un mot qu’on utilise souvent. Il y a la couleur des mots, la couleur du son. Les mots, je les choisis en fonction de leur sens et de leur son. Il faut que ça sonne et que ce soit juste. Je me fous des règles : parfois, une rime au milieu du vers est plus vivante que si elle était à la fin. Je ne me base que sur mon oreille. Quand c’est bon, c’est bon… Visuellement aussi, la question se pose. Qu’est-ce que je porte ? Un perfecto noir ? Un tutu ? Tout nu ? Un costume ? Je choisis ce qui me plaît, ce qui m’attire. Je ne peux pas dire pourquoi je choisis une chemise jaune plutôt que des damiers. Mais je le sens. Ce qui est sûr, c’est que sur scène, j’aime la simplicité. Je suis mauvais public de concert : si j’ai faim, froid, trop chaud, si un détail me perturbe visuellement – une marque trop voyante sur un instrument par exemple –, ça me sort de l’écoute. Donc je simplifie. Je ne veux pas que trop de choses sollicitent le cerveau, les oreilles, les yeux. Des couleurs simples, des décors épurés.

Même vos respirations sont audibles dans vos morceaux. Est-ce un choix ?
Mathieu Boogaerts : Oui. Ce sont des choix. Tout ce que vous entendez est choisi. Rien n’est laissé sans validation. Même si je ne décide pas au départ de garder un souffle, j’assume de le laisser, sans le revendiquer. Comme un coup de crayon qu’un peintre ne prévoit pas mais choisit de conserver parce qu’il donne de la vie.

Votre discographie comprend souvent une chanson sur l’instant présent, la gratitude, la beauté du quotidien. Qu’est-ce que vous ressentez aujourd’hui en regardant votre parcours ?
Mathieu Boogaerts : Je ne suis pas du tout croyant, pas mystique. Personne n’est plus rationnel que moi sur cette Terre. Dans la chanson Merci, quand je dis « merci je ne sais qui », ce n’est pas adressé à une entité supérieure. Je vois le verre à moitié plein trois jours sur cinq, et à moitié vide deux jours sur cinq. Je me sens immensément privilégié. Depuis trente ans, je fais exactement la musique que je veux, les pochettes que je veux, les concerts que je veux. Et je gagne correctement ma vie. Mais j’ai aussi des frustrations. Pas tant artistiques que de notoriété : je pense que plein de gens pourraient aimer mon travail, mais ne savent même pas qu’il existe. Des fois je suis frustré. Je ne suis pas snob. Si Michel Drucker m’invitait demain, j’irais en courant.

Enfin, parlons du concert de vendredi à Blois. Comment l’avez-vous construit ?
Mathieu Boogaerts : Toutes mes chansons naissent à la guitare. Après, sur disque, je fais des choix. Mais un morceau pourrait être reggae, rock, valse, acoustique, électronique… tout est possible. Le disque, c’est une proposition. Et en concert, je ne cherche pas à tout changer pour changer. Mais c’est l’occasion de faire autrement, selon les musiciens. Là, c’est une tournée en groupe, ce que je n’avais pas fait depuis longtemps. Et j’ai un groupe génial : basse, batterie, guitare, clavier, avec des chœurs. Ils ont du style, ils sont au service de la chanson. C’est un vrai plaisir.

Enfin, un mot pour votre public fidèle, qui vous suit parfois depuis vos débuts ?
Mathieu Boogaerts : C’est difficile, parce que vous répondre, ce serait comme reconnaître que j’ai conscience d’avoir un public qui me suit. Quand je monte sur scène, je m’adresse à « le public », une entité. Certains découvrent, d’autres sont là depuis un an, d’autres depuis vingt ans. D’autres ont arrêté et reviennent. Ce n’est pas un club privé. Mais oui, bien sûr, ça me fait très plaisir de savoir que des gens me suivent.

Le concert de Mathieu Boogaerts a lieu ce vendredi 20h30 au Chato’do, à Blois. Tarifs : de 16 à 23 €. Concert sans première partie. Propos recueillis par Stéphanie Bardoux pour Blois Capitale. >> billetterie.chatodo

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Kofi, une identité musicale entre fusion et racines

Derrière Kofi, il y a une histoire riche et personnelle. Originaire de Saint-Michel-sur-Orge, le fondateur du projet a choisi ce pseudonyme en référence à ses origines béninoises. « Kofi », en langue fon-gbe, désigne les garçons nés un vendredi. Ce nom, qu’il s’est attribué au lancement de son projet solo, incarne son lien avec ses racines et son identité musicale.

À ses débuts, Kofi se voulait un projet solo. Cependant, dès les premiers concerts, il a évolué en duo avec Victor Egea, un saxophoniste. « Le projet était parti pour être solo, mais jouer avec Victor a tout changé. Nous avons pris tellement de plaisir sur scène que c’est devenu un duo presque naturellement », explique Kofi. Aujourd’hui, le projet s’épanouit en collaboration avec le bassiste Vincent Tochet, formant un duo qui allie puissance et sensibilité.

Un parcours jalonné d’expériences et de rencontres

L’histoire musicale de Kofi est marquée par des rencontres et des hasards heureux. Ayant commencé par la guitare à 15 ans, faute de pouvoir accéder à une batterie, il découvre rapidement la basse, un instrument qui devient une véritable passion. Plus tard, c’est la batterie qui l’attire, en intégrant un groupe qui avait besoin d’un batteur. Ces expériences forgent son style.

Ses influences musicales sont vastes : du jazz et du jazz-funk à la musique africaine, en passant par le rock des années 70 et le rap français des années 90. « J’ai grandi avec Led Zeppelin, Pink Floyd, King Crimson, IAM, NTM, et des albums comme L’École du micro d’argent d’IAM ou Le combat continue d’Idéal J. Cette diversité m’a poussé à créer une musique hybride, sans frontières. » Cette richesse se ressent dans ses compositions, où chaque morceau est une exploration musicale.

L’album Ablumé : un témoignage intemporel

En 2014, Kofi sort Ablumé, un album fondamental dans son parcours. Le titre, qui signifie « dans l’obscurité » en fon-gbe, reflète l’atmosphère introspective et souvent sombre de ses morceaux. « Ablumé représente beaucoup pour moi. Il marque une période importante de ma vie, tant sur le plan personnel qu’artistique. »

L’album est illustré par une pochette marquante à partir d’une photographie en noir et blanc d’un enfant dans une bassine, baigné par une lumière tamisée. « Cette photo, je l’ai prise un peu à la dérobée et cette scène se passait dans une pièce qui était un peu obscure, dans laquelle il n’y avait pas trop de lumière. C’est lié à ce que dit la musique et à son esthétique, un peu dark aussi.

Durant ces dix dernières années, Ablumé a continué de vivre à travers les concerts, les réarrangements et l’envie du public. « Les gens prennent du plaisir à les entendre, et nous à les interpréter. »

Un album live pour célébrer une décennie musicale

Pour marquer les dix ans de Ablumé, Kofi sortira en décembre 2024 un album live, enregistré lors d’un concert exceptionnel en 2022. Ce projet, déjà disponible en version CD lors de ses concerts, sera mis en ligne sur les plateformes de streaming dès le 12 décembre. « Ce live, c’est une manière de boucler la boucle, de célébrer cet album qui a eu une vie si riche. »

En plus de revisiter les morceaux de Ablumé, le live inclut des réarrangements inédits et un ou deux nouveaux titres. « Ce projet n’est pas seulement un hommage au passé, c’est aussi une transition vers l’avenir. En 2025, je prévois de sortir un nouvel album, avec des idées nouvelles et une évolution musicale. »

Un style inclassable, une fusion audacieuse

La musique de Kofi échappe aux étiquettes. Souvent classée comme afro hip-hop, elle dépasse largement cette définition. « C’est toujours difficile pour moi de mettre une étiquette. Je préfère dire fusion, car ma musique mélange tellement d’influences. J’ai toujours du mal en fait à définir le style parce que c’est vrai qu’il y a autant de rap que de rock que d’influences un peu africaines que de dub, reggae. »

Ce refus des cases musicales reflète aussi sa manière de travailler. Kofi gère lui-même son booking et sa production, une approche artisanale qui lui permet de conserver une grande liberté artistique. « L’industrie musicale pousse à produire constamment. Moi, je suis à contre-courant. Je préfère prendre le temps de faire vivre mes projets. »

Kofi en concert samedi 23 novembre 2024 à la Maison de Bégon (Blois) en 1ere partie de Balaphonics. Tarifs : de 8€ à 16€.

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Trois décennies de découvertes et d’expérimentations

Fred Mandard, pilier du Chato’do, se souvient du parcours : « J’ai déjà vécu plusieurs anniversaires ici, mais celui-ci a été particulièrement chronophage à préparer. Nous avons voulu marquer le coup en couvrant le spectre musical le plus large possible, en rassemblant des artistes qui ont été importants pour nous ces 30 dernières années. »

Cet automne sera ainsi un condensé de tout ce qui a fait la réputation de cette salle : concerts, spectacles jeune public, soirées électro, et rencontres avec des artistes locaux et internationaux. « On a travaillé ensemble pour sélectionner des artistes sur des esthétiques radicalement différentes », explique Fred Mandard. « Notre objectif était de ne laisser personne de côté, que ce soit les amateurs de rock, d’électro, de folk ou de punk. »

La saison a démarré en douceur avec L’Effet Bœuf, une jam session ouverte à tous. Elle se poursuit dès le 5 octobre avec une soirée spéciale dédiée aux 30 ans du Chato’do, placée sous le signe des musiques électroniques. « C’est une immersion dans les musiques de 1994 à 2024 », précise Fred. À l’affiche, des artistes comme Melody Moove, Arno N’Joy, Marina Trench, et Jeff23, membre du célèbre collectif Spiral Tribe (surnommé Spi), qui a marqué l’histoire de la scène techno dans les années 1990.

Des « jeudis augmentés » et des hommages attendus

Pour cette saison anniversaire, le Chato’do revisite son format des « jeudis ». « Habituellement, nous avions un groupe par jeudi », explique Fred. « Mais cette année, ce seront des jeudis augmentés, avec deux groupes à chaque fois, pour proposer encore plus de diversité musicale. »

Ainsi, le 10 octobre, LAAKE, avec son piano électro orchestral, et Lydsten, adepte de la techno néo-classique, ouvriront le bal. Puis, le 17 octobre, place à l’ambient et à la noise avec Arnaud Fournier et Frédéric D. Oberland, pour une soirée intense. Les amateurs de punk ne seront pas en reste, avec un concert très attendu des Garçons Bouchers, le 18 octobre, en hommage à François Hadji-Lazaro, figure emblématique du groupe. « On ne voulait pas de marqueurs trop datés dans la programmation, mais François Hadji-Lazaro et Les Garçons Bouchers ont tellement marqué notre histoire qu’on ne pouvait pas passer à côté », raconte Fred Mandard.

Le mois d’octobre se conclura avec Claire Days (pop expérimentale) et Elliott Armen (folk), et un concert explosif de Sharpers (pub rock) et Martin Savage & the Jiggerz (punk rock) le 31 octobre.

Novembre : Le punk et le rap à l’honneur

Le Chato’do ne ralentit pas en novembre, avec des événements forts dès le début du mois. Le 7 novembre, Burning Heads, autre figure historique du punk rock, partagera la scène avec Monde de Merde pour une soirée survoltée. Le 14 novembre, le ciné-concert de Zenzile proposera une réinterprétation de la bande originale du film Berlin : La symphonie d’une grande ville, suivi d’un live dub. Le lendemain, le rappeur RSKO, nouvelle étoile montante du rap français, se produira à guichets fermés. « On essaie toujours d’avoir une programmation qui mélange les genres et les générations », souligne Fred. « RSKO, c’est l’avenir du rap français, et on est ravis de l’accueillir. »

La fin du mois offrira également des concerts plus intimistes, avec Elias Dris (pop/folk) et Morgane Imbeaud (chanson pop-rock) le 21 novembre, suivis d’Aliocha Schneider et Ugo Del Rosso le 22 novembre. Le 28 novembre, la soirée The Famous Ultimate Crash Karaoké permettra au public de monter sur scène pour interpréter des classiques du rock, dans une ambiance festive.

Décembre : Clôture en beauté

Le dernier mois de l’année sera lui aussi chargé en émotions. Le 5 décembre, Olivier Mellano invitera plusieurs de ses formations musicales pour une soirée éclectique, tandis que le 7 décembre, la soirée All Stars 1994 rassemblera dix groupes blésois autour de reprises de titres emblématiques de cette année-là. « Cette soirée, c’est un peu la cerise sur le gâteau pour marquer nos 30 ans », confie Fred Mandard. « On a demandé à ces groupes de revisiter des morceaux de 1994, chacun à sa manière, avec des influences diverses allant du punk à l’électro. »

Le 12 décembre, Chester Remington et Rank-O apporteront des sonorités rock et post-punk, tandis que la saison se terminera en beauté le 14 décembre avec Barbara Pravi, lauréate des Victoires de la Musique, qui enchantera le public.

Une offre culturelle pour tous les âges

Le Chato’do ne se limite pas à sa programmation musicale. Étienne Gouin, en charge des actions pour le jeune public, met un point d’honneur à proposer des spectacles accessibles dès le plus jeune âge. « On a des spectacles pour tous les âges, des tout-petits de 6 mois aux enfants de 7 ans et plus », explique-t-il. En octobre, la pièce Je vais le dire abordera la question de l’expression des enfants, mêlant théâtre et musique. Le spectacle Miramondi, destiné aux plus jeunes, les invitera à découvrir un univers sensoriel à travers de petits objets. « C’est important pour nous d’éveiller les plus jeunes à des formes artistiques nouvelles, de leur donner la possibilité de s’ouvrir à des univers qu’ils n’ont peut-être jamais explorés », souligne Gouin.

En novembre, le spectacle Exit, mêlant danse contemporaine et musique électronique, sera une autre proposition originale pour les enfants. Enfin, une boum immersive prévue en décembre promet de faire découvrir aux plus jeunes une variété de styles musicaux dans une ambiance festive.

Un ancrage local fort

Le Chato’do reste un lieu incontournable pour les artistes locaux, qui sont au cœur de cette saison anniversaire. « Cette salle existe pour et avec ses utilisateurs », rappelle Fred Mandard. Les studios du Pôle Nord accueillent régulièrement des musiciens de la région, et plusieurs d’entre eux monteront sur scène cet automne. « L’événement All Stars 1994 est l’exemple parfait de cet ancrage local », ajoute Fred.

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Plus de trente vignerons sont présents pour faire déguster leurs derniers millésimes aux amateurs de vin. Les visiteurs pourront flâner sur la place du village, verre à la main, et goûter aux différents millésimes des vins de Cheverny, en blanc, rouge et rosé, ainsi qu’au Cour Cheverny blanc. Une occasion unique pour rencontrer et échanger avec les artisans du vin, dégustation qui durera de 11h à 18h30.

La journée débute par une immersion dans le terroir, avec des randonnées à pied ou à vélo à travers les vignes. Des parcours de 9 et 14 km sont proposés pour les randonneurs pédestres, tandis que les cyclistes pourront profiter d’une échappée de 38 km. Une pause ravitaillement dans un chai sera l’occasion d’une découverte plus approfondie du monde viticole.

Cette année est particulièrement spéciale, car elle marque les 30 ans des AOC Cheverny et AOC Cour Cheverny. Un clin d’œil sera fait à cet anniversaire lors de la Fête des Vendanges, avec un logo spécial sur les verres de vin et d’autres surprises.

La Fête des Vendanges n’est pas seulement réservée aux adultes. Des animations pour les enfants, comme une initiation au golf, un pressoir à l’ancienne, une structure gonflable, des balades en poney sont au rendez-vous. Un marché du terroir et la « rue des créateurs » sont organisés, avec la participation des producteurs et artisans locaux.

Comme il n’y a pas de bonne dégustation sans musique, plusieurs concerts seront organisés. La journée commencera par des chants a-cappella afro-gospel par le groupe « Cœur de femmes ». Les soirées seront animées par la musique rock du groupe orléanais « La Jarry », et le groupe « La Charcut’Live », bien connu pour son show original et participatif.

Sur la grande scène de la Fête des Vendanges, dès 20h, Benoit Doresmus assurera un flow avec des beats électro et des guitares discrètes, suivi de Sanseverino qui entrainera le public avec sa musique électrique. Pour terminer la soirée en beauté, le groupe « Le Pied de la Pompe » apportera une énergie rock folk festive et singulière.

La 12ème Fête des Vendanges de Cheverny est donc un événement à ne pas manquer pour les amateurs de vin, de musique, de nature et de convivialité. Pour plus d’informations, consultez le site www.fetedesvendanges.net.

Infos pratiques : Date : Samedi 2 septembre 2023 Dégustation de 11h à 18H Randonnées pédestres (8H30 à 10H ) : 9 et 14 km, 3 €/pers. Échappée à vélo (8H30 à 10H) : 38 km, 4 €/pers. Animations gratuites Restauration sur place : huitres, foodtruck, traiteur, snack,… Verre de dégustation « Cheverny 2023 » + dégustation de 11 à 18H : 5 € Concert + verre de dégustation « Cheverny 2023 » + dégustation de 11 à 18H = 10 € Concert + écocup « Cheverny 2023 » = 3 € (10 à 18 ans) Gratuit pour les – de 10 ans

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Programme musical

• Harmonie de Blois
  • Utopia (Jacob de Haan)
  • The Lion King soundtrack highlights (Elton John et Hans Zimmer)
  • Earth, Wind and Fire medley
  • Georgia on My Mind (Ray Charles)
• Musiques des sapeurs-pompiers de Paris
  • Ciné-Marches (Dominique Wyckhuys)
  • A-ddiction (création, Thibault Bruniaux)
  • Hymn to the Fallen (John Williams)
• Morceaux d’ensemble
  • Hymne des fraternisés ou Terre Fraternité (cornemuse)
  • Paris nous voilà

Informations pratiques sur le concert « Unisson »

• Payant – 10 € (ou 5 € pour les moins de 12 ans)
• Billetterie ouverte à l’office de Tourisme
• Les dons récoltés à chaque concert sont reversés à trois associations afin de venir en aide aux blessés et aux familles des militaires morts en service : – TERRE FRATERNITÉ pour l’armée de Terre – la FOSA pour l’armée de l’Air et de l’Espace – l’ Entraide Marine-Adosm pour la Marine nationale
• Renseignements : 02 54 57 62 35

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