Cette caractéristique, régulièrement soulignée par les historiens de l’architecture et par les notices patrimoniales officielles, permet d’affirmer — avec les précautions nécessaires — que le château royal de Blois est certainement le premier château royal de France par la diversité architecturale lisible sur un même site, et même l’un des ensembles les plus lisibles de ce type en Europe.

Un château royal, résidence et lieu de gouvernement

Le château de Blois est attesté comme résidence royale effective à partir de la fin du Moyen Âge. Il est successivement occupé par plusieurs souverains, notamment Louis XII et François Ier, et devient un lieu central du pouvoir, accueillant la cour, le conseil et les États généraux. Cette fonction politique continue explique les campagnes de construction successives, réalisées sans effacer les phases antérieures. Contrairement à d’autres résidences royales profondément restructurées à une époque donnée, Blois conserve les traces matérielles de chaque intervention majeure.

Une stratification architecturale complète et lisible

Le site de Blois permet une lecture directe et chronologique de l’architecture française du Moyen Âge au XVIIᵉ siècle :

• Vestiges médiévaux : le site castral initial, antérieur aux grands travaux royaux, ancre Blois dans une continuité défensive et seigneuriale.
• Gothique flamboyant : l’aile dite de Louis XII (fin du XVe siècle) constitue un exemple pleinement abouti de l’architecture palatiale gothique tardive.
• Première Renaissance française : l’aile de François Ier (début du XVIᵉ siècle), avec son célèbre escalier monumental, marque l’introduction formelle et assumée de la Renaissance en architecture royale française.
• Classicisme du XVIIᵉ siècle : l’aile de Gaston d’Orléans, conçue par François Mansart, incarne un tournant architectural majeur, fondé sur la régularité, l’ordre et la monumentalité classique.

Ces quatre phases sont juxtaposées sans dissimulation, visibles depuis la cour, et forment un ensemble cohérent mais non unifié, ce qui en fait un cas pédagogique exceptionnel.

Aucun autre château royal français ne présente une telle succession complète et lisible de styles majeurs, concentrée sur un même site. Chambord relève presque exclusivement de la Renaissance. Versailles est dominé par le classicisme des XVIIᵉ et XVIIIᵉ siècles. Fontainebleau, bien que très riche, a fait l’objet d’importantes harmonisations qui rendent la lecture chronologique moins immédiate. Amboise témoigne d’une transition gothique-Renaissance, mais sans atteindre la même diversité temporelle.

À l’échelle européenne, plusieurs ensembles royaux ou impériaux — Prague, Windsor, Vienne — présentent une grande diversité architecturale. Toutefois, il s’agit le plus souvent de complexes palatiaux étendus, agrégés sur de vastes territoires ou intégrés à des ensembles urbains. La particularité de Blois réside dans la concentration spatiale, la lisibilité immédiate, la continuité chronologique, et le caractère de chaque phase.

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L’Étranger : Camus revisité par François Ozon

« C’est clairement mon coup de cœur », confie Laëtitia Scherier. Le 24ᵉ film de François Ozon s’attaque à un monument : L’Étranger d’Albert Camus. Un roman universel, traduit dans le monde entier, étudié dans toutes les classes de lycée, lu par des générations de lecteurs. « Peu de cinéastes ont osé jusque-là, parce que c’est très dangereux. Forcément, le public est attaché au livre. »

La dernière adaptation majeure remontait aux années 1960, avec Luchino Visconti et Marcello Mastroianni. Ozon, lui, choisit d’aller au plus près de l’essence du roman : l’indifférence de Meursault au monde, l’absurde de l’existence, le poids du soleil. Là où Camus reposait tout sur la conscience intérieure du narrateur, Ozon cherche à inventer un langage visuel. « Il a eu l’intelligence de ne pas utiliser la voix off. Il exploite pleinement le médium cinéma. »

Le noir et blanc s’impose comme une évidence. François Ozon expliquait avoir voulu créer une distanciation : l’image monochrome nous met à l’écart du réel, tout en restituant l’univers des archives de l’époque. « Cela correspond parfaitement au regard du personnage principal, qui se tient à part de tout. Et la lumière est travaillée de manière incroyable. On a vraiment l’impression d’être sous le soleil de plomb de l’Algérie. »

Benjamin Voisin incarne Meursault. « Il réussit magnifiquement ce rôle. Il a un visage impassible, une expression corporelle qui le rend antipathique, mais en même temps, comme c’est un acteur plastiquement très beau, on a envie de chercher en lui une empathie. Ce paradoxe illustre très bien ce qu’écrit Camus. » Ozon donne par ailleurs davantage de place aux personnages féminins, notamment la compagne de Meursault, et accentue la dimension politique, en faisant du personnage de « l’Arabe » une incarnation de la violence coloniale. À ses côtés, Rebecca Marder et Pierre Lottin confirment leur singularité. « Pierre Lottin sort des Tuche, il prouve qu’il a un vrai potentiel d’acteur dans des films d’auteur. »

La Femme la plus riche du monde : une comédie dramatique entre emprise et vaudeville

Changement de registre avec La Femme la plus riche du monde de Thierry Klifa, librement inspiré de l’affaire Bettencourt. « Même si tous les noms ont été changés, les similitudes sont évidentes. »

Dans les années 1980, François-Marie Banier, photographe et écrivain, avait fait la rencontre de Liliane Bettencourt, héritière du groupe L’Oréal et alors femme la plus riche du monde. Entre eux s’était nouée une relation singulière qui devait durer près de vingt ans. Liliane Bettencourt, en quête de compagnonnage et d’amitié, lui avait progressivement offert des cadeaux d’une ampleur considérable : œuvres d’art, assurances-vie, liquidités. Lorsque sa fille, Françoise Bettencourt-Meyers, avait découvert l’ampleur de ces transferts financiers, elle avait décidé d’engager une action en justice pour abus de faiblesse. Cette plainte avait marqué le point de départ de ce qu’on appela ensuite l’affaire Bettencourt. C’est ce fait divers retentissant, connu de tous, que Thierry Klifa choisit de transposer librement dans son film. Isabelle Huppert y incarne une héritière inspirée de Liliane Bettencourt, Marina Foïs joue sa fille, tandis que Laurent Lafitte interprète un photographe mondain rappelant Banier, dont l’influence et l’emprise forment le cœur du récit. « Thierry Klifa ne voulait pas faire un film judiciaire, mais raconter plus largement le destin de ces familles industrielles françaises immensément riches, dont certaines fortunes reposent sur des zones d’ombre, notamment la collaboration. »

Le casting impressionne : Isabelle Huppert en milliardaire, Marina Foïs en héritière, Laurent Lafitte en photographe, Raphaël Personnaz en majordome. « Le film montre les mécanismes de domination, l’emprise d’un homme qui profite de la solitude d’une femme âgée en quête d’amitié sincère. Certaines scènes prennent des allures de vaudeville. Laurent Lafitte est outrancier, extravagant. On rit, mais on comprend aussi la gravité de la situation. » Une comédie dramatique, donc, qui choisit la légèreté pour traiter d’un sujet sérieux.

L’Incroyable Femme des Neiges : Betbeder revient à Blois

Mercredi, place à l’avant-première de L’Incroyable Femme des Neiges de Sébastien Betbeder. « C’est la sixième fois qu’il vient présenter un film aux Lobis. C’est rare : beaucoup de réalisateurs confirmés privilégient les grandes villes. Lui a un excellent souvenir du public blésois. »

Au casting : Blanche Gardin, Philippe Katerine et Bastien Bouillon. Betbeder revient filmer le Groenland, qu’il avait déjà magnifiquement montré dans Voyage au Groenland (2016). Cette fois, l’histoire alterne entre le Jura et le Groenland. « Blanche Gardin annonce en voix off, dès le début, qu’elle va mourir. On assiste donc à ses derniers jours, à une sorte de voyage introspectif. » Drôle, burlesque, mais aussi profondément émouvant. « C’est une femme simple, qui cherche juste sa place dans le monde, et se pose des questions existentielles. » Le film illustre la singularité de Betbeder : alterner sans cesse entre drame et comédie. « D’une minute à l’autre, on passe du rire aux larmes. » Une dramédie, comme il aime à le dire.

L’Inconnu de la Grande Arche : architecture et politique au cinéma

Mardi prochain, nouvelle avant-première : L’Inconnu de la Grande Arche de Stéphane Demoustier. Le cinéaste connaît bien son sujet : avant de passer à la réalisation, il travaillait au ministère de la Culture, département architecture. Le film revient sur le grand concours – anonyme pour donner sa chance à tous – lancé par Mitterrand dans les années 80 dans la perspective de la sortie de terre de cet édifice. Contre toute attente, il fut remporté par un architecte danois inconnu : Johan Otto von Spreckelsen. « Le film raconte son combat pour défendre sa vision contre les puissances politiques et financières, dans un contexte d’élections incertaines et de budgets colossaux. »

Au casting : Swann Arlaud, Xavier Dolan, et un acteur danois francophone. Pour la présentation du film aux Lobis (mardi 4 novembre à 20h30), Laëtitia Scherier s’associera à trois enseignants de l’École de la Nature et du Paysage – Olivier Gaudin, Sébastien Lemaire et Camille Michel – afin d’apporter un éclairage architectural et politique.

Halloween aux Lobis : Petit Vampire et Dark Night

Halloween approche. Vendredi 31 octobre, à 16h30, séance spéciale enfants avec Petit Vampire de Joann Sfar. « Une adaptation de sa bande dessinée, qui compile les trois premiers albums. Il avait très bien marché lors de sa sortie. On fera aussi une distribution de bonbons pour les enfants déguisés. »

Samedi soir, retour de la Dark Night. Après une première édition marathon et une seconde réduite, Laëtitia propose cette année une soirée intermédiaire : quatre films, de 19h à 2h30 du matin.

• 19h : Carrie au bal du diable de Brian De Palma,
• 21h : Shocker de Wes Craven,
• 23h15 : Dark Water de Hideo Nakata,
• 1h du matin : eXistenZ de David Cronenberg.

« L’idée est d’offrir de la diversité : un grand classique, un film de psychopathe, un film d’horreur japonais culte, et Cronenberg pour clore la nuit. Pas de gore, mais des atmosphères très différentes. Les spectateurs peuvent composer leur programme, venir pour un seul film ou pour tous. »

Mugonga, celui qui soigne : rendre hommage au Dr Denis Mukwege

Enfin, la programmation Ciné’fil met à l’honneur Mugonga, celui qui soigne, consacré au gynécologue congolais Denis Mukwege, prix Nobel de la Paix. « On l’appelle “l’homme qui répare les femmes”. Il a soigné des milliers de victimes de violences sexuelles en République démocratique du Congo. » Un homme trop peu connu du grand public, malgré son rôle pionnier dans la dénonciation des viols comme armes de guerre. « Je suis très heureuse que Ciné’fil ait programmé ce film. Cela met en lumière une figure essentielle de notre époque. »

Horaires et informations : blois-les-lobis.cap-cine.fr

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Institués au Moyen Âge, les octrois donnaient à une ville le droit de lever certaines taxes sur les marchandises entrant sur son territoire. Ils constituaient un impôt indirect destiné à financer les dépenses communales : entretien de la voirie, éclairage public, approvisionnement en eau, parfois l’aide sociale. Supprimés en 1791 pendant la Révolution française (loi des 19-25 février 1791), ils furent réinstaurés par la loi du 9 germinal an V (29 mars 1797) et réappliqués à partir de 1798. Le système perdura jusqu’à sa suppression officielle par la loi du 7 août 1948, après la suppression pour Paris et la région parisienne en 1943, malgré un assouplissement des règles dans les années 1930.

À Blois, des bureaux étaient installés à seize entrées de la ville. Les véhicules transportant des marchandises destinées à la consommation devaient s’arrêter devant l’un de ces bureaux et s’acquitter de droits. Ces droits variaient selon six catégories de produits : boissons, combustibles, comestibles, matériaux de construction, fourrages et divers. Chaque catégorie pouvait être subdivisée en plusieurs tarifs, selon la nature et la qualité des marchandises. Le système était extrêmement complexe et détaillé, avec une réglementation propre à chaque commune.

C’est sous le mandat d’Eugène Riffault – maire de Blois de 1848 à 1870 – que les limites de la perception de l’octroi ont été redéfinies. Huit des seize bureaux ont été restaurés ou construits à neuf à cette époque, dans un souci d’efficacité mais aussi de présentation architecturale. Riffault confia ces travaux à Jules Édouard Potier de La Morandière (1819-1898), architecte diocésain et de la ville, également responsable de restaurations au château de Blois et de la construction du haras national.

Certains de ces bureaux d’octroi ont survécu aux transformations urbaines. Les plus remarquables sont ceux situés à l’entrée de l’avenue Gambetta, érigés en 1854 en petits pavillons de brique et pierre dans le style de la Renaissance par La Morandière. Lors du déplacement de la gare vers 1890, ils furent démontés pierre à pierre et remontés à leur emplacement actuel. Ils sont un hommage à l’attention portée par Eugène Riffault à l’architecture de qualité, même pour les bâtiments les plus modestes.

L’octroi de la route de Saint-Dyé existe encore au 21 quai Henri Chavigny, une simple maison basse qui se fond dans le paysage urbain. Celui de la gare des marchandises, en brique, a servi jusqu’en 2013 comme local associatif (mutuelle des cheminots). D’autres, comme l’octroi de l’avenue de Paris, ont été modifiés et sont plus difficiles à reconnaître.

À Blois, le service de l’octroi cessa dans les années 1920, bien avant l’abolition nationale, dans un contexte de réforme fiscale locale. Les octrois ont disparu depuis longtemps, mais leur héritage persiste parfois dans le paysage urbain. Ils rappellent une époque où chaque entrée de ville était une frontière fiscale.

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En bord de Loire, le vent du printemps fait frémir les installations nouvellement posées sur la digue. Au fil d’une promenade de 1,7 km, le regard du visiteur est guidé, provoqué, invité à se poser : sur le fleuve, la ville, la végétation, ou le simple usage d’un banc. Neuf dispositifs temporaires ont vu le jour cette année, conçus et réalisés par les étudiants de l’École de la nature et du paysage de l’INSA Centre-Val de Loire et les élèves du DN MADe Objet du lycée Camille Claudel. Tous ont été encadrés par leurs enseignants et accompagnés par le designer Alexis Reymond. Après une première expérience, cette deuxième édition prend une tout autre dimension.

Jeanne Dumont, chargée de mission paysage pour Agglopolys, l’affirme sans détour : « Le site était vraiment exceptionnel pour faire des projets. On n’était pas allés jusqu’au bout de tout ce qu’on pouvait faire comme idées à développer. Cette année, on s’est rendu compte qu’on avait encore eu vraiment de nouvelles idées. On est allés beaucoup plus loin dans la mise en valeur du paysage. » Le passage de l’idée à la réalisation a été au cœur du dispositif. L’ensemble du processus — conception, prototypage, fabrication, installation — a été mené par les élèves, en lien étroit avec les services de l’agglomération. Ils ont récupéré, découpé et assemblé des matériaux, se sont confrontés à la construction en taille réelle.

Parmi les structures imaginées par les élèves de Camille Claudel en DNMADE mention Objet, Les légendes courant la Loire (Thomas Biraud, Wendy Ménon, Maxime Tèche) évoque un pare-battage échoué, transformé en repère de contemplation, invitant à l’écoute des récits fluviaux. Une pause sur la Loire (Mattéo Blanchard, Panpy Haristoy, Solenn Pilette) imite un filet de pêche suspendu, suspendu au-dessus de la digue, offrant au passant un espace aérien pour s’arrêter et observer. Porte sur Loire (Carine Bouhouss, Meidine Djedjou, Anaïs Lemaitre) trace un seuil symbolique : en franchissant la structure, le promeneur passe de l’urbain au ligérien. Avec Qui l’eût crue ?, Dorine Chesnot et Aësa Perrot matérialisent les crues historiques de 1907, 2003, 2018 et 2024 sur les marches d’une cale, dans une installation aussi poétique que pédagogique.

Du côté de l’INSA, l’équipe de Détente ligérienne (Cerise Rousseau, Manon Landier, Liz Rusak, Marius Kessler, Victor Chrika, Alban Thuleau, Jean Huguet du Lorin) a conçu un ponton en retrait du cheminement, propice à la contemplation de la biodiversité. Marche ligérienne (Maxime Recalt, Léandre Guillot-Dumas, Timnah Boko-Boumba) introduit une marche subtile dans le talus, ponctuée d’un mur en pisé. Les Assises contemplatives (Paul Pouchin, Luce Degouzon, Éloi Vautrin, Mei-Li Tambay, Marine Burcon, Sophia Marmaroli, Nathanaëlle Privat, Malak Ziani) serpentent la pente d’un escalier en épousant ses courbes. Les lignes douces de ce mobilier favorisent autant la convivialité que l’observation silencieuse du paysage.

Deux autres propositions, Empreinte sur la digue (Jeanne Parachini, Maud Ciampi, Juliette Pasquet, Camille Perez, Anneliese Benoit, Catherine Purorge, Solenn Triguel, Apolline Brousse) et Entre ciel et terre (Valentine Guillou, Élodie Foure, Jade Camus, Blanche Louvet, Léo Citerin, Romane Orsaz, Walid Ouhabi, Emma Chambon), expérimentent d’autres échelles d’aménagement. La première installe une plateforme mobile en bois sur un replat de l’escalier, pour encourager la pause. La seconde propose une assise discrète en bord de fleuve, dans une percée végétale créée lors des travaux d’entretien du lit de la Loire, ouvrant un panorama jusqu’alors insoupçonné.

Le chantier dépasse le simple exercice pédagogique et interroge les usages du fleuve, l’adaptation au risque inondation, les pratiques urbaines et les besoins contemporains. « C’était ça le gros challenge de ce site. Ils sont allés vraiment beaucoup plus loin sur la prise en compte du risque d’inondation que l’année précédente. Et c’est ça qui va beaucoup nous aider pour la suite du projet, quand on va faire des aménagements pérennes », souligne Jeanne Dumont. Car l’expérimentation vise aussi à préparer l’avenir du site.

L’originalité de la démarche réside dans la collaboration entre deux établissements à l’ancrage disciplinaire très différent. Pour Yann Chamaillard, directeur de l’INSA Centre-Val de Loire, « marier la compétence design d’objet avec l’aménagement du paysage, c’est quelque chose de très rare, peut-être d’unique en France ». Il évoque une aventure « exceptionnelle » qui a fédéré les équipes, produit des propositions cohérentes et donné lieu à une appropriation sensible du site, par les élèves comme par le public. « Ce qui est frappant, depuis la pose des projets, c’est l’adhésion du public, observe Jérôme Gaucher, enseignant au Lycée Camille Claudel. On le sent : c’est une forme de soft concertation. Visiblement, des citoyens le perçoivent déjà comme ça. »

Le chantier a mobilisé de nombreux partenaires, des élus aux associations locales comme la Ralingue, en passant par les agents municipaux, les services de l’État. Il a impliqué les services de la régie bâtiments, voirie, environnement, risques, parcs et jardins. Une mobilisation collective qui s’est accompagnée d’un vrai changement de regard sur le lieu. « Il faut savoir qu’il y a deux ans, tout le long de la promenade, on ne voyait pas du tout la Loire », rappelle Jeanne Dumont. Grâce à des ouvertures ponctuelles dans la végétation, le paysage s’est révélé. « Ce n’est pas naturel, en fait, le paysage qu’on peut observer aujourd’hui. »

Christophe Degruelle, président d’Agglopolys, voit dans cette dynamique un retour bienvenu à l’essence de la cité. « Finalement, Blois existe parce qu’il y a eu des rois qui s’y sont implantés, qui ont créé et construit les châteaux. Mais avant tout, Blois, c’est une ville fluviale. Jusqu’à l’arrivée du chemin de fer, ce fleuve, c’était une autoroute, un lieu de vie exceptionnel. Et proposer aux habitants de redécouvrir ce lieu — en regardant, tout simplement, en réapprenant le regard — c’est quelque chose auquel on est très attaché. »

Il se dit fier de cette seconde édition, d’autant que les inondations survenues après la première ont mis à l’épreuve la durabilité des structures. « Beaucoup des objets avaient été noyés sous l’eau. Et en même temps, cette inondation nous rappelle que le rapport au fleuve est quelque chose de fondamental dans l’histoire de Blois. »

« Je pense qu’on peut dire qu’on est passés d’un site où on passait à toute vitesse dans un couloir en pied de digue à un site qui est vraiment essentiel pour la ville », conclut Jeanne Dumont. « Pour la santé mentale, pour la santé physique aussi, puisque les gens viennent courir, se ressourcer… Et c’est un lieu important, peut-être, pourquoi pas, pour réfléchir à l’avenir de la ville. »

Le projet REGARDS ne s’arrête pas là. L’initiative revient en 2025 en bord de Loire. Elle sera renouvelée en 2026, cette fois sur un nouveau site : La Vacquerie, un espace maraîcher à Blois. « L’idée est de travailler sur l’appropriation de ce lieu par les habitants, avec des conceptions graphiques et du mobilier urbain », explique Nicolas Orgelet, élu écologiste très impliqué dans le projet. « Contrairement aux bords de Loire, La Vacquerie est moins soumise aux aléas naturels, ce qui permettra de penser des aménagements pérennes. »

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Sylvie nous raconte son parcours singulier, marqué par une passion intense pour les châteaux et leur histoire. À travers son récit, on découvre une femme investie d’une mission presque spirituelle : sauver, restaurer et transmettre ces monuments chargés de mémoire. Retour sur une vie rythmée par les coïncidences, les défis, et un amour inébranlable pour le patrimoine.

Une fascination née dans l’enfance

L’histoire de Sylvie et des châteaux commence dès son enfance. Pendant les vacances, sa famille se rend régulièrement dans la Loire, près de Roanne, où habite son cousin. Un jour, alors qu’elle court dans les champs, Sylvie, âgée de six ans, aperçoit au loin un château. C’est un véritable choc émotionnel. Elle se souvient encore de cette sidération et de la promesse qu’elle se fait à elle-même : « Quand je serai grande, je veux ça. » De retour à Malakoff, où elle vit au milieu des grandes tours et des immeubles de l’époque, elle joue à la princesse dans le couloir de deux mètres de long de son appartement, drapée dans la robe de chambre de sa mère. Le rêve s’ancre en elle.

Le premier château : une expérience fondatrice

À 28 ans, Sylvie quitte la vie parisienne et réalise une partie de ce rêve en achetant sa première propriété : un ancien hameau des XIIIe et XVe siècles dans les Deux-Sèvres. Ce lieu, mentionné dans les répertoires de Châteaux et demeures, est en ruines, mais Sylvie parvient à financer son acquisition et commence à le restaurer petit à petit. Cette aventure marque un tournant dans sa vie. À cette époque, elle partageait ce projet avec le père de sa fille. Entre ses cours, ses premières expositions artistiques et les travaux de rénovation, Sylvie découvre une profonde satisfaction dans le fait de redonner vie à ce lieu historique. Pendant près de dix ans, elle consacre ses efforts à cette restauration, avant de le vendre pour entamer un nouveau chapitre de sa vie.

La rencontre avec Alain et la quête du Guérinet

Après avoir vendu son premier château, Sylvie décide de reprendre des études d’architecture intérieure à Poitiers. C’est dans ce cadre qu’elle rencontre Alain, qui deviendra rapidement bien plus qu’un compagnon de vie : un véritable partenaire dans ses projets liés au patrimoine. Alain, originaire de la Vienne, a grandi dans une famille passionnée par le karting. Son père consacrait toute son énergie à restaurer et entretenir les véhicules. Cet amour pour la réparation et la préservation semble s’être transmis à Alain, qui, en tant que kinésithérapeute, restaurait les corps, et qui découvre, avec Sylvie, une nouvelle passion : restaurer des bâtiments chargés d’histoire.

Leur connexion est immédiate, portée par une vision commune : celle de ne pas seulement vivre dans des lieux historiques, mais aussi de leur donner une vie nouvelle en les partageant avec les autres. Pour eux, les châteaux ne sont pas seulement des monuments de pierre, mais des gardiens de mémoire qu’il faut préserver et transmettre.

Fort de cette vision commune, Sylvie et Alain décident de partir à la recherche d’un nouveau château, une quête qui va durer près de cinq à six ans. Leur périple les conduit principalement dans le sud de la France, une région qu’ils affectionnent particulièrement. De Pau à Nice, en passant par Toulouse, ils parcourent des kilomètres, visitent des propriétés variées et s’imprègnent de l’histoire des lieux. Durant ces années de recherche, le couple visite une quarantaine de propriétés. Certaines d’entre elles suscitent un véritable coup de cœur, mais des obstacles imprévus les contraignent à renoncer. Parfois, ce sont des travaux bien trop importants à envisager, comme ce château à Laurentie, près de Toulouse, qui les séduisait par sa belle chapelle mais nécessitait des rénovations colossales. D’autres fois, ce sont des déceptions liées à des choix destructeurs de propriétaires. Un exemple marquant est celui d’un château avec un vignoble historique. Lorsqu’ils arrivent sur place, ils découvrent avec stupeur que le vignoble, constitué d’un cépage ancien et rare, avait été arraché.

Chaque visite les rapproche de leur objectif, mais leur impose aussi des ajustements. Sylvie et Alain apprennent à analyser chaque propriété avec soin, combinant l’élan du coup de cœur avec une approche pragmatique. « Avant de signer quoi que ce soit, un papier, un crayon et on fait les plus et les moins », disait toujours le père de Sylvie, un conseil qu’ils appliquent scrupuleusement.

Un jour, alors qu’ils cherchaient encore dans le sud, Alain tombe sur une annonce pour un château dans le Loir-et-Cher. Au premier abord, Sylvie hésite. Habituée aux paysages ensoleillés et aux teintes chaudes du sud, elle n’est pas convaincue. Mais Alain insiste : « Allons-y, juste par curiosité. » Face à sa persévérance, elle accepte.

Lorsqu’ils arrivent sur les lieux, ils empruntent un chemin qui traverse une forêt dense. Au bout, le château du Guérinet se dévoile soudainement. Ce moment reste gravé dans leur mémoire. « C’est mystérieux, et puis d’un coup, le château te saute à la gueule », raconte Sylvie. Ce fut un véritable coup de cœur. Contrairement à de nombreuses autres propriétés qu’ils avaient visitées, le Guérinet était en bon état général. Certes, des travaux étaient nécessaires, mais le potentiel du lieu était évident. Ce 41e château qu’ils visitaient réunissait toutes les conditions qu’ils cherchaient : un lieu avec une âme, chargé d’histoire, et suffisamment préservé pour qu’ils puissent envisager sa restauration sans être submergés par l’ampleur des travaux. Cette fois-ci, l’histoire semblait être de leur côté, et Sylvie et Alain savaient qu’ils venaient de trouver leur nouveau foyer.

Calmann-Lévy

L’histoire du château du Guérinet prend une nouvelle dimension lorsque Sylvie et Alain découvrent ses liens avec l’éditeur Georges Calmann-Lévy (1859-1937). Cette révélation survient lors de la troisième visite du château, quand l’agent immobilier mentionne ce détail historique. Pour Sylvie, grande amatrice de littérature, cette information agit comme un déclic émotionnel. « Mon cœur a fait des bonds. » Elle réalise que ce lieu, au-delà de son architecture et de son charme, porte également une mémoire littéraire riche.

Le nom de Didier de Chousy, ancien propriétaire et membre de la famille ayant fait bâtir le château actuel, apparaît comme un autre point marquant. Écrivain du XIXe siècle, il publie un roman intitulé Ignis en 1870, qui évoque pour la première fois des robots dans la littérature française. Cette découverte fascine Sylvie, qui voit dans ce lien un enrichissement supplémentaire à l’histoire littéraire du Guérinet.

Une coïncidence incroyable : le lien entre le Guérinet et un château de son enfance

Parmi les moments marquants de l’histoire de Sylvie et du Guérinet, une incroyable coïncidence vient renforcer son attachement à ce lieu. Cette révélation découle d’une rencontre fortuite orchestrée par son amie Eliane, une habitante du village où Sylvie passait ses vacances enfant. Eliane, amie avec les propriétaires d’un château proche, propose à Sylvie de lui organiser une visite. Ce château dont elle a oublié les contours n’est autre que celui qui avait bouleversé Sylvie lorsqu’elle était âgée de six ans, celui qu’elle avait aperçu au loin, en courant dans les champs, et qui avait éveillé sa fascination pour les châteaux.

Or, lorsqu’elle arrive sur les lieux, Sylvie est frappée par une étrange sensation de familiarité. En débouchant du chemin qui mène au château, elle s’arrête, stupéfaite : « Ce n’est pas possible, c’est le même que le Guérinet ! Mais ce n’est pas possible. » L’émotion est intense, et la ressemblance entre les deux bâtiments est troublante. Ce château qu’elle voulait « plus grande » est à l’image du Guérinet !

Pendant la visite, Sylvie engage la conversation avec le propriétaire. Celui-ci mentionne alors le nom complet de sa famille : de Nompère de Cadore de Champagny. Ce détail intrigue immédiatement Sylvie, qui lui confie : « Tiens, c’est marrant, parce que nous avons une allée de Cadore au Guérinet. » Cependant, le propriétaire reste sceptique et répond : « Cela me paraît impossible, c’est sûrement une déformation du nom, car nous sommes la seule famille de Champagny. »

Cette rencontre marque un point de départ. Quelques semaines plus tard, Alain, en consultant les actes notariés liés à l’histoire du Guérinet, fait une découverte majeure. Il réalise que la mère de celui qui a fait construire le Guérinet portait effectivement le nom de Nompère de Cadore de Champagny. Cela établit un lien direct entre les deux châteaux, confirmant une connexion historique et familiale que Sylvie n’aurait jamais imaginée.

Pour Sylvie, cette découverte prend une dimension presque métaphysique. Elle confie : « Je devais vraiment être ici. Une chance sur combien de millions ? » Ce lien inattendu entre le Guérinet et le château de son enfance renforce son sentiment d’avoir trouvé sa place, comme si toutes les pièces du puzzle de sa vie s’assemblaient enfin. Cette synchronicité, qui dépasse la simple coïncidence, illustre parfaitement l’idée que certains lieux sont faits pour rencontrer certaines personnes. Pour Sylvie, ce moment n’a fait que confirmer sa mission : restaurer et préserver ces bâtiments, porteurs de mémoire et d’histoires, pour les transmettre aux générations futures.

Un lieu vivant : des chambres d’hôtes et des événements culturels

Depuis leur arrivée, Sylvie et Alain ont transformé le château du Guérinet en un lieu de partage. Ils proposent trois chambres d’hôtes, chacune portant le nom de personnalités liées à l’histoire du château : Anatole France, Sarah Bernhardt et Marguerite de Lariboisière. Ce projet n’a rien de commercial : les prix sont abordables, dans l’espoir d’attirer de jeunes passionnés de patrimoine.

En parallèle, le château est devenu un centre d’activités culturelles. Sylvie et Alain accueillent des artistes durant la Promenade Artistique de Molineuf, des conférences et autres événements dans le cadre des Rendez-vous de l’histoire, proposent un concert de musique classique avec Sébastien Gresse et les Douves d’Onzain, ou encore des lectures et même des tournages de films, comme une version revisitée de La Princesse de Clèves, où tous les rôles étaient tenus par des femmes.

En visitant le Guérinet, on ne peut qu’être frappé par l’énergie et la passion qui animent Sylvie et Alain. En ouvrant les portes du château, ils offrent aux visiteurs un espace où la mémoire et la créativité se rencontrent.

Malgré tout, Sylvie exprime une certaine frustration : « Des châteaux, moi, j’aurais voulu en sauver dix, et je ne peux pas. » Cette mission dépasse les raisons pratiques ou rationnelles : « C’est quelque chose de l’ordre du cœur. » Quoi qu’il en soit, c’est un véritable héritage vivant qui s’offre au château du Guérinet.

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L’héritage des utopies des années 60-70

La présence de cette UFO House à Blois s’inscrit dans le cadre du festival AR(t)CHIPEL, un événement qui célèbre le lien entre héritage culturel et création contemporaine en Région Centre-Val de Loire. Cet engin en plastique est un projet préfabriqué inspiré de la Futuro House, une création de l’architecte finlandais Matti Suuronen datant de 1968. À l’origine, l’UFO House faisait partie d’un ensemble de bungalows construits en 1979 à Emerald Bay, un complexe de vacances luxueux situé au nord de New Taipei City à Taïwan, aujourd’hui tombé en désuétude.

Cette capsule incarne la vision d’une époque marquée par un optimisme architectural et un rêve de liberté totale. Les « Trente Glorieuses », période d’expansion économique et sociale, ont vu émerger des aspirations d’utopies sociales et de loisirs accessibles à tous, dans un cadre où la mobilité et le bien-être semblaient sans entrave. L’UFO House, avec sa forme courbe et son design modulaire en plastique, illustre à merveille ces rêves d’un habitat libéré des contraintes traditionnelles. Il symbolise aussi une époque où l’architecture cherchait à réinventer l’espace domestique à travers des matériaux novateurs comme le plastique, perçu alors comme un matériau de l’avenir.

Entre vision futuriste et crise énergétique

Conçue à une époque où le plastique semblait donc être une solution révolutionnaire pour l’architecture de demain, l’UFO House fait partie d’une série d’expérimentations architecturales qui ont marqué les années 1960 et 1970. Légères, modulaires et bon marché, ces structures étaient imaginées pour répondre aux besoins des sociétés modernes. Cependant, la crise pétrolière de 1973 et celle de 1979 ont rapidement mis un terme à ces utopies plastiques. La prise de conscience écologique grandissante et les crises économiques successives ont relégué ces visions architecturales au rang d’expérimentations avortées.

Malgré cela, ces projets continuent de fasciner, notamment pour leur aspect visionnaire. L’UFO House, aujourd’hui réhabilitée, témoigne de cette époque où tout semblait possible. Julien Recours, qui a sauvé cette maison du naufrage, s’attache à préserver ces témoins d’une avant-garde architecturale à la frontière entre art, design, et utopie sociale.

Le choix d’installer l’UFO House devant la façade Louis XII du Château royal de Blois n’est pas anodin. Le château, joyau de l’architecture Renaissance, dialogue ici avec cette structure résolument 70′. Ce contraste saisissant entre patrimoine historique et expérimentation contemporaine il y a 50 ans illustre l’évolution des conceptions de l’habitat au fil des siècles. Le château, emblème de la vie aristocratique et des valeurs de l’époque, se trouve face à une maison modulaire qui incarne les rêves utopiques des années 1970, où l’individu était placé au centre de toutes les préoccupations architecturales.

Avec ses fenêtres hublots et son design rappelant une soucoupe volante, cette maison-capsule offre une immersion dans l’imaginaire des années 70. C’est un rappel des rêves de conquête spatiale et d’exploration de nouvelles frontières, que ce soit dans l’espace ou dans l’architecture.

Julien Recours en explorateur du futur révolu

Julien Recours, l’homme derrière la réhabilitation de l’UFO House, est un collectionneur d’architectures pop et modulaires des années 1960-1970. Il constitue depuis 2014 une collection dans le Loiret, rassemblant des pièces avant-gardistes issues de cette période où l’architecture cherchait à repousser les limites de l’habitat traditionnel. Il se considère comme un explorateur de cités fantômes, traquant ces vestiges d’un futur révolu pour les remettre en lumière. Ses trouvailles, parfois découvertes dans des lieux improbables, sont réactivées dans des scénographies contemporaines qui interrogent notre rapport au progrès et à la technologie.

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La ville, vecteur de symboles

Dès le début de la conférence, Nicolas Balmy souligne donc un aspect fondamental : la ville est un vecteur de symboles. En conséquence, pour les francs-maçons, la ville représente bien plus qu’un agencement de bâtiments et d’infrastructures. Elle est le reflet des idées, des valeurs et des aspirations des sociétés qui l’ont bâtie. La ville, selon Balmy, doit incarner des principes universels.

La notion de temps long : une démarche maçonnique

En outre, la ville doit être pensée sur un temps long, une façon de procéder qui s’apparente à une démarche maçonnique. Construire une ville ne peut se faire dans l’urgence ou la précipitation. Cette réflexion s’inscrit dans une tradition maçonnique où chaque pierre posée est pensée dans une perspective de durabilité et de soutien au bien commun. Il s’agit d’un processus évolutif qui prend en compte les leçons du passé et anticipe les besoins du futur.

Dans cette vision, la ville n’est pas simplement un produit de son époque, mais un organisme vivant qui se transforme au fil des siècles. Cette transformation doit se faire de manière réfléchie, en respectant les cycles naturels et sociaux. La planification urbaine, bien que nécessaire, doit laisser de la place à l’évolution spontanée et aux adaptations que les habitant.es apportent par leurs usages et leur créativité.

Ordo ab Chao

Ainsi, les conférenciers ont observé l’existence d’un balancier constant entre la planification et le développement organique spontané. Nicolas Balmy a expliqué que la ville, lorsqu’elle est planifiée dans les moindres détails, peut perdre son dynamisme et sa capacité à répondre aux besoins des habitants. À l’inverse, une ville qui se développe sans aucune organisation peut sombrer dans le chaos. L’équilibre réside dans une coexistence entre ces deux pôles pour tendre vers ce mantra : Ordo ab Chao.

Ce balancier est également visible dans l’histoire urbaine, comme l’a rappelé Xavier Malverti. Il a illustré ce phénomène à travers des exemples de villes médiévales, où des développements spontanés ont été suivis de grandes périodes de planification structurée. Ces phases alternées de croissance organique et de régulation permettent à la ville de rester un espace vivant, capable d’intégrer à la fois des innovations architecturales et des usages quotidiens diversifiés.

Xavier Malverti a insisté sur l’idée qu’une ville est en permanence un bricolage d’éléments disparates, où le chaos apparent peut parfois engendrer un ordre inattendu. Il a donné l’exemple des bidonvilles qui, laissés à eux-mêmes, peuvent se transformer en véritables villes à part entière, pour peu que quelques infrastructures de base soient mises en place. Ce processus montre que l’ordre peut émerger sans qu’une autorité centrale ne doive tout réguler.

Cette vision rejoint l’idée que la ville est avant tout une construction collective. Chacun y apporte sa contribution, que ce soit par la manière dont il utilise les espaces ou par les interactions qu’il crée avec les autres habitant.es. En ce sens, la ville n’a pas besoin d’une organisation rigide pour fonctionner. Elle doit plutôt permettre à ses habitants d’agir librement, de se réapproprier l’espace public, et de participer activement à la construction de leur environnement.

Le sens perdu de l’espace public

L’un des concepts les plus importants évoqués durant la conférence concerne la relation entre le bâti et le vide dans la ville. Pour Balmy, « le bâti génère du vide, et ce vide, c’est l’espace public ». Ce vide, loin d’être un simple espace interstitiel, est le cœur de la ville. C’est là que se tissent les relations sociales, que se déploient les échanges économiques et culturels, et que se vit la citoyenneté. Il a souligné que l’espace public est essentiel à la liberté, à l’égalité et à la fraternité : ces valeurs fondatrices doivent trouver leur expression dans des lieux ouverts, partagés par toutes et tous.

Cependant, dans la ville contemporaine, cet espace public semble avoir perdu son sens. Souvent accaparé par les voitures, les flux marchands ou des intérêts privés, il n’est plus le lieu de rencontre, de débat et de solidarité qu’il devrait être. Selon les intervenants, la ville d’aujourd’hui a parfois oublié le rôle fondamental de ses espaces publics. Ces lieux ne devraient pas être perçus comme de simples passages fonctionnels, mais comme le ferment de la liberté, de l’égalité et de la fraternité. C’est dans ces espaces que se créent les conditions d’une ville inclusive, où chaque habitant.e peut trouver sa place.

Dense mais durable et désirable

La conférence s’est conclue sur un appel à réenchanter l’espace public. Pour cela, il est nécessaire de repenser la ville, non pas uniquement comme un ensemble de bâtiments, mais comme un organisme vivant, en perpétuelle évolution, où le dialogue entre planification et développement spontané permet à chacun de trouver sa place.

Ce dialogue est au cœur de la démarche maçonnique, qui prône la liberté d’agir, l’égalité des acteurs, et la fraternité dans l’action collective. La ville, dans cette perspective, n’est pas seulement un lieu de vie, mais un espace symbolique où s’incarnent les idéaux humanistes qui traversent l’histoire.

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La classification permet de comprendre plus aisément le vaste et complexe domaine des arts. En regroupant les œuvres et les disciplines selon des critères communs, on facilite leur étude et leur analyse, permettant ainsi aux historiens de l’art, aux critiques, et au grand public d’appréhender les caractéristiques, les évolutions, et les influences de différentes périodes et mouvements artistiques.

Historiquement, la classification des arts a souvent impliqué une certaine hiérarchisation, reflétant les valeurs culturelles et esthétiques d’une société donnée. Par exemple, pendant longtemps, les arts libéraux étaient considérés comme supérieurs aux arts mécaniques, reflétant une valorisation de l’intellect sur le travail manuel. Cette hiérarchisation peut aussi aider à distinguer ce que l’on considère comme de l’art « majeur » ou « mineur », bien que ces perceptions puissent largement varier selon les époques et les cultures.

Par exemple, le cinéma et la photographie, initialement vus comme des curiosités techniques ou des divertissements populaires, ont acquis une nouvelle stature en étant classés comme formes d’art à part entière.

La classification des arts reflète également les changements et les évolutions culturelles. Avec l’émergence de nouvelles technologies et formes d’expression, comme le numérique ou les jeux vidéo, la nécessité de repenser les catégories existantes devient évidente. L’art culinaire pourrait aussi apparaitre dans la classification. Cela souligne la dynamique de l’art en tant que reflet vivant des sociétés qui le produisent et le consomment.

Quelle est l’histoire de cette classification ?

L’histoire de la classification des arts en un système numéroté remonte à la période de la Renaissance en Europe, mais la forme exacte que nous connaissons aujourd’hui, avec les arts numérotés de un à neuf (et au-delà, dans certaines propositions modernes), et a été sujette à des interprétations et des adaptations diverses à travers le temps.

Origines

Dans l’Antiquité et pendant le Moyen Âge, les arts étaient généralement divisés en arts libéraux et arts mécaniques (ou vulgaires). Les arts libéraux étaient ceux considérés dignes d’un homme libre (grammaire, rhétorique, dialectique, musique, arithmétique, géométrie, et astronomie), tandis que les arts mécaniques étaient liés au travail manuel et à l’artisanat. Avec la Renaissance, la distinction entre les différents types d’arts commence à se préciser, donnant plus de valeur et de reconnaissance aux arts visuels et aux spectacles.

La classification moderne

La classification des Beaux-Arts en cinq principales catégories (peinture, sculpture, architecture, musique, et poésie) a été formalisée en France au XVIIe siècle. Cette hiérarchisation avait pour but de distinguer les formes d’art considérées comme supérieures pour leur capacité à fournir une esthétique raffinée et à transmettre des idéaux intellectuels et moraux.

Au fil du temps, avec l’avènement de nouvelles technologies et de nouveaux médias, d’autres formes d’art ont été reconnues et intégrées dans la classification. Le cinéma, par exemple, a été surnommé le « 7e art » au début du XXe siècle, notamment par le théoricien Ricciotto Canudo dans son manifeste « La Naissance du Sixième Art » en 1911 (actualisé plus tard pour inclure le cinéma comme le septième art). La photographie et la bande dessinée ont également été reconnues comme des formes d’art à part entière et ont été intégrées dans cette classification numérotée.

La classification des arts :

1. Architecture
2. Sculpture
3. Peinture
4. Musique
5. Danse
6. Poésie
7. Cinéma
8. Photographie
9. Bande dessinée

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Étrangement, dès 1284, cette rue était déjà connue sous le nom de « rue pavée », bien qu’elle ne mesure que trois mètres de large. En 1626, elle était décrite comme la voie menant de la « rue pavée, à présent rue du Sermon, à la maison de l’Estoille ». En 1354, Johan le Clerc, un des premiers officiers municipaux de Blois, fut chargé de son pavage.

Cette rue historique, autrefois prolongée parallèlement à la rue du Foix jusqu’à la « Grande rue aux Capucins » (actuelle rue des Écuries du Roi), a été progressivement élargie au fil des siècles, malgré la présence de bâtiments en saillie témoignant de sa largeur initiale.

Les Carmélites s’y installèrent en 1625, déménageant leur couvent des environs des écuries royales. Pendant la Révolution, les bâtiments servirent de prison. En 1808, un décret de Napoléon transforma le couvent en dépôt d’étalons, reconstruit en 1854 avec des pavillons d’entrée élégants en briques et pierres. Face à l’augmentation du nombre d’étalons, un nouveau haras fut érigé avenue de Paris (Maunoury).

La gendarmerie, initialement basée dans l’ancien couvent des Jacobins, occupa ces lieux dès le début des années 1880, y restant plus d’un siècle. La rue, élargie dans les années qui suivirent, vit la transformation de ses pavillons d’entrée en bâtiments de bureaux et de logements au début des années 1960. Les bâtiments, désertés par la gendarmerie, furent totalement réhabilités en 2015, devenant la résidence des Carmélites.

Ainsi, la Rue du Sermon, avec son riche passé religieux, militaire et équestre, continue de témoigner du riche patrimoine de Blois, évoluant au gré des siècles.

Sources : Blois d’hier et d’aujourd’hui de B.Guignard et D.Bénard (Sutton); Histoire de Blois de L. Bergevin et A. Dupré; Archives Départementales de Loir-et-Cher, Fonds Joursanvaults de la médiathèque Abbé Grégoire; Le dictionnaire des noms de rues de P.Nourrisson (CLD).

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Qu’est-ce qu’un « cul-de-lampe »?

Contrairement à ce que son nom pourrait suggérer, le « cul de lampe » n’a rien à voir avec un luminaire. Il s’agit d’un élément sculpté, généralement en pierre, servant à orner un encorbellement ou une saillie, comme le bas d’une voûte ou d’une statue. Ils étaient particulièrement populaires pendant le Moyen Âge et la Renaissance.

Les « culs de lampe » au château de Blois : un témoignage de l’évolution artistique

Le château de Blois, avec ses différentes ailes construites à différentes époques, présente un éventail de styles architecturaux. Et les « culs de lampe » ne sont pas en reste.

Dans l’aile Louis XII, par exemple, ces éléments reflètent clairement le style de la fin du Moyen Âge, avec des motifs souvent inspirés de la nature ou de la mythologie. En passant à l’aile François Ier, construite pendant la Renaissance, on peut observer une transition vers des motifs plus élaborés, témoignant de l’influence de la Renaissance italienne.

Des trésors cachés à observer

Chaque « cul de lampe » est unique et raconte une histoire. Certains portent des scènes religieuses, d’autres des représentations de la vie quotidienne ou des créatures fantastiques. Leur richesse réside dans les détails, souvent si fins et précis qu’ils nécessitent une observation attentive pour en apprécier toute la beauté. Ou pas. Ici, une drôle de « correction maternelle » !

La préservation de ces chefs-d’œuvre

Au fil des ans, les « culs de lampe » du château de Blois, comme d’autres éléments architecturaux, ont subi les ravages du temps. Heureusement, le château, conscient de la valeur inestimable de ces sculptures, a pris des mesures pour les restaurer et les préserver. Ces efforts de conservation permettent aux visiteurs d’aujourd’hui, et de demain, d’admirer ces pièces maîtresses de l’histoire architecturale.

La prochaine fois que vous visiterez le château de Blois, prenez un moment pour chercher ces petits joyaux architecturaux. Ils peuvent être discrets, cachés sous une voûte ou à la base d’une statue, mais ils sont le reflet vivant d’une époque et d’un savoir-faire. Les « culs de lampe » du château de Blois sont plus qu’un simple ornement, ils sont les gardiens silencieux de l’histoire de la ville.

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